Td corrigé Florence Gétreau - TEL (thèses pdf

Florence Gétreau - TEL (thèses

Soutenue le 8 décembre 1995, devant le jury d'examen : ... Je remercie Monsieur le Professeur Alain BARREAU, du Centre de Recherche en .... les se développer, ils deviendront faciles à voir, mais très difficiles à corriger » (le Prince, 1532) ..... par le produit entre deux éléments de son milieu extérieur (fonction principale).




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du département de la musique à la Bibliothèque nationale de France, Directeur d’études à l’EPHE ; Prof. Dr. Tilman Seebass, Directeur de l’Institut für Musikwissenschaft, Universität Innsbruck ; Monsieur Philippe Vendrix, Directeur de recherche au CNRS, CESR, Tours ; Prof. Dr. Herbert Schneider, Musikwissenschaftliches Institut, Universität des Saarlandes ; Prof. Dr. Febo Guizzi, Ordinario di Etnomusicologia, Università di Torino, Facoltà di Scienze della Formazione ; Prof. Alain Mérot, Professeur d’histoire de l’art, Université Paris-IV-Sorbonne.
Sommaire
BILAN SCIENTIFIQUE
I. Organologie – Perspective historiographique 5
Les arts mécaniques 5
Les monuments de la facture instrumentale 9
Les produits de l’industrie et de l’organographie 11
Catalogues, dictionnaires et précis historiques 14
Sources d’archives et monographies 17
Commerce des instruments et collections 18
Archéologie expérimentale, conservation 18
Ethno organologie 20
Sources d’archives et recueils de documents 22
Acoustique et organologie 23
Travaux français, travaux étrangers 24
Bibliographie des travaux français et sur la France 25
I. 1. Organologie – Histoire des instruments de musique 27
I. 2. Organologie – Facture instrumentale. Le métier. Les facteurs 33
I. 3. Organologie – Restauration des instruments de musique 37
I. 4. Organologie – Histoire des collections d'instruments de musique 44
II. Iconographie musicale – Perspective historiographique 53
L’Antiquité musicale revisitée aux XVIIe et XVIIIe siècles 54
La musique médiévale à travers l’image 56
Images de la musique française à l’époque baroque 57
Une étape : l’édition française de l’Album musical de Georg Kinsky (1930) 59 Albert Pomme de Mirimonde (1899-1985) 62
Travaux français, travaux étrangers : thèmes récurrents sur la France 65
Le Centre de documentation du CNRS et sa base Euterpe 68
Les chantiers de catalogage à l’INHA et dans d’autres centres de recherche 71
Bibliographie des travaux français et sur la France 74

II. 1. Iconographie musicale – L’instrument 75
II. 2. Iconographie musicale – Les pratiques instrumentales 78
II. 3. Iconographie musicale – Les artistes 81
II. 4. Iconographie musicale – Les portraits 84

III. Musiques populaires 87
IV. Musique-Images-Instruments 90

PERSPECTIVES 95
Conclusion 101

Annexe 1. Organologie française. Bibliographie chronologique 103
Annexe 2. Iconographie musicale française. Bibliographie chronologique 158
Vingt-cinq ans de travaux qui touchent à la fois à l’organologie et à l’iconographie musicale occidentales dans le domaine de la France sont présentés ici dans une perspective disciplinaire, mettant en lumière l’apport des chercheurs français et celui des chercheurs étrangers ayant travaillé sur cette aire de diffusion depuis le XIXe siècle. Ce travail est accompagné d’un bilan bibliographique provisoire pour chacune de ces deux disciplines sœurs de la musicologie (Annexe 1 : Organologie française ; Annexe 2 : Iconographie française). La liste de nos travaux et un recueil de nos principales publications forment d’autre part le tome II de ce mémoire.

L'organologie est l’étude des instruments de musique. Constituant une branche de la musicologie, elle entretient un lien consubstantiel avec les sources musicales et fait appel à différents champs disciplinaires parmi lesquels on peut mentionner la connaissance technique des instruments, la facture instrumentale, l’acoustique, l’histoire des techniques, l’étude des traités théoriques mais aussi l’histoire des collections et de la restauration. Elle s’intéresse aussi à la classification des instruments, à leur origine, leur évolution, leurs variantes mais aussi à leur usage musical et à leur symbolique.
Etudier les caractéristiques organologiques des instruments dans une perspective analytique et descriptive (catalogues), mais aussi interprétative (histoire du goût, évolution des sensibilités) a constitué une part importante de mon activité scientifique. Je me suis d’autre part efforcée de reconstituer l’œuvre des facteurs ayant travaillé en France, notamment aux XVIIe et XVIIIe siècles. Au delà des données biographiques, l’établissement du corpus des instruments recensés aujourd’hui, l’analyse des caractéristiques de métier d'un artisan, d’un atelier, voire d’une dynastie, contribue à restituer ce savoir aux facteurs d’aujourd’hui et donc aux interprètes. Je me suis intéressée aussi au rôle social des facteurs et à la facture instrumentale dans une perspective épistémologique et musicale (les innovations du XIXe siècle constituant un moment crucial de leur développement).
L’analyse des instruments du point de vue technique avec une perspective à la fois synchronique et diachronique dans le contexte muséal ouvre sur des questionnements qui touchent à la technologie, à la déontologie et à l’histoire de leur conservation et de leur restauration, domaine dans lequel je me suis largement engagée.
Faire connaître des collections remarquables d'instruments constitue l’un des points fort de mon activité, qu'il s'agisse de cabinets disparus ou de ceux qui ont été intégrés à des collections publiques. Je poursuis donc des investigations dans le domaine de la muséologie musicale et de son histoire ancienne et contemporaine.

L’iconographie musicale constitue le deuxième champ disciplinaire présenté ici.
Centrée sur l'étude des représentations de la musique dans les arts visuels en Occident moderne, elle peut être fortement liée à l’organologie. Mais elle ne concerne pas que l’évolution de l’instrumentarium à travers les images qui en ont été données, mais aussi la pratique de la danse et les arts du spectacle. L’histoire de l’interprétation, les portraits de musiciens, les circonstances des pratiques constituent des domaines particuliers d’investigation. L'iconographie musicale permet aussi d’analyser la place symbolique de la musique dans l'histoire culturelle des différentes époques, que ce soit en partant des œuvres elles-mêmes ou des objets emblématiques de la musique.
Certains de mes travaux concernent l’évolution des pratiques et des goûts musicaux propres à la France telles que les œuvres d’art visuelles des artistes qui y séjournaient (par exemple la mode des instruments champêtres, ou la signification sociale de la pratique du luth, de la viole et du clavecin) les restituent. Les portraits de musiciens de premier plan ou moins célèbres sont aussi l’un de mes domaines de recherche ; leur étude conduit régulièrement à des propositions d’identification ou d’interprétation.

Les musiques populaires du domaine français ont constitué par ailleurs une sorte de réorientation pendant une dizaine d’années, du fait de mes fonctions de conservateur chargée du département de la Musique au Musée national des Arts et Traditions populaires, institution patrimoniale riche en collections musicales (instrumentales, sonores, graphiques et iconographiques) de première importance. Cette institution a contribué dès sa fondation à définir certains axes de ce champ disciplinaire dans un contexte particulier : celui du musée. La musique populaire est là appréhendée dans sa globalité, dans ses rapports à la vie quotidienne, à l’économie, selon les rythmes de la vie sociale et de ses symboles (pouvoir, fête, religion, travail). Une mise en perspective avec les autres faits sociaux montre la complexité du fait musical et la variété de ses formes : chants, airs instrumentaux, cérémonies et rituels, formes vocales à la limite du langage et de la musique, signaux sonores, rythmes de travail et de jeux, informations parlées sur les faits musicaux et les fabrications d’instruments.
J’ai découvert là un terrain comparatif extrêmement stimulant, sur la circulation des pratiques et des croyances et sur la diffusion des stéréotypes et des modèles de l’art savant. Mes travaux qui touchent à l’anthropologie historique de la musique (notamment sur les musiciens populaires urbains) en sont l’expression.

Le bilan et les programmes présentés ci-après rassemblent les travaux que j’ai réalisés depuis 1980, ceux qui sont en cours ainsi que les perspectives de recherche personnelles et collectives pour les années à venir.

BILAN SCIENTIFIQUE

Formée en histoire de l’art par Jacques Thuillier (professeur à l’Université de Paris IV-Sorbonne puis professeur au Collège de France), et en organologie par Geneviève Thibault de Chambure (conservateur du Musée Instrumental du Conservatoire de Paris et directrice de l’unité de recherche CNRS « Organologie et iconographie musicale »), je suis entrée à la demande de cette dernière en septembre 1973 comme assistante au Musée Instrumental du Conservatoire de Paris. Tout en faisant mes premières armes dans le domaine appliqué de la muséologie et dans celui de l’organologie, j’ai parallèlement préparé une maîtrise d’histoire de l’art présentée en 1976 à la Sorbonne consistant en un Catalogue raisonné des peintures et dessins de l’Ecole française. Musée Jacquemart-André à Paris. Ce travail, qui n’a pas été publié intégralement, a fait cependant l’objet de plusieurs publications partielles et m’apparaît aujourd’hui constituer les fondements de mon parcours pluridisciplinaire. En effet, dès 1980, mes travaux ont été dévolus à l’organologie et à l’iconographie musicale, alors que je menais une double carrière de conservateur de musée et de chercheur dans l’Unité de recherche du CNRS « Organologie et iconographie musicale » associée au Conservatoire de Paris et dirigée à partir de 1974 par le Professeur Jacques Thuillier qui succéda à G. Thibault de Chambure.

I. Organologie en France – Perspective historiographique

Ce parcours scientifique s’inscrit dans une tradition disciplinaire - largement implicite, mais bien sûr structurante - dont voici quelques jalons.

Les Arts mécaniques

Les grands traités théoriques français de Marin Mersenne, de Pierre Trichet, de Diderot et d’Alembert notamment, constituent le socle de connaissances de tout organologue sur les instruments, sur leur histoire et leurs caractéristiques contemporaines. Mersenne indique dans sa « Préface au Lecteur » que « ces livres des Instrumens sont le fruit des autres parties de l’Harmonie, puisqu’ils la mettent en pratique » ajoutant qu’il s’est contenté « de donner ce qui est d’essentiel, ou de propre à chaque instrument », ne cherchant nullement à se substituer aux livres de tablatures consacrés à un instrument spécifique. Il ajoute que les « exemples de Musique qui suivent la description des figures […] sont propres pour monstrer leurs proprietez, & peuvent servir pour le livre de la Composition » contenu dans son premier volume. Il se justifie enfin assez longuement pour avoir décidé d’« adjouster la figure de chaque instrument ». Selon lui, « elle soulagera grandement l’imagination des Lecteurs », qui comprendront ainsi très rapidement « la grandeur & la propriété de [leurs] caractères en les voyant ».
Comme François Lesure l’a souligné en introduisant la publication du manuscrit de Trichet, celui-ci n’a ni la même personnalité, ni l’érudition, ni le réseau de compétences de Mersenne. Il a en revanche plusieurs atouts : une collection qui lui sert de laboratoire d’observation ; une curiosité qui le pousse à profiter de l’art des praticiens (il va entendre à Bordeaux le célèbre François Langlois, joueur de sourdeline) ; des jugements emprunts de bon sens. Ses recherches étymologiques sont la partie la plus laborieuse de son travail, mais elles attestent de nombreuses lectures. Origine, description, détails caractéristiques, usage des instruments sont fournis avec le souci d’être complémentaire en quelque sorte de l’ouvrage de Mersenne qu’il respecte grandement et auquel il renvoie régulièrement.

Au XVIIIe siècle, l’Art du faiseur d’instrumens de musique, et lutherie, extrait de l’Encyclopédie méthodique. Arts et métiers mécaniques, se situe dans un environnement conceptuel complètement nouveau. La dimension mécaniste des instruments est rappelée dès la première phrase de la courte présentation préliminaire : ce sont « des machines inventées & disposées par l’art du luthier ». La valorisation de l’œuvre manuelle est tout à fait centrale. Chez Mersenne, quelques allusions étaient faites au savoir des facteurs, mais à part Le Vacher, leurs noms n’apparaissaient jamais (on relève cependant dans sa Correspondance ceux de Heman, Hubaut, Jacopo Ramerini et Vito Trasuntino, tous deux facteurs d’instruments à clavier). Ici en revanche ils sont largement cités car leurs ateliers ont été visités pour permettre la rédaction des notices et leur travail est constamment valorisé.
L'équipe de rédacteurs de l'Encyclopédie a d'ailleurs utilisé une méthode qui se voulait la plus rigoureuse possible, la plus proche des exigences techniques du métier, tout en lui apportant l'expérience intellectuelle de ceux qui réduisent en axiomes les observations concrètes. Le Discours préliminaire à l’Encyclopédie est d'une grande clarté sur ces objectifs et sur les moyens mis en oeuvre :
On a envoyé des Dessinateurs dans les ateliers. On a pris l'esquisse des machines & des outils... Dans le cas où une machine mérite des détails par l'importance de son usage & par la multitude de ses parties, on a passé du simple au composé... Nous offrirons au lecteur studieux ce qu'il eüt appris d'un artiste en le voyant opérer... & à l'artiste, ce qu'il seroit à souhaiter qu'il apprit du Philosophe pour s'avancer à la perfection.
Chaque article de l'Encyclopédie est ensuite composé d'une partie historique et littéraire et d'une section technique, celle qui nous concerne ici, puisqu'elle est le fruit d'une véritable enquête de terrain :
Tout nous déterminoit donc à recourir aux ouvriers. On s'est adressé aux plus habiles de Paris & du Royaume ; on s'est donné la peine de les interroger, d'écrire sous leur dictée, de développer leurs pensées, d'en tirer les termes propres à leurs professions [...] de rectifier [...] avec les uns, ce que d'autres avoient imparfaitement, obscurément, & quelquefois infidellement expliqué [...]. La plupart de ceux qui exercent les Arts Méchaniques, ne les ont embrassés que par nécessité, & n'opèrent que par instinct. A peine entre mille en trouve-t-on une douzaine en état de s'exprimer avec quelque clarté sur les instruments qu'ils employent & sur les ouvrages qu'ils fabriquent.
La contribution des facteurs est en tout cas patente dans tous les articles sur les instruments, ainsi que dans le supplément qui les réunit dans l’Art du Faiseur d'Instruments de Musique et de Lutherie. Nombre d'entre eux sont explicitement mentionnés : les Blanchet pour les clavecins, Pascal Taskin pour ses innovations dans le domaine du jeu de buffle, ou des pianoforte ; Cousineau dans celui de la harpe à pédales et simple mouvement ; Delusse pour les instruments à vent (sa contrebasse de flûte traversière, aujourd’hui conservée au Musée de le Musique, figure même sur une planche). On ne peut que louer l'utilisation de sources sûres avec fréquemment la reprise des descriptions et planches d'ouvrages spécialisés, comme celles de Dom Bédos, d'Engramelle, ou de divers auteurs ayant présenté leurs Mémoires devant l'Académie des Sciences comme Cousineau (sur la harpe organisée à pédales), ou Cusenier (sur l'orphéon ou petite vielle à roue et à clavier).
Les planches présentant les instruments mais aussi les ateliers (ce qui est très nouveau) sont aujourd’hui plus que jamais citées, commentées, reproduites. Mais aucune étude critique n’a encore été entreprise permettant de préciser de manière argumentée l’auteur des « discours » pour chaque entrée, la genèse de chaque texte et la source des planches (elles furent gravées et supervisées par Robert Benard). Claire Chevrolet est la première à avoir proposé un tableau synthétique des auteurs aussi bien de l’Encyclopédie que de son Supplément. Il mériterait d’être affiné pour la partie concernant les instruments de musique. On aimerait ainsi comprendre comment Frédéric de Castillon, auteur de quelque 130 entrées sur la lutherie dans le Supplément, a travaillé en collationnant les différentes notices préexistantes.
Est-il le rédacteur du texte introduisant cet Art du faiseur ? Il y est exposé assez naïvement et avec une totale absence de vision prospective, qu’« On n’invente plus d’instrumens, & il y en a assez d’inventés ; mais il y a beaucoup de découvertes à faire encore sur leur facture ». Remarquons à ce propos sans doute la première définition de la ‘facture instrumentale’ qui « a pour objet la matière & la forme » des instruments, « le rapport du plein au vide, les contours, les ouvertures, les épaisseurs », les dimensions, les accords, les accessoires. Les catégories permettant de subdiviser les instruments restent immuables : cordes, vents, percussions. Mais, fait nouveau dans son énoncé, « on peut aussi diviser la nomenclature des instruments, en anciens, modernes, & étrangers », une large part étant faite aux instruments hébreux décrits au siècle précédent à Rome par le Père Kircher, tandis que des relations de voyages permettent d’appréhender ceux des « Nègres, des Chinois, des Tartares, des Indiens ». Le soin apporté à l’élaboration des planches (inégal selon les dessinateurs et graveurs) est sans commune mesure avec les maladroits croquis publiés par Mersenne. Quant au vocabulaire, présenté à la suite des « discours », il reste aujourd’hui encore une source irremplaçable pour une étude de la terminologie des instruments et de leurs composantes. Enfin cet Art du faiseur d’instrumens insiste sur leur dimension expressive, en pleine cohérence avec l’esthétique des Lumières et la théorie de l’imitation chère aux philosophes : « Il n’y a point de phénomènes de la nature, point de passions, point de sentimens dans le cœur de l’homme, qu’on ne puisse imiter avec les instrumens ».

Les monuments de la facture instrumentale

L’Essai sur la musique de Jean-Benjamin de La Borde (1734-1794) appartient à la même tradition méthodologique et esthétique, mais il n’a bien sûr pas la même dimension pratique. En revanche, un tout petit opuscule, consacré à un seul instrument, la vielle à roue, mérite qu’on s’y attarde. En effet, loin du but pédagogique et immédiatement utilitaire des six méthodes de vielle publiées au XVIIIe siècle à Paris, la Dissertation historique sur la vielle ; où l’on examine l’origine & les progrès de cet Instrument montre combien, dès 1741, Antoine Terrasson, son auteur (il est historien de la jurisprudence), a déjà une conscience diachronique du sujet. Il souhaite « rendre cet Instrument recommandable à la Postérité ». Sa première partie cherche à montrer si la vielle a été « connuë dans l’Antiquité & chez les Peuples qui ont précédé les François » se référant à Mersenne et Furetière, s’interroge avec finesse sur les anciennes dénominations et la « corruption » du mot Symphonie en Cifonie, recherche les traces de l’usage de la vielle en France jusqu’au début du XVIIe siècle, et s’attarde longuement sur l’époque médiévale. Il indique qu’elle fut beaucoup jouée en « pays Normand », qu’elle fut progressivement cantonnée entre les mains des pauvres aveugles, qui détournèrent les gens de cour de sa pratique, « tant ils joüoient très-mal de cet instrument ». La grande nouveauté du traité de Terrasson est qu’il décrit pour la première fois un instrument qui est toujours conservé aujourd’hui, une vielle trapézoïdale du XVIe siècle, qu’il qualifie de « Monument » car elle porte les armes d’Henri III et appartient alors au Chevalier de Mesmon, Ecuyer du Roi en sa grande Ecurie. Terrasson met ensuite en scène plusieurs luthiers bien connus (Hurel et Louvet) ; il montre comment l’instrument fut remis au goût du jour, « racommodé » pour pouvoir continuer à être joué et finalement déplore que pour cet effet, l’on ait modifié le couvercle du clavier et nettoyé « la vénérable crasse de l’Antiquité [qui] fait souvent le plus grand prix d’une Médaille ou d’un Monument ». Son intuition concernant les questions d’authenticité et de conservation est très nouvelle. Il est ensuite question du luthier Bâton à Versailles, du réemploi qu’il fit d’instruments tombés en désuétude (luths et guitares) pour confectionner des vielles d’un nouveau type, apprécié à la cour et à la ville par la bonne société. Le sens historique de Terrasson est tout aussi remarquable de modernité que sa capacité à mener une véritable enquête sur les usages de son temps et « nous assure que le Règne de cet Instrument sera durable », ce que l’histoire confirmera en partie.
On retrouve les mêmes qualités dans un opuscule signé soixante ans plus tard par l’Abbé Sibire. Auteur d’un texte d’actualité à portée sociale paru en 1789 sur L’Aristocratie négrière, ou Reflexions… sur l’esclavage et l’affranchissement des noirs, il publie en 1806 La Chélonomie ou le parfait luthier. Son informateur est le luthier Nicolas Lupot (1758-1824), dont les pratiques servent à une réflexion à la fois pragmatique et philosophique sur l’évolution du violon, sa construction et sa restauration, en cette période de transition où les premiers virtuoses lancent le goût pour les instruments des maîtres italiens mais demandent qu’ils subissent des transformations structurelles nécessaires aux nouvelles donnes de l’écriture et de l’interprétation musicale. La subtilité d’analyse de Sibire sur les questions d’authenticité, de conservation et d’adaptabilité aux nécessités musicales du moment est là aussi d’une grande modernité. Au final, Sibire se voit comme un médiateur de Lupot permettant « de propager des lumières que tous les Luthiers avant lui, tous les auteurs […], ont éternellement oublié de répandre ».
Ces ouvrages, en tout cas, qu’ils traitent d’un seul ou de l’ensemble des instruments passés et contemporains, se différencient nettement des manuels pour les compositeurs dont le Diapason général de tous les instruments de Louis-Jean Francoeur, paru en 1772, est un bon exemple. Ceux-ci, en effet, constituent une sorte de répertoire utilitaire : étendue, facilité de jeu, timbre, notes les plus favorables. On retrouvera cette conception de science « appliquée » dans le Traité d’instrumentation et d’orchestration d’Hector Berlioz ou plus tard encore dans celui d’Henri Lavoix.

Les produits de l’industrie et l’organographie

Mais l’étude des instruments de musique en tant que discipline apparaît véritablement en France au XIXe siècle. Une nouvelle étape est franchie pour la diffusion des connaissances sur les instruments de musique et les aspects techniques du métier, grâce aux expositions des produits de l'industrie et au développement d'une presse musicale ouvrant ses colonnes à la facture instrumentale. Ces deux media achèvent de construire les outils d'information et d'émulation dans le domaine de la modernité. François-Joseph Fétis (1784-1871) a joué un rôle éminent. Définissant, dans le premier numéro de sa Revue musicale parue à partir de 1827, l'Utilité d'un journal de musique, il précise qu'il examinera « toutes les questions qui se rattachent à la musique, sous les rapports historiques, de théorie ou de pratique », analysant les ouvrages nouveaux, les compositions en tous genres, rendant compte de toutes les représentations mais aussi des inventions ou perfectionnements d'instruments. En l'espace de huit années que paraît cette revue, plus d'une cinquantaine d'articles est consacrée aux instruments de musique, qu'ils soient historiques, situés dans une tradition séculaire (les travaux de Villoteau font l’objet d’un compte rendu) ou tout récemment mis au point. Fétis décrit des instruments aussi chimériques que l'Heptacorde de Raoul, le Plectroeuphon de Gama, le Trochléon de Dietz, l'Acoucryptophone ou lyre enchantée de Wheatstone, voire l'Aéréphone de Dietz, mais il défend et illustre aussi, de livraison en livraison, des instruments qui connaîtront un immense avenir, tel le piano droit de Roller et Blanchet, la nouvelle harpe à double mouvement d'Erard, ou les inventions de la famille Sax, avec une conviction, une sûreté de jugement et un esprit prémonitoire qui n'ont d'égal que sa pugnacité dans les inévitables polémiques ainsi provoquées. Sa réponse au facteur de harpes Nadermann, qui profite de son monopole au Conservatoire de Paris pour empêcher l’adoption du nouveau système d’Erard, est un morceau d'anthologie. Fétis est un technicien de premier plan, capable d'analyser en détail les avantages de tel mécanisme sur tel autre, mais il ne prend parti que lorsque l'amélioration a une réelle efficacité sur les possibilités d'exécution et sur la qualité musicale. Il est à la fois l'un des premiers véritables historiens de la facture (il écrit plus de 525 notices consacrées à des facteurs d'instruments, plus d'un quart étant ses contemporains, dans sa Biographie universelle des Musiciens, et donne la première monographie en français sur Antonio Stradivari), tout en étant le premier chroniqueur des expositions industrielles françaises d'instruments de musique dès 1827 et 1834.
C’est dans un rôle tout à fait comparable que va lui succéder, à partir de 1839, dans les colonnes de La France Musicale, le comte Adolphe Le Doulcet de Pontécoulant (1794-1882). Bonapartiste, émigré au Brésil au retour des Bourbons, il revint à Paris en 1825 et participa à la révolution belge en 1830. Son intérêt pour l’acoustique, l’économie et les statistiques le conduit à analyser avec méthode et esprit scientifique les produits de la facture instrumentale. En cette même année 1839, alors qu’il publie une série d’articles dans La France musicale, il regroupe trois de ses livraisons concernant les firmes de pianos les plus en vue (Erard, Herz, Pape) dans une publication à compte d’auteur à l’intitulé suggestif : Organographie ou Analyse des travaux de la Facture instrumentale admise aux expositions de la France et de la Belgique des produits de l’industrie. Il reprendra ce terme d’organographie en 1861, pour une étude autrement développée et systématique sous-titrée Essai sur la facture instrumentale, art, industrie et commerce. Dans sa préface, il considère cette fois que l’augmentation des connaissances étant générale dans tous les domaines, il est utile « pour la facture instrumentale de lui rappeler son origine, de tracer son histoire, celle de ses travaux, et de constater ses progrès ». Ecrivant pour éviter aux facteurs contemporains de se « fourvoyer dans un sentier déjà parcouru », il divise son travail en deux parties : la première, qui s’arrête à 1789 (début d’une « ère de liberté rendue au travail » et d’une « révolution sociale » qui doit permettre une renaissance pour les arts et pour l’industrie), trace l’histoire des instruments depuis l’Antiquité, montrant combien les anciens traités (de Virdung à Laborde) sont souvent incomplets « et leurs dessins imaginaires ». Insistant sur l’importance des textes littéraires et des représentations visuelles, il souligne que beaucoup d’écrivains ont parlé « des produits » mais que « aucun ne s’est occupé du producteur ». Il est donc le premier à avoir consulté les archives (même s’il n’en donne pas les références précises) et à consacrer un long chapitre aux conditions d’exercice du métier de faiseur d’instruments, depuis la fin du Moyen Age jusqu’à l’établissement des communautés d’arts et métiers. Conscient des effets du « régime social », il remarque que « loin d’avoir favorisé le progrès de l’industrie, les jurandes ont sans cesse entravé sa marche et ralenti son activité […] puisque l’effet naturel de tout privilège est de borner l’émulation de celui qui en jouit ». Il considère alors tout naturellement le statut des musiciens eux-mêmes, les tribulations de la corporation des ménestriers et la longue suite de conflits qui émailla, aux XVIIe et XVIIIe siècles, ses relations avec les musiciens de l’Académie et de la musique du Roi. Le titre de son ouvrage a sans doute occulté ce pan entier de son étude : les travaux ultérieurs de Constant Pierre et de Loubet de Sceaury, et plus près de nous de Luc Charles-Dominique, ne le mentionnent pas comme un précurseur de ces questions de sociologie musicale.
Dans la partie historique de son ouvrage, lorsqu’il décrit les instruments existants depuis l’Antiquité jusqu’à la Révolution, on remarque avec quelle érudition il passe des sources textuelles aux instruments conservés, combien il souligne de filiations (par exemple entre le tuba antique et les trompettes droites construites par le facteur Schiltz pour la cérémonie de la translation des cendres de Napoléon), ou des détails hautement techniques (il observe par exemple la présence d’un jeu de buffle et d’un mécanisme à genouillères sur un clavecin marqué « Ruckers 1590 » conservé alors au château de Pau).
La deuxième partie de son Organographie présente tout d’abord, par tranches chronologiques, les progrès de cet Art, terme qui le place dans la descendance des encyclopédistes. Chaque famille instrumentale fait l’objet d’un recensement analytique des innovations, précisant auteur et date. La liste des brevets d’invention pour la période considérée est établie, ainsi qu’un résumé des rapports des jurys d’expositions industrielles. Un chapitre particulier est consacré aux musiques militaires, un autre aux instruments à anches libres, un autre à Adolphe Sax, ami particulier de Pontécoulant autant que de Georges Kastner, auquel ses travaux sont, précise-t-il, si redevables. La partie consacrée ensuite au commerce et à l’industrie montre les compétences du statisticien et fait passer l’histoire des instruments de l’histoire sociale et technique à l’histoire économique. Véritable passage obligé pour l’organologie d’aujourd’hui, ses jugements sur les capacités d’innovation des facteurs sont d’une rare pertinence, emprunts de probité et sans parti pris. Le cheminement de son esprit critique, entre 1839 et les séries d’articles de 1844, 1849, 1862 et 1867, trouve ensuite à s’appliquer au tout jeune Musée Instrumental du Conservatoire de Paris. Attentif à cette collection publique, il écrit de nombreux articles entre 1861 et 1864 pour donner son avis sur son développement et propose un projet de catalogue systématique qui malheureusement ne fut guère suivi. Adolphe Sax et Jean-Baptiste Vuillaume auraient dû y être associés selon ses vœux.

Catalogue, dictionnaires et précis historiques

En 1875 paraît de fait le Catalogue descriptif et raisonné rédigé par Gustave Chouquet son conservateur. Réédité en 1884 en raison du nombre important de nouvelles acquisitions, ce volume est contemporain de la publication de Carl Engel sur les instruments exposés à Londres au South Kensington. Nous avons montré lors de son récent reprint, les faiblesses de sa réalisation, voire de sa conception. Non remplacé au moment où nous écrivons ces lignes, il a été largement distancé dès 1880 par le travail fondamental de Victor-Charles Mahillon (1841-1924) appliqué aux collections du Conservatoire de Bruxelles. Ici, c’est un véritable modèle qui est donné, tant au plan de son ordonnancement (une nouvelle classification des instruments aux fondements acoustiques structure les chapitres en instruments autophones, instruments à membranes, instruments à vent, instruments à cordes), de la rigueur des critères analytiques retenus pour les notices, que des commentaires. Le travail de Chouquet apparaît en regard d’une grande approximation.
Durant toute la deuxième moitié du XIXe siècle, les rapports et articles critiques sur les instruments de musique dans les expositions universelles continuent à donner un compte-rendu circonstancié de l’évolution contemporaine. Parallèlement, plusieurs auteurs s’intéressent à la lutherie. Antoine Vidal (1820-1891) produit ainsi trois volumes sur Les instruments à archet, dont le contenu n’apporte pas grandes nouveautés depuis que Pontécoulant à déjà publié l’essentiel sur les confréries de faiseurs et de joueurs d’instruments. Le volume de Vidal sur La lutherie et les luthiers (1889) constitue l’une des premières tentatives françaises de dictionnaire, mais il comporte tant d’approximations qu’il n’est guère utilisé par les organologues du XXe siècle.
L’exposition universelle de 1889, avec non seulement l’exposition des produits de l’industrie, mais aussi son Exposition rétrospective, est l’occasion de découvrir un nouvel érudit qui tient une place de premier rang dans cette discipline. Je veux parler de Constant Pierre (1855-1918). Bassoniste de formation, chargé du secrétariat du Conservatoire de Paris (ce qui l’amènera à partir de 1900 à publier des sources fondamentales sur l’histoire de l’institution), il a une connaissance intime des instruments de musique à vent et offre en 1890 un ouvrage unique sur leur développement en France dans une perspective européenne. Avec un titre éloquent (La facture instrumentale à l'exposition universelle de 1889. Notes d'un musicien sur les instruments à souffle humain nouveaux et perfectionnés), cette étude est à la fois riche en perspectives synthétiques, émaillée de trouvailles (documents d’archives, instruments de modèles rares et uniques conservés dans des collections privées ou publiques), d’analyses techniques et de jugements sur la pertinence des innovations. Leur éclairage par des comparaisons avec des recherches du XVIIIe siècle est sans précédent, comme en témoigne le titre quelque peu provocant de l’un de ses chapitres sur la facture française : « nouveaux instruments et vieux instruments nouveaux ». Le hautbois contrebasse de Delusse, les petits bassons à la quinte, le hautbois d’amour de Winnen, la clarinette basse de Desfontenelles, tous conservés au musée du Conservatoire de Paris, appuient ses démonstrations et contribuent à relativiser nombre de prétendues nouveautés. Dans le domaine des cuivres, la précision de ses analyses n’a sans doute jamais été surpassée dans la littérature organologique française et forme un morceau d’anthologie. En fin de volume, on remarquera son plaidoyer parfaitement argumenté pour une « unification du système instrumental universel ».
Constant Pierre est par ailleurs l’auteur d’une étude historique intitulée Les facteurs d’instruments de musique. Les luthiers et la facture instrumentale. Précis historique, qui continue d’être universellement utilisée car elle n’a pas été réellement remplacée. Son titre ne mentionne pas qu’elle est entièrement consacrée à la France. Or de fait, elle constitue la première synthèse sur la biographie et l’œuvre des facteurs ayant œuvré depuis le XVIe siècle dans ce pays. Pierre indique dans son Avant-propos :
 Ferions-nous un dictionnaire biographique, une histoire complète ou une analyse succincte par spécialités ou par époque ? […] Nous avons essayé de les combiner […][en] un mélange de faits, de remarques, d’anecdotes, de critiques, de notes biographiques, de détails techniques etc., semés à travers le récit qui les relie et en dégage la substance pour constituer l’histoire des principaux représentants de la facture et de son mouvement à travers les siècles.
Constant Pierre reprend dans ses deux premiers chapitres, l’historique de la corporation des faiseurs d’instruments, mais, conscient qu’il n’est pas le premier à le faire, le justifie par « le nombre de pièces inédites » qu’il a recueillies. Après une présentation chronologique et par branche, il poursuit son livre par un chapitre sur les « Chambres syndicales patronales et ouvrières » ouvert à des questionnements d’actualité, un autre sur « Le prix des instruments autrefois et aujourd’hui » qui s’appuie sur un document unique dont on ne connaît pas l’actuelle localisation, le Catalogue des instruments à vendre chez J. Reinhard Storck à Strasbourg en 1784 ; sur les archives de l’Opéra ; sur les registres matricules de la maison Erard, sur les catalogues de ventes publiques. En guise de conclusion, C. Pierre brosse une synthèse de La facture instrumentale depuis le XIIIe siècle. Elle reste aujourd’hui très juste dans ses appréciations, fondée sur un large éventail de sources littéraires, musicales et matérielles. On appréciera la clarté de son bilan sur la participation des facteurs français aux expositions universelles, qu’il fait en se basant sur Fétis et Pontécoulant, et enfin l’analyse des fluctuations des exportations et importations jusque dans cette décennie où il écrit et qui marque le début d’un déclin de la France face à la puissance commerciale de l’Allemagne et la vivacité de la Belgique. Les quelques allusions finales sur les centres de production de La Couture-Boussey, Mantes, Mirecourt, montrent en revanche beaucoup d’approximation, indiquant qu’il n’a pas travaillé la question à partir des sources disponibles sur place.

Sources d’archives et monographies

Il revient de fait à d’autres érudits de la même génération d’avoir entrepris des travaux de première main sur l’histoire de la facture dans les provinces de France. En 1893, année même de la publication de Constant Pierre, Henry Coutagne publie une brochure remarquable sur Gaspard Duiffoproucart et les luthiers lyonnais du XVIe siècle, basée sur des dépouillements rigoureux aux archives de Lyon, suivi par Georges Tricou qui s’intéresse aussi à Claude Rafi, facteur de flûtes. Bien peu a été exhumé depuis sur ces facteurs, même par les musicologues actuels. De la même façon, une vague d’intérêt s’attache aux dynasties des Hotteterre et Chédeville, facteurs et joueurs d’instruments à vent : Ernest Thoinan et Nicolas Mauger en 1894 et 1912, croisent documents d’archives et instruments conservés. Albert Jacquot, avec des sentiments régionalistes qui faussent son jugement, veut à tort voir dans la Lorraine le berceau de la lutherie française. Mais il apporte durant toute sa carrière une importante documentation sur Nancy et Mirecourt, sur la dynastie des Médard, et sur les facteurs lorrains. Remarquons qu’en 1910, Francis W. Galpin publie à Londres un ouvrage consacré aux Old English Instruments of Music. Their History and Character, au caractère rigoureux et très documenté d’une toute autre envergure et qui connut, de ce fait, trois rééditions.

Commerce des instruments, collections

Eugène de Bricqueville (1854-1885), organiste et musicographe ayant publié sur l’opéra, tient ensuite une place particulière parmi les organologues français : il est le premier à s’être intéressé aux instruments pastoraux français du XVIIIe siècle, la vielle à roue et la musette et d’autre part il s’est penché sur le commerce des instruments. Il a dépouillé pour la première fois le périodique Annonces, Affiches et Avis divers entre 1752 et 1792. Nous avons montré que le travail mené par Hélène Charnassé, en 1986, sur dix années de ce même périodique, et celui que nous avons publié sur la question du commerce des clavecins flamands au XVIIIe siècle, invitent à reprendre de manière beaucoup plus systématique les relevés qu’il a opérés et les perspectives qu’il a ainsi ouvertes sur l’histoire du goût instrumental. Bricqueville est aussi le premier à s’interroger sur les collectionneurs d’instruments de musique aux XVIIIe siècle et à son époque.

Archéologie expérimentale, conservation

Dernière figure du XIXe siècle en quelque sorte fondatrice, celle d’Auguste Tolbecque (1830-1919). Violoncelliste professionnel qui fit carrière à Marseille et Paris, il apprit la lutherie chez Victor Rambaux. Il occupe une place exceptionnelle parmi les collectionneurs d’instruments anciens : sa première collection de 141 instruments fut cédée au Conservatoire de Bruxelles en 1879. Ses rapports avec les conservateurs du Musée Instrumental de Paris furent peu harmonieux et il trouva en Victor Mahillon un interlocuteur d’une autre stature. C’est ce dernier qui lui commanda « les restitutions des lyres et cithares de l’Antiquité et des crouths, rebecs et autres instruments du Moyen Age et de la Renaissance qui figurent dans ce musée ». Inspirée d’une documentation iconographique très sérieuse, cette série d’instruments était conçue pour être jouable. Une autre série identique fut présentée en 1896 à l’Exposition du théâtre et de la Musique à Paris. Achetée par un amateur de Blois, Charles Petit, elle entra plus tard au musée de Paris. La « double qualité de musicien et de luthier » de Tolbecque lui a donné culture, curiosité mais aussi expérience. Il publie en 1890 un essai d’une grande liberté de ton, intitulé modestement Quelques considérations sur la lutherie, où il dénonce le culte des instruments italiens, la vogue de leur imitation au détriment de la création, l’influence du « de visu » sur le « de auditu », l’augmentation outrancière de la puissance des instruments du quatuor (trop fort renversement, chanterelles d’acier), le déséquilibre du quatuor en l’absence d’un ténor et enfin le danger des expertises. Huit ans plus tard, il imprime une Notice historique sur les instruments à cordes et à archet dans laquelle il décrit sa série de reconstitutions, donne par le détail les sources iconographiques qui l’ont inspiré et offre un aperçu de l’évolution des instruments à cordes frottées depuis le Moyen Age, violes et violes d’amour comprises. Ces deux opuscules servent d’introduction et de postface à un véritable traité technique de facture publié quelques années plus tard et intitulé L’Art du luthier. Là encore, il fait preuve de grande franchise, il livre ses procédés, tours de main, déboires et signale les pratiques défectueuses. Source constante d’inspiration même pour les praticiens les plus expérimentés d’aujourd’hui, Tolbecque, en très fin observateur des instruments anciens, avait remarqué par exemple que les tables d’harmonie de violes anglaises au XVIIe siècle étaient ployées et composées de plusieurs parties assemblées, technique qui vient d’être « redécouverte » un siècle après lui. Tout le prix de cet ouvrage réside aussi dans sa conception prudente de la restauration, dans son jugement équilibré des abus qui ont touché la lutherie italienne, même de second rang, transformée systématiquement pour des raisons commerciales. Son scepticisme, enfin, quant à la capacité des luthiers à innover dans le domaine du violon (« la facture des instruments à archet n’a fait aucun progrès depuis Stradivarius ») lui fait utiliser une expression savoureuse pour les multiples « spécimens de l’extravagance » conservés au musée du Conservatoire, ces inventions sans lendemain « avec leur faux air de brioches mal cuites et difformes ».
Quels sont les axes principaux développés au XXe siècle par les organologues ? On ne saurait passer sous silence le vaste travail collectif réalisé sous la direction d’Albert Lavignac et de Lionel de La Laurencie pour l’ Encyclopédie de la musique et dictionnaire du Conservatoire. Cette somme de connaissances n’est plus guère utilisée aujourd’hui. Sans doute parce que les articles sont écrits dans des « registres » assez différents, tantôt par des praticiens enseignants du Conservatoire de Paris, tantôt par des musicologues (Marc Pincherle, André Schaeffner), tantôt par des facteurs (Blondel, Lyon). Ces articles restent cependant une source importante sur l’état de développement de certains instruments et sur les pratiques du Conservatoire durant cette décennie (la guitare et le clavecin n’y sont pas enseignés au contraire de la harpe chromatique système Lyon).

Ethno-organologie

Les années d’entre-deux guerres voient apparaître deux musicologues ayant grandement marqué le champs de l’ethnographie : André Schaeffner (1895-1980), pour les musiques du monde, Claudie Marcel-Dubois (1913-1989), pour le domaine français. Le premier reste le seul auteur français cité régulièrement dans la bibliographie des ouvrages étrangers en raison de son livre très original sur l’Origine des instruments de musique. Cet ouvrage à portée universelle et qui développe une sorte de « genèse » des instruments à partir du corps,a pour principale originalité de proposer une nouvelle classification. Une correspondance inédite conservée au musée de l’Homme éclaire la démarche de Schaeffner qui demande conseil aux deux grands musicologues allemands, Curt Sachs et Heinrich Hornbostel dès l’été 1932. On se souvient qu’ensemble, tous deux ont mis au point une classification qui reprend les quatre classes proposées par Victor Mahillon (les autophones étant remplacés par les idiophones). Publiée en 1914, traduite en anglais en 1961 (mais jamais en français) et adoptée universellement depuis, elle n’a jamais été remplacée, aucune autre proposition n’ayant réussi à lui être substituée durablement. Schaeffner, lui, propose une division toute autre, entre les instruments à corps solide vibrant (qu’ils soient susceptibles de tension ou non et quel qu’en soit le matériau) et ceux à air vibrant. Originale et stimulante, la proposition de Schaeffner n’a pas eu de réelle réception : trop subtile pour être utilisée concrètement par les responsables de collections, elle n’a été traduite qu’en italien, ce qui a certainement obéré discussion et diffusion. Curt Sachs, fuyant le régime nazi, quitte Berlin et travaille de 1933 à 1937 auprès de Schaeffner au Musée de l’Homme à Paris. Il influe alors grandement sur les orientations de Claudie Marcel-Dubois. Celle-ci consacre déjà ses travaux aux pratiques instrumentales populaires des pays de France, domaine totalement négligé par les folkloristes qui ne s’étaient intéressés jusque-là qu’à la chanson populaire. Avec une vingtaine d’articles sur les instruments traditionnels français (et une multitude de travaux d’anthropologie musicale), C. Marcel-Dubois achève sa carrière en 1980 par la plus grande exposition temporaire qui leur fut jamais consacrée en France. Avec pour titre L’instrument de musique populaire. Usages et symboles, elle constitua une sorte de manifeste : l’instrument était présenté dans ses fonctions rituelles et symboliques, dans ses mobilités (du populaire au savant et inversement), dans ses variantes géographiques, dans ses composantes morphologiques, sémantiques et classificatoires.

Sources d’archives et recueils de documents

A partir des années 1950, une nouvelle génération de chercheurs qui gravite autour de Norbert Dufourcq (1904-1990) au Conservatoire de Paris puis de François Lesure (1923-2001) à l’Ecole Pratique des Hautes Etudes, va apporter beaucoup à l’histoire des instruments, même si, du fait de l’ampleur de leurs champs de recherches, ces maîtres ne sont pas connus en tant qu’organologues.
Que ce soit dans la Revue de musicologie et ultérieurement dans la tribune qu’il avait fondée (Recherche sur la musique française classique), N. Dufourcq a publié un nombre considérable de documents d’archives sur les musiciens français qui éclairent la carrière de facteurs d’instruments (certains sont en effet également instrumentistes). Lorsqu’il travaille sur les Richard, les Denis, ou encore les faiseurs de cordes, on mesure tout le chemin parcouru depuis les articles si approximatifs de Gustave Chouquet publiés au XIXe siècle sur le même sujet. Formées par N. Dufourcq, encouragées à publier dans sa revue et chez son éditeur Picard, plusieurs chercheuses, à l’occasion de dépouillements systématiques dans les fonds d’archives parisiens, ont mis au jour des documents sur la facture instrumentale. Ils constituent aujourd’hui la matière des dictionnaires étrangers de premier rang : on citera les noms de Françoise Gaussen, Marcelle Benoit plus que tout autre, Yolande de Brossard, Roberte Machard, Bernadette Gérard, Catherine Massip.
Concernant François Lesure, j’ai montré ailleurs combien il incarnait une pluridisciplinarité trop rare en France. Sa formation à la Sorbonne, à l'Ecole des Chartes et au Conservatoire de Paris, complétée par des études en sociologie de l'art auprès de Pierre Francastel à l'Ecole des Hautes Etudes, tissèrent dès l'origine de sa carrière les fils d'une curiosité qui ne devait jamais cesser de lier les humanités entre elles. S'affirmant dans le domaine de la recherche avec une thèse sur La facture instrumentale à Paris au XVIe siècle (1949), il donna une impulsion aux travaux d'archives au service de l'organologie et de la sociologie des pratiques de la musique. Nous avons déjà évoqué l’importance du traité de Pierre Trichet qu’il exhuma de la Bibliothèque Sainte-Geneviève. Une génération plus tard, en préfaçant les magnifiques dépouillements de Madeleine Jurgens dans les fonds du Minutier central des notaires aux Archives nationales, il souligna les mérites d'une méthode qu'il avait lui-même encouragée, ayant « étendu l'enquête aux non professionnels, [et ] pénétré dans les demeures des Parisiens pour y dénombrer les livres de musique, les instruments ».
La Galpin Society, société savante anglaise dévolue aux instruments de musique, fondée pour poursuivre l’oeuvre du révérend père Francis Galpin, collectionneur et grand connaisseur d’instruments, lance en 1948 The Galpin Society Journal, une tribune dévolue à l’organologie en tant que science. François Lesure est le premier à se manifester en 1954. Pierre Hardouin y publie peu après des documents de première importance pour la connaissance des facteurs de clavecins parisiens au XVIIIe siècle.
Dictionnaires et encyclopédies donnent par ailleurs, à partir de 1965, une place importante aux instruments : notamment avec Norbert Dufourcq (La musique. Les hommes, les instruments, les œuvres, Larousse, 1964), puis Marc Honegger (Dictionnaire de la musique. Science de la Musique. Technique, Formes, Instruments, Bordas, 1976).

Acoustique et organologie

En dehors de ces travaux d’ordre biographique et professionnel, il convient de mentionner les ouvrages d’Henri Bouasse. Auteur de multiples manuels de physique à l’usage de l’enseignement secondaire, il a laissé quatre ouvrages de base sur l’acoustique des instruments de musique, publiés à la fin des années 30, qui figurent encore en première place dans la bibliothèque de l’acousticien comme de l’organologue.
Le rôle joué par Emile Leipp, universitaire acousticien, et son équipe (notamment Michèle Castellengo), doit ensuite être souligné. Sa formation de physicien et de luthier l’amène tôt à s’intéresser au violon et à ses caractéristiques physiques, loin des préjugés véhiculés par les luthiers marchands. A partir de 1964, dans le cadre de l’Université de Paris VI, il organise des séminaires réguliers autour de problématiques touchant l’acoustique musicale mais aussi très souvent celle des instruments de musique. Le Bulletin du GAM (Groupe d’acoustique musicale) diffuse la matière très riche et très nouvelle de ces séances où de nombreux facteurs, des musiciens, et l’équipe du Musée Instrumental se joindra à partir des années 1970. On regrettera vivement que cette tribune ait conservé une diffusion très confidentielle, n’ai jamais été supportée par un véritable éditeur, n’ai jamais été traduite et n’ait pas fait l’objet d’une réédition aujourd’hui avec des moyens électroniques. C’est ce qui explique que son contenu soit resté quasi totalement ignoré à l’étranger. Quelques publications collectives sur l’acoustique des instruments anciens ont heureusement permis plus récemment, de montrer l’apport indéniable des acousticiens français à l’organologie.

Travaux français, travaux étrangers

Alors qu’en Angleterre des monographies fondatrices sont publiées à partir des années 1930 (Rosamond Harding, The Pianoforte, 1933 ; Francis Galpin, A Textbook of European Musical Instruments, 1937) puis peu après chez Ernst Benn & Norton à Londres par Philipp Bate (The Oboe, 1956 ; The Trumpet and Trombone, 1966 ; The Flute, 1969), Anthony Baines (Woodwind Instruments, 1957 ; Bagpipes, 1960 ; European and American Musical Instruments, 1966), Morley-Pegge (The French Horn, 1960), on peut constater que non seulement aucun équivalent n’est préparé en France, mais qu’aucune traduction n’en a jamais été faite en français, contrairement à ce qui s’est passé par exemple en Italie. Lorsque, à la génération suivante, de nombreux auteurs de langue allemande (van der Meer, Herbert Heyde, Hubert Henkel, Friend Robert Overton, Gunther Joppig, Kurt Janetzky et Bernhardt Brückle) publient monographies et catalogues raisonnés de musées, le fossé se creuse plus encore, car seuls les ouvrages publiés chez Payot à Lausanne en allemand ont bénéficié d’une version en français (Le cor, La flûte traversière, Le violon, Le piano, La trompette, Le hautbois et le basson, La percussion, L’accordéon).
Du côté de l’université française, on observe que les thèses portant sur les instruments de musique et les facteurs restent très rares, même après la mise en place des filières spécialisées de musicologie. A partir des année 1960, la Sorbonne, le Conservatoire de Paris, et plus particulièrement l’université de Lyon ont proposé des sujets touchant le plus souvent le piano, le violon, la guitare, les bois à l’époque baroque et au XIXe siècle, l’harmonium. Très peu de ces travaux ont été publiés. On citera parmi eux Loubet de Sceaury, dont le travail n’apporte pas grand chose de nouveau si on le compare à l’ouvrage de Constant Pierre sur les facteurs de 1893. En revanche le recueil de documents que Colombe Verlet présente en 1966 sur les Facteurs de clavecins parisiens, où elle mentionne tout ce qu’elle doit aux dépouillements de François Lesure pour le XVIe siècle, de Frank Hubbard et de Pierre Hardouin pour les XVIIe et XVIIIe siècles, garde toute son actualité, comme celui de Sylvette Milliot, semblable dans ses objectifs, sur Les luthiers parisiens du XVIIIe siècle. Dans le domaine des bois, la thèse publiée de François Fleurot sur le hautbois fait figure d’exception. Concernant les nombreux travaux sur le piano, seuls ceux de Danièle Pistone, d’Olivier Barli et d’Adélaïde de Place ont eu quelques échos. Regrettons que les monographies sur Erard, Pape, Boisselot, Herz, les facteurs de Mirecourt, les facteurs de guitares Lacôte et Laprévotte, le flûtiste et facteur Tulou, restent inconnues de la communauté faute d’une publication alors qu’elles ont été l’occasion de mettre en lumière des documents passionnants de première main. La trop grande rareté des organologues enseignant dans les universités françaises, la faiblesse des horaires consacrés à cette discipline, expliquent en partie le peu d’engagement des étudiants sur de tels sujets, d’autant qu’une spécialisation dans ce domaine semble peu valorisante lorsqu’on envisage une carrière universitaire.

Bibliographie des travaux français et sur la France

La bibliographie annexée à ce travail est intitulée « Organologie française », car ce terme permet d’inclure les travaux des auteurs français et les travaux étrangers portant sur la France. Bien qu’elle ne traite pas de l’orgue, ni des instruments non occidentaux et ne prend pas encore en compte, faute de temps, un dépouillement extensif de la presse spécialisée (celle du XIXe siècle, mais aussi les titres des périodiques consacrés à un seul instrument), elle constitue un premier socle de références qu’on cherchera en vain dans les manuels d’organologie disponibles (quelle qu’en soit langue) ou les histoires générales des instruments. Un rapide exercice consistant à parcourir les bibliographies des manuels et monographies étrangères montre une méconnaissance ou un désintérêt pour les travaux français que leur rareté ne suffit pas à expliquer. Avec ses quelques centaines de références, chiffre encore provisoire, elle montre cependant d’ors et déjà la quasi absence des chercheurs français dans les tribunes d’organologie généralistes comme le Galpin Society Journal (un seul auteur français en 2004 depuis les travaux de F. Lesure et P. Hardouin dans les années 1950) et, plus tard, le Journal of the American Musical Instrument Society (qui ne comptait aucun auteur français jusqu’en 2005). Un autre symptôme est le très petit nombre d’articles d’organologie publiés par la Revue française de musicologie depuis sa fondation. Le numéro spécial de la Revue internationale de musique française consacré en 1984 aux instruments du XIXe siècle fait figure d’exception.
Remarquons, au terme de ce premier parcours disciplinaire, que des étrangers ont traité brillamment plusieurs aspects de notre patrimoine instrumental : les facteurs de clavecins (Arnaut de Zwolle, Marius, Blanchet, Lefebvre, Labrèche), les hautbois et bassons à l’époque de Mersenne (la plus récente étant celle de Bruce Haynes), les instruments à anche, le cor naturel et les cuivres du XIXe siècle . Adolphe Sax a été honoré à plusieurs reprises par Malou Haine, conservateur du musée de Bruxelles et enseignante à l’Université libre de cette ville, qui a également consacré une étude fondamentale à l’ensemble des facteurs français de ce siècle. Beaucoup d’articles peu développés sur des aspects institutionnels propres à la France (les corporations de maîtres de faiseur ; les instruments saisis pendant la Convention ; l’inventaire des instruments de la bibliothèque de Versailles, etc.) écrits par des étrangers, auraient pu être traités de manière bien plus approfondie par des chercheurs français manipulant ces sources régulièrement. Mais ils n’ont pas proposé leurs travaux dans des tribunes internationales.
François-René Tranchefort et Josiane Bran-Ricci sont finalement les auteurs des seules synthèses écrites en français (en 1978 et 1983) et destinées à un très large public. Aucun manuel de niveau universitaire n’est actuellement disponible.
Plus loin, dans ce travail, j’évoquerai la création de la revue scientifique Musique-Images-Instruments en 1995, tribune soutenue par le CNRS et le Ministère de la Culture, qui a permis de fédérer des travaux français ou portant sur la France. Remarquons que parallèlement, l’ouverture du musée de la Musique, son centre de documentation et son laboratoire de conservation, son personnel scientifique et sa politique culturelle ont suscité de multiples travaux dans le domaine du luth, de la guitare, du clavecin, de l’alto, et que la série « Les cahiers du musée de la Musique » contribue efficacement depuis quelques années à réinsérer la France dans la communauté internationale.

I. 1. Organologie – Histoire des instruments de musique 

(2 coordinations de catalogues, 19 contributions à des ouvrages et catalogues, 3 contributions à des colloques internationaux publiés, 162 articles de dictionnaires)

C’est dans ce contexte que j’ai apporté ma contribution à l’histoire des instruments de musique selon des thématiques que j’ai essayé de dégager et qui se sont bien sûr entrecroisées et non succédées depuis 25 ans.
Permettant une transition toute naturelle, je commencerai par évoquer les deux articles de synthèse que j’ai eu l’occasion d’écrire sur l’organologie en tant que discipline. La première fois, en 1984, en collaboration avec Josiane Bran-Ricci, pour la réédition du manuel universitaire de Jacques Chailley. Pour cette très courte présentation, j’ai rédigé la section intitulée « Les sources de l’étude organologique ». Elle insiste sur la rareté des témoignages matériels à disposition de l’organologue, sur la nécessaire lecture critique qu’ils impliquent (en raison de fréquentes altérations, transformations, dégradations), sur l’importance d’une analyse de la structure interne des instruments avec des méthodes d’investigation de laboratoire (c’est de là que découlent leurs caractéristiques sonores), sur l’indispensable interdisciplinarité : analyse des matériaux, données acoustiques, textes, iconographie.
La seconde contribution m’avait été demandée par la Revue de Musicologie dans la suite de ses dossiers thématiques : en cette circonstance, la question de l’orgue était écartée (qui aurait dû former un volet à part mais ne parut jamais) de même que l’ethno-organologie, en raison d’un récent volume paru en 1992 sous la direction d’Helen Myers comportant un chapitre écrit par Geneviève Dournon sur ce sujet. Cette synthèse a donc été restreinte aux « instruments de musique occidentaux » depuis la Renaissance. Elle a consisté tout d'abord à préciser les domaines principaux qui s'offrent au chercheur, à désigner les grands outils bibliographiques poursuivis ou nés depuis les années 60, à ordonner les études générales en retenant les composantes majeures de l'étude de l'instrument : l'acoustique, les facteurs, la facture, les moyens d'investigation scientifiques permettant l'analyse physique des témoins conservés, la restauration comme méthode et source documentaire, les collections tant du point de vue de leur histoire que de leurs catalogues généraux, les expositions temporaires traitant tout particulièrement des instruments, enfin l'iconographie musicale consacrée aux pratiques instrumentales. La deuxième partie du dossier a été consacrée à cinq domaines particulièrement riches de l'organologie. Il s’agissait de produire un travail collégial, présenté autant que possible selon des normes communes. Cinq chercheurs spécialisés de pays différents ont été choisis pour évoquer l'essentiel d'un groupe instrumental. Joël Dugot (Paris) traita des instruments à cordes pincées, Karel Moens (Bruxelles) des instruments à cordes frottées, Manfred Hermann Schmid (Tübingen) des vents, Howard Schott (Boston) des claviers à cordes. Le rappel des travaux de Curt Sachs, réédités plusieurs fois, l’importance des trois volumes du New Grove Dictionary of Musical Instruments (Stanley Sidey, ed.), de l'Atlas zur Musik d'Ulrich Michels, publié en poche en Allemagne en 1977 (ses tableaux synthétiques et systématiques sont d'une grande clarté) et traduit récemment par Jean Gribenski et Gilles Léothaud pour Fayard, ainsi que The New Oxford Companion to Music de Denis Arnold (1983, traduit en français en 1988) étaient mentionnés comme incontournable et restent d’actualité.
Les années 60 ont vu l'éclosion de nombreux ouvrages d'ensemble sur les instruments, pour la première fois abondamment illustrés, alors que jusqu'ici, ils n'étaient le plus souvent illustrés que de schémas. A Bruxelles, c'est R. Bragard et F. de Hen, à Prague A. Buchner (dont les ouvrages seront parmi les rares à être traduits en français), à New-York, E. Winternitz. Dans un esprit beaucoup plus rigoureux, Anthony Baines jeta en 1966 les bases d'une typologie des instruments basée sur les modèles rencontrés dans la plupart des grandes collections européennes et américaines. Dès les années 70, des livres d'ensemble, bien documentés et à l'iconographie soigneusement sélectionnée afin de replacer l'évolution des instruments dans un contexte musical, permettent à un large public non spécialisé de langue anglaise de s'informer facilement : les livres de Mary Remnant, et la série des trois volumes écrits par Jeremy Montagu (du Moyen Age à la période moderne) reçoivent ainsi une large audience. Consacré aussi aux instruments du Moyen Age et de la Renaissance, le livre de David Munrow (1976, fort mal traduit en français en 1979), à la fois plus détaillé et plus tourné vers la pratique, offre sous une forme très pédagogique et accessible une somme actualisée de connaissances. Préparée par une équipe connue sous le nom de Diagram Group, une tentative très différente a été réalisée en 1976 en Angleterre. L'effort de clarté et d'exhaustivité, le souci de rigueur typologique et la présentation de nombreuses formations et ensembles sont à remarquer, même si des imperfections émaillent ce travail traduit (avec des erreurs) en français dès 1978. L’ouvrage général de John Henry van der Meer (1983) constitue aussi l'un des outils de vulgarisation les plus aboutis, même s'il n'a été traduit dans aucune autre langue. Parmi les 400 références spécialisées présentées ensuite par mes collègues chacun dans son domaine, il était frappant de constater qu’en dehors des cordes pincées (synthèse par un auteur français), à peine une référence sur vingt est d’un auteur français, le déséquilibre le plus patent étant dans le domaine des instruments à vent (3/200 !).
Il y a quelques années, je me suis déjà penchée sur les premiers organologues de langue française à l’occasion d’un colloque qui réunissait facteurs, acousticiens et historiens de la facture. Plusieurs idées développées dans le précédent chapitre de notre étude étaient déjà proposées. J’avais, pour cette occasion, entrepris un dépouillement systématique des articles de Fétis sur les instruments de musique.

J’ai très tôt participé à de nombreux catalogues d’exposition et à la rédaction de catalogues raisonnés. Cette approche pragmatique, descriptive, classificatoire et en même temps critique, a pu s’exercer à l’occasion d’expositions thématiques organisées au Musée Instrumental ou avec sa participation. Lorsqu’en 1980 la première dation en paiement de droits de succession dans le domaine musical fut acceptée par l’Etat, j’ai contribué, aux côtés de François Lesure, Catherine Massip et Josiane Bran-Ricci, à la rédaction d’une partie des notices des très rares instruments sélectionnés dans la collection de Madame de Chambure pour entrer dans les collections nationales. En rédigeant celle du clavecin de Gilbert Desruisseaux, considéré alors comme facteur parisien, je ne pouvais guère imaginer que vingt ans plus tard, des recherches menées dans les archives de Lyon allaient révéler la carrière de ce facteur dans cette ville « franche » après son apprentissage parisien. Quant à la guitare du facteur Jean Voboam 1689 présente dans cette même sélection, je la replaçais alors parmi douze instruments de sa main. Aujourd’hui, ayant identifié cinq facteurs de cette dynastie (et non plus trois), elle prend place dans un ensemble plus restreint.
La même année, j’ai préparé l’inventaire des guitares du Musée Instrumental de Paris pour un volume collectif bilingue préparé à l’initiative de Michel Foussard, responsable de la collection du conservatoire de Nice. D’une réalisation très soignée, ce livre réunissait un spécialiste anglais, Tom Evans (Les métamorphoses de la guitare), Albert Pomme de Mirimonde (La guitare dans l’art), et les équipes des collections de Nice et Paris. En relisant mes attributions et commentaires tant d’années après, je relève une grave erreur d’appréciation de ma part : la mise en doute de la guitare marquée « Antonius Stradivarius » (qui provient pourtant de la collection de Jean-Baptiste Vuillaume, grand négociateur d’instruments de cet atelier). On doit à Gianpaolo Gregori d’avoir replacé récemment cet instrument parmi les six guitares du maître de Crémone qu’il a mises en lumière et rapprochées grâce à une analyse comparative très poussée, et d’avoir ainsi écarté les doutes que j’avais émis.
Quelques années plus tard, j’ai réalisé en équipe le catalogue sommaire des flûtes traversières du Musée de Paris. Ce travail a été effectué avec Claire Soubeyran, facteur de flûtes, et Pierre Séchet, flûtiste, tous deux fins praticiens des instruments de l’époque baroque et romantique. La détermination du diapason moyen a nécessité l’utilisation d’une vocalise, l’observation de règles strictes d’insufflation et la vérification de la position du bouchon de chaque instrument, paramètres mis au point de manière expérimentale.
Une campagne d’assistance technique au Musée de l’Hospice Comtesse à Lille a été l’occasion, en 1990, d’un travail d’ampleur à la fois de conservation, de mise en valeur et de catalogage. Celui-ci faisait suite à un préinventaire que j’avais réalisé en 1977. Plusieurs instruments de facture régionale et quelques raretés ont été mis en lumière : une virginale muselaar de Ruckers, une viole de gambe de Peter Hackings à Londres (1621), une viole du facteur virtuose de Hambourg, Joachim Tielke (1692) (deux seulement sont conservées en France et sont absentes de la monographie publiée par Günther Hellwig en 1980).
Souvent mise à contribution pour des catalogues d’exposition thématiques temporaires, j’ai participé à la rédaction de nombreuses notices, mais aussi de textes, qui, s’il ne sont pas à proprement parler des travaux d’érudition, proposent des synthèses sur des sujets très divers. Lors des expositions Rameau (1983) à Paris au Musée Instrumental, et Mozart (1991), au musée Carnavalet, j’ai présenté l’activité des facteurs parisiens. A l’occasion d’une exposition sur Les métamorphoses d’Orphée (1995) dans l’art, la littérature et la musique, j’ai recherché les instruments de natures très diverses qui se réfèrent, symbolisent ou imitent avec plus ou moins de vraisemblance, sa lyre. Plus récemment, j’ai été amenée à présenter, bien qu’ayant quitté cette institution il y a douze ans, vingt ans d’acquisitions du musée de la Musique, dans le cadre d’une exposition qui portait sur sa politique scientifique.
J’ai contribué aussi régulièrement à des encyclopédies et des dictionnaires soit musicaux soit d’intérêt historique, avec des entrées portant sur les instruments de musique (Dictionnaire Rameau, 1983 ; Dictionnaire du Grand siècle, 1990 ; Dictionnaire de la musique en France. XVIIe-XVIIIe siècles, 1992 ; Dictionnaire européen des Lumières, 1997 ; Dictionnaire Berlioz, 2003 ; Dictionnaire de la musique en France au XIXe siècle, 2003 ; Guide de la musique de la Renaissance, à paraître), mais aussi sur les facteurs, les organologues et les collectionneurs (MGG, The New Grove Dictionary of Music and Musicians).
Les instruments à clavier (clavecins, premiers pianoforte) et les instruments à cordes pincées aux XVIIe et XVIIIe siècles, restent mon domaine de prédilection. J’ai ainsi apporté ma contribution à différents colloques et ouvrages collectifs.
Ayant eu l’occasion de participer à l’acquisition, pour le Musée Instrumental de Paris, d’un très rare clavecin de Vincent Tibaut, maître actif à Toulouse dans la seconde moitié du XVIIe siècle, j’ai effectué des recherches d’ordre biographique dans les archives de cette ville. Une dizaine d’années plus tard, ce travail a formé une monographie avec l’analyse organologique menée à bien par Alain Anselm sur les trois instruments conservés de cet atelier. On notera que Tibaut appartenait à la corporation des maîtres ébénistes très vraisemblablement en raison de son isolement comme facteur de clavecins dans cette ville.
La question de la diffusion des clavecins flamands en France, de Chambonnières à Balbastre, a été travaillée depuis la fin du siècle dernier par Eugène de Bricqueville, Geneviève Thibault de Chambure, Frank Hubbard, Grant O’Brien. J’ai fait le point sur les sources mentionnées également dans d’autres publications et j’ai repris de manière plus systématique les Annonces, Affiches et Avis divers souvent visitées. J’ai pu de mon côté constater combien un travail statistique plus rigoureux change notablement à la hausse l’évaluation des clavecins flamands circulant à Paris dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. J’ai surtout proposé une approche critique de la terminologie employée par les annonceurs, pour tenter de comprendre la grande variété des modèles se cachant sous des dénominations qui peuvent paraîtrent en première lecture ne pas poser de problème. Entre un vieux Ruckers ravalé et un faux Ruckers fait pour tromper, il y a toute sortes de variantes qui ont bien existé et qui mettent au grand jour les intentions des habiles facteurs. Le va et vient entre annonces et instruments conservés devient alors indispensable pour en comprendre la subtilité.
Du côté des guitares, j’ai consacré beaucoup d’années à préciser la biographie et surtout la production d’une dynastie de facteurs active à Paris de 1630 à 1730, les Voboam, symbole de la guitare baroque « à la française ». Mon enquête a été menée durant vingt ans, profitant des voyages m’offrant l’opportunité d’étudier des spécimens conservés de New York à Vienne ou Saint-Pétersbourg. De découverte en réexamen, après mes deux premières publications à l’occasion desquelles j’avais complété le corpus des instruments retrouvés, j’ai finalement proposé tout récemment quelques nouvelles hypothèses et des changements d’attribution. Celles-ci sont liées au fait que je distingue maintenant non plus trois mais cinq facteurs ayant œuvré sous ce nom. Alors que Constant Pierre cite huit instruments de cette dynastie en 1893, c’est finalement trente-cinq spécimens signés qui ont pu être recensés. Chacun des membres de la dynastie a utilisé un style de travail détectable dans de très petits détails, mais susceptible, en l’absence éventuelle de signature, de permettre des attributions. J’en ai proposé trois nouvelles. Ces facteurs résument à eux seuls la facture française à l’époque de Louis XIV. Ils occultent d’ailleurs quelque peu leurs confrères, dont l’œuvre a été jusqu’ici plutôt négligée. Ce travail est une fois encore provisoire car nombre d’instruments n’ont pu être étudiés du point de vue de leur structure intérieure. Beaucoup ont par ailleurs été modifiés par des montages à six cordes ultérieurs accompagnés de transformations structurelles. Il reste donc bien difficile de proposer des hypothèses quant aux différents diapasons utilisés à cette époque. Ce recensement systématique aura peut-être pour effet de susciter des campagnes d’examens radiographiques et endoscopiques dans les institutions qui ont la chance de conserver des spécimens pour pousser plus loin l’étude des barrages et de leurs caractéristiques de construction dont dépend leur rendu sonore.

I. 2. Facture instrumentale. Le métier. Les facteurs

(Direction de 2 catalogues d’exposition et de 2 volumes de revues, 9 contributions à des catalogues d’exposition, 2 participations à des colloques publiés, 5 articles, 129 articles de dictionnaires)

Dans le domaine de l’histoire de la facture instrumentale, j’ai apporté de nouveaux éléments sur l’histoire du métier, sur la carrière de facteurs français, sur les écoles régionales de facture propres à la France. J’ai notamment conçu et dirigé la rédaction de deux catalogues d’exposition, le premier consacré aux principales innovations instrumentales européennes à l’époque moderne et le second aux facteurs et musiciens parisiens durant trois siècles. La première exposition s’est intéressée à des moments majeurs de La facture instrumentale européenne. A l’occasion de l’Année européenne de la musique (1980), une vingtaine de collègues organologues d’Angleterre, Belgique, Allemagne, Espagne, Italie et de France ont été conviés à offrir une synthèse sur un moment particulièrement fort du développement de la facture instrumentale dans leur pays. Les choix ont porté sur des instruments dont la diffusion à l’échelle européenne a été caractéristique de l’histoire du goût (luths italiens, clavecins flamand, violons crémonais) ou de la réussite d’une innovation (flûte type Hotteterre, flûte Boehm, harpe chromatique Erard, instruments Sax, guitare modèle Torrès). Chaque thématique a été traitée par petite équipe regroupant historiens, organologue et facteur connaisseur des modèles concernés. Le livre-catalogue que j’ai coordonné a ainsi permis au public français de découvrir des connaissances renouvelées sur ces sujets car appuyées sur les sources et les spécimens venus de plusieurs institutions européennes. Dans ma présentation, j’ai insisté sur les conditions d’exercice des métiers en Europe, sur les différences notables qui peuvent exister entre des créateurs autodidactes et des dynasties régies par une sorte d’endogamie, sur la capacité des facteurs à voyager et s’expatrier, sur la réception et la diffusion des innovations. Une riche documentation a été analysée et a permis quelques découvertes : la proposition d’une classification des luths selon les tessitures de Praetorius ; l’analyse très poussée de deux clavecins flamands ravalés au XVIIIe siècle en France, conservés à Paris ; le changement d’attribution d’un célèbre cistre de Stradivarius (construit en fait par le facteur de Brescia de Virchis et seulement modernisé par Stradivarius) ; l’analyse critique des « formes et moules » d’atelier du célèbre luthier de Crémone, conservés à Paris depuis l’époque de Vuillaume, confrontés aux patrons conservés dans sa ville d’exercice. En plus de la coordination éditoriale, j’ai interprété deux inventaires d’ateliers : avec Claire Soubeyran celui de Nicolas Hotteterre (1653-1727), « faiseur, joueur et marchand d’instruments à vent », dont la biographie a été précisée dans ce même ouvrage par Marcelle Benoit ; et d’autre part celui dressé après le décès de Sébastien Erard, qui dévoile la culture technique du célèbre facteur de pianos ainsi que le détail et l’organisation de sa production.
Trois ans plus tard, en préfiguration des concepts muséographiques qui devaient sous-tendre le programme du nouveau musée de la Musique, j’ai organisé à la demande du Conservatoire une exposition consacrée aux Instrumentistes et luthiers parisiens durant trois siècles. Je ne m’attarderai pas ici sur les enjeux techniques et culturels du projet, exposés dans mon introduction, mais sur la publication que j’ai dirigée à cette occasion. Elle a revêtu une nouvelle fois la forme d’un travail d’équipe avec dix-sept musicologues, organologues et luthiers qui ont collaboré. La variété des contributions donne un panorama cohérent des différentes familles d’instruments à cordes pendant trois siècles (luths, guitares, violes, harpes, vielles à roue, guitare, instruments du quatuor) dans leur contexte musical et technologique. Beaucoup de documents inédits sont publiés ici pour la première fois (inventaires d’ateliers, brevets d’invention, mémoires présentés devant les Académies, méthodes instrumentales écrites par les inventeurs) entourés des instruments les plus représentatifs des pratiques de chaque génération, des partitions et des portraits des musiciens de renom qui les servent. Jeremy Montagu, dans un compte rendu de cet ouvrage, a fait remarqué combien, à l’instar des bois et des claviers français, c’était la première fois qu’un ouvrage aussi développé était consacré à l’ensemble des instruments à cordes parisiens. J’ai pu remarqué cependant que le terme luthier, pourtant défini dans l’introduction, n’a pas été compris dans son sens restrictif par les étrangers, H. Moeck, comme J. Montagu s’étonnant de ne rien trouver dans cet ouvrage sur les facteurs d’instruments à vent.
Si la question des courants régionaux était déjà en filigrane dans l’ouvrage de 1985, elle est devenu le thème central de plusieurs autres publications. A l’occasion d’une réunion annuelle du Comité international des musées et collections d’instruments de musique (CIMCIM), j’ai ainsi présenté une synthèse des travaux français sur les écoles régionales de facture instrumentale (Lyon, Rouen, Toulouse, Strasbourg, Mirecourt, La Couture-Boussey, Marseille, Jenzat, Bourg-en-Bresse) et sur les instruments traditionnels des régions de France, dans une perspective tout autant géographique qu’historique. J’ai souligné combien la prise de conscience de ce patrimoine a été à l’origine de nombreux musées et collections en région lesquels connaissent aujourd’hui un nouveau développement. La bibliographie établie à cette occasion (et qui est intégrée dans l’Annexe I.1.) est bien souvent inconnue de nos collègues étrangers. On peut détecter trois grandes phases d’intérêt : celle des érudits du XIXe siècle, celle de l’ethnomusicologie de la France à partir de la deuxième guerre mondiale, enfin celle des musiciens du Revival, dès les années 1970, qui souvent ont préparé des mémoires et thèses sur les instruments qu’ils pratiquaient.
J’ai par ailleurs coordonné deux volumes de la revue Musique-Images-Instruments (voir infra) sur les « Ecoles et traditions régionales », réunissant à cette occasion des travaux écrits sur des instruments ou des ateliers particulièrement typés. On parle d’Ecole lorsqu’un faisceau de caractéristiques définit des façons de faire dans un corps de métier. Par tradition, on fait référence à des usages communs transmis par le geste, par la voix et par la parole, par le savoir faire technique, ou encore par les images mentales ou visibles. Alors que depuis plusieurs générations des travaux mettent en lumière les caractéristiques de grands centres de facture (la lutherie du Sud Tyrol, de la Forêt Noire, de Venise, de Brescia etc., les cuivres de Nuremberg, les bois de Dresde, d’Amsterdam, les clavecins anversois, anglais ou parisiens, les pianos viennois, etc.), nous avons réuni ici des études sur des centres ou des ateliers moins connus, mais aux caractéristiques bien identifiées. Du côté des clavecins, les monographies que nous avons accueillies sont éloquentes quant à la circulation des influences d’un pays à l’autre, même si chaque atelier porte sa « marque génétique », comme en témoigne celui de Löwe à Augsbourg, celui de Joos Karest à Anvers, de Grimaldi à Messine, de Labrèche à Carpentras, celui des frères Hellen à Bern deux siècles plus tard. Les facteurs d’instruments à cordes pincées démontrent les mêmes échanges incessants : luth à la française d’Antonio Stradivari, harpe chromatique de Krumpholtz et Naderman à Paris (allemande ou française ?), guitarpa et poliarmonica à Madrid, « guitare allemande » ou cistre français. Les musettes de cour, tambourins de Provence et à tambourins à cordes tiennent d’un exotisme franco-français passé à la ville et à l’Opéra, mais ces instruments fascineront les cours francophiles du XVIIIe siècle qui n’auront de cesse de les adopter temporairement.
Etudier les conditions de la pratique professionnelle des facteurs en France (apprentissage, transmission, évolution) revient à interroger leur statut, leur milieu social, leur culture, avec les outils de l’histoire mais aussi de l’enquête ethnologique. J’ai tenté de mettre en lumière combien, en dehors de la facture d’orgue (qui dispose très tôt de traités techniques), la transmission est restée longtemps orale, les manuels techniques n’apparaissant qu’à l’époque de la standardisation des savoirs faire et de l’industrialisation. Récemment, amenée à présenter l’état des recherches sur la facture instrumentale à Paris et à Lyon à la Renaissance, j’ai pu que constater que depuis les travaux de Tricou, François Lesure, et Frank Dobbins (qui part de leurs travaux et se réfère aux inventaires sommaires mais pas aux documents eux-mêmes), à quelques menus détails près, aucun grand chantier de dépouillement n’a été entrepris sur les facteurs lyonnais. A Paris, la situation est la même, et si le volume 3 des travaux de Madeleine Jurgens, disponible sur demande sous forme de manuscrit, n’est toujours pas publié par les Archives nationales, aucun jeune chercheur, à ma connaissance, n’a poursuivi le travail de ces pionniers. Une relecture de ces travaux souligne en tout cas l’intense commerce des instruments d’une ville et d’un pays à l’autre, phénomène qui, nous l’avons vu plus haut à propos des caractères régionaux, mais aussi des clavecins anversois, reste une constante à toutes les époques.
Au XIXe siècle, un phénomène plus marqué encore concerne la circulation des violons italiens, Paris jouant le rôle de plaque tournante en Europe, notamment grâce à Jean-Baptiste Vuillaume. J’ai commencé à dépouiller systématiquement les catalogues de ventes publiques d’instruments de musique à Paris (une centaine dans les différents des bibliothèques parisiennes et au Musée des instruments de Bruxelles). Il faudrait poursuivre systématiquement dans les archives des études de commissaires-priseurs parisiens à l’hôtel Drouot, ce qui est une tâche presque irréaliste. Ces données partielles, confrontées à quelques archives comptables de luthiers heureusement conservées au musée de la Musique à Paris, m’ont permis une première approche du marché de la lutherie italienne à Paris à l’époque de Vuillaume. Comme dans le cas des annonces de ventes de clavecins, l’identification des instruments proposés reste souvent incertaine. Aucune description ne figure en effet dans ces opuscules, aucune photographie (pas avant 1900 pour les catalogues des expositions rétrospectives et plus tard encore pour les ventes publiques), aucune mensuration, aucun relevé de marque. Les noms des luthiers sont parfois grossièrement déformés. Ce n’est qu’en 1872 qu’un expert sera désigné pour ces ventes (la maison Gand & Bernardel ayant longtemps joué ce rôle) et que l’on commencera à utiliser une terminologie plus fine : « violon de », « violon genre », « violon marqué », « violon imitation de ». Les montants d’adjudication portés manuellement dans les catalogues imprimés conservés restent très précieux : ils reflètent une échelle de valeurs, des graduations dans la beauté ou la rareté des pièces proposées, l’image en tout cas d’une évolution du goût.

I. 3. Restauration des instruments de musique

(2 ouvrages, 7 articles, 7 contributions à des colloques publiés)

La restauration des instruments (déontologie, pratique, histoire), domaine peu travaillé en France en dehors de nombreuses études sur l’orgue, répondait au souci d’une démarche rétrospective pouvant éclairer les méthodes de traitement contemporaines de laboratoire à une époque de redécouverte des instruments anciens et de pratique des répertoires historiques sur les instruments qui leur correspondent.
Mon intérêt pour ces questions s’est développé au contact des collections de musées, des travaux menés par mes collègues restaurateurs et facteurs. Ayant contribué à la rédaction de rapports de restauration, lesquels constituent chaque fois des études de cas tant au plan technique que philosophique, j’ai très tôt mesuré les enjeux, les difficultés, la subjectivité aussi de toute décision et même de bien des appréciations. Vingt-cinq ans plus tard, il m’apparaît assez symptomatique que mon premier article dans une tribune de diffusion scientifique portait sur ces questions et m’avait été demandé par Le courrier du CNRS : l’équipe du Musée Instrumental et son atelier de restauration participaient aux travaux de l’Unité de recherche associée « Organologie et iconographie musicale », fondée en 1967 par Geneviève Thibault de Chambure au Conservatoire. Jacques Thuillier en avait pris la direction peu avant sa disparition en 1974.
Les questions de restauration des instruments de musique avaient une certaine tradition en France. En effet, en 1934, au moment de son séjour forcé à Paris, Curt Sachs avait écrit et publié en français dans la revue Mouseion l’article fondateur que nous avons déjà cité et qui, sous un titre ambitieux (« La signification, la tâche et la technique muséographique des collections d’instruments de musique »), comportait un long développement sur la restauration. Probablement parce qu’il n’a jamais été traduit en anglais, il a été en général ignoré des récentes publications spécialisées, comme dans le « Répertoire de sources » proposé par Robert Barclay.
Pour Sachs, la restauration est l’une des « raisons d'être » du musée. Après avoir constaté qu'aux Etats-Unis l’on conservait les collections exactement dans l'état où elles avaient été acquises et après avoir brocardé la « fâcheuse époque des remises à neuf », il pose en principe que chaque instrument est un cas particulier qui impose décision et traitement propres. L'instrument de musique entré au musée n'a « rien à voir avec la vie », énonce-t-il courageusement, mais en pleine conscience des exigences qui en découlent : « Ce n'est pas la continuation et la transformation dans le style du temps actuel ». Si l'on s'abstient de laisser la marque des usages musicaux du temps présent sur des instruments de musée, il n'en reste pas moins que l'instrument ne saurait être rendu systématiquement à son premier état. Car plus une transformation ou une adjonction apportée à l'instrument est ancienne, plus elle a « d'intérêt documentaire ». De manière générale, mais avec des exceptions compte tenu de la représentativité de chaque collection, toute transformation conforme au type de l'instrument (par exemple le ravalement des clavecins) sera conservée, celles qui sont contraires au type (montage d'une viole en violoncelle, luth monté en guitare) seront supprimées. Sachs distingue ensuite deux cas où la remise en état de jeu lui semble indéfendable : si la partie sonnante est presque ou totalement perdue ; si la restauration risque de détruire la valeur archéologique. Confectionner un fac-simile lui semble alors préférable.
Trois règles de conduite doivent selon lui être observées :
La restauration de la voix (entendez de la partie sonore) aura à suivre exclusivement et intégralement les données de l'époque en question : le restaurateur s'interdira rigoureusement de corriger l'objet [...]. Tout essai tendant à adapter l'instrument aux exigences modernes [...] rend illusoire la raison d'être d'un musée [...], [si bien que] non seulement les parties architectoniques, mais encore les cordes et tous les accessoires doivent se conformer minutieusement au style de l'époque originelle [...]. Les musées disposant d'un certain nombre d'instruments du même type feront, bon droit, une exception pour avoir des spécimens en état de fournir des voix dans un ensemble composé pour exécuter de la musique ancienne. Ils consacreront à cet usage des exemplaires qui ne sont pas les plus remarquables.
L’année même où Geneviève Thibault de Chambure ouvrit auprès du Musée Instrumental un atelier de restauration dont elle confia la responsabilité à un éminent facteur et historien du clavecin, Frank Hubbard, elle publiait, sous les auspices du Conseil international des musées, et en collaboration avec deux collègues de grands musées allemands, une brochure sur la question qui fit date. L’époque était à la redécouverte des répertoires anciens. Les musées étaient interpellés pour que leurs collections contribuent à ce « retour aux sources ». La remise en état de jeu est donc centrale dans ces recommandations.
Les questions abordées par cet ouvrage étaient d'une grande diversité : quelle étape choisir dans l'histoire de l'instrument pour sa remise en état de jeu ? Celle au cours de laquelle il était constamment utilisé ? La question est plus complexe qu'il n'y paraît. Les auteurs préconisent en effet clairement de « corriger » les transformations du XIXe siècle comme par exemple le montage à six cordes d'une guitare baroque, et suggèrent plus fermement que Sachs encore, l'éventualité d'une remise à l'état d'origine d'un clavecin ravalé si le musée n'en possède pas. Dans le cas des transformations « contraires au type », une différence est faite par eux entre celles qui n'ont aucune valeur organologique - mais seulement de curiosité -, et celles qui témoignent d'une pratique. Même dans ce dernier cas, surtout si la collection n'a pas d'autre exemplaire pour évoquer le premier état musical d'un type d'instrument, il leur semble préférable de revenir à cet état d'origine. D'une certaine manière, on le voit, ces auteurs différencient plus de cas d'espèce mais sont moins nuancés et prudents peut-être que ne l'était Sachs. Les principes communs à toutes les catégories d'instruments de musique étaient complétés par des recommandations particulières à chaque grande famille organologique, présentées selon quatre catégories : la partie résonnante, les parties transmettant le son, les parties produisant le son, les accessoires ayant une importance seulement visuelle. C’est en tout cas les principes d’une telle déontologie que j’ai connue au cours de mes premières années de formation au Musée Instrumental, appliquée à nombre d’instruments des collections de Paris qui avaient partiellement été remises en état de jeu pour pouvoir être utilisées durant le long périple de la mémorable exposition itinérante franco-anglaise Les instruments de musique au XVIIIe siècle : France et Grande Bretagne.

Lorsque j’ai accepté d’écrire quelques années plus tard mon ouvrage sur la Restauration des instruments de musique, c’était à la demande de Madeleine Hours, directrice du laboratoire de recherche des musées de France et fondateur d’une collection éditoriale intitulée « Découvrir, restaurer, conserver » de l’Office du Livre. Elle y avait publié elle-même un premier volume sur l’Analyse scientifique et la conservation des peintures. Gilberte Emile-Mâle était l’auteur du second, sur la Restauration des peintures de chevalet, et des sujets très divers avaient été traités : céramique et verre ; dessins et estampes, sculptures ; mobilier ; horloges, montres et pendules. Sans doute ai-je été bien téméraire d’entreprendre ce volume sur les instruments de musique. Il n’existait pas de « modèle » ; les restaurateurs étaient tous spécialistes d’un seul domaine ; la littérature – hors celle des traités de facture instrumentale – était majoritairement étrangère. C’est avec l’aide de mes collègues du Musée Instrumental et d’ateliers privés, que j’ai commencé une enquête et structuré ce travail qui était destiné à un large public. Il s’agissait de l’informer sur la nature de ce patrimoine, sa faible importance numérique, sa complexité. De donner quelques clés pour en appréhender les matériaux, les aspects structurels, les dégâts, les transformations. Sérier les types d’interventions. Donner quelques conseils de base pour l’entretien et la conservation. Schémas, illustrations, bibliographie et glossaire étaient sans doute de quelque utilité en l’absence de précédent en France.
Cet ouvrage a sans doute eu un certain retentissement dans les pays de langue française. Hermann Moeck, dans sa revue Tibia consacrée aux instruments à vent, en apprécia la méthodologie et les aspects pratiques. Il regretta qu’il ne soit pas traduit en allemand. Deux traductions ont été préparées en espagnol et en italien au début des années 1990 par des collègues étrangers, mais j’ai décliné l’offre de ces éditions, estimant que mon propos – en raison de l’évolution considérable des pratiques et des concepts – devait être largement réactualisé. En effet, les « recommandations » de Geneviève Thibault, au même titre que mon ouvrage, ont été, une génération plus tard, critiqués par les nouveaux « conservators », hommes de laboratoire, tenants d’une préservation « passive », par un effet pendulaire que l’on peut comprendre et qui est d’ailleurs entrain de se modérer. Il nous était reproché, « de ne pas avoir pris la mesure de la complexité d’un instrument de musique en tant qu’entité historique, musicale, esthétique, technologique, physique et sociologique ». D’avoir encouragé des restaurations trop drastiques, dans le but de l’interprétation, au détriment du respect des instruments. Deux illustrations étant prises à témoin dans mon ouvrage pour dénoncer des techniques ayant alors cours (la remise en forme d’une échine de clavecin par un trait de scie à mi-épaisseur ; la pose de ligature dans un corps de flûte traversière fracturé). L’évolution déontologique et technologique de ces vingt dernières années, les responsabilités que j’ai assumées entre 1988 et 1993 pendant le chantier d’ouverture du musée de la Musique (avec une campagne de restauration-conservation sans précédent), la participation régulière aux travaux du groupe de travail sur la conservation au CIMCIM m’ont donné un point de vue beaucoup plus nuancé. Imaginer une réédition de cet ouvrage serait plutôt imaginer un nouvel ouvrage, collectif, international.
Une sorte d’étape intermédiaire a ce futur ouvrage a était réalisée à l’occasion des journées d’études de la Section française de l’Institut International de Conservation à Limoges en 2000. Avec Laurent Espié (Laboratoire du musée de la Musique) et Marcel Stefanaggi (Laboratoire des Monuments historiques), nous avons sollicité et réuni sous un titre « optimiste » (Instruments pour demain. Conservation & restauration des instruments de musique) une vingtaine de contributions qui répondaient à trois axes principaux : l’éthique et la conservation préventive ; l’approche scientifique grâce à des méthodes de laboratoire ; des études de cas. En majorité, ce sont les collègues étrangers qui ont contribué à la première section, le Canada (Institut canadien de conservation) et l’Allemagne (Fachhochschule de Cologne) ayant œuvré depuis des années à la formation de « nouveaux » professionnels universitaires, loin des filières artisanales d’autrefois.
Entre ces deux ouvrages de nature très différente, j’ai apporté régulièrement ma contribution à un autre aspect du sujet : celui de l’histoire de la restauration des instruments en France. Au cours des dépouillements effectués pour ma thèse de doctorat, j’ai en effet pu exhumer un nombre important de factures et mémoires attestant de la nature des travaux effectués sur les collections du Musée Instrumental de Paris dès le XIXe siècle. Je me suis aussi intéressée aux registres comptables des luthiers du Conservatoire. Pendant des décennies, ils ont consigné l’ensemble des travaux effectués sur des instruments du quatuor, pour les classes de cette institution et pour des musiciens de renom. Les descriptions répétitives des opérations sont le révélateur de concepts qui sous-tendent l’entretien, l’évolution, les transformations d’instruments d’étude ou de grand prix. En remontant dans les imprimés du XVIIIe siècle (Terrasson) et du début du XIXe siècle (Sibire), se dessinent les étapes d’une prise de conscience patrimoniale et d’une technique de la restauration. J’ai présenté mes premiers résultats à Venise en 1985, dans le cadre d’un colloque international de très large ambition, intitulé Per una carta europea del restauro. Conservazione, restauro e riuso degli strumenti musicale antichi.
Aucun ouvrage, aucun article dans la littérature spécialisée (955 titres) recensée en 1992 par Cary Karp, ne semble avoir proposé ce point de vue historiograhique. Quelques sept pages dans le plus récent ouvrage de Robert Barclay déjà cité, intitulée « The Silent Artisan », se font l’écho, à tort, d’une remarque écartant quasiment le sujet : « the history of early restoration has yet to be written, but virtually nothing was recorded at the time by the craftsmen involved » C’est pourtant un point de vue contraire qui intéressa en 1991 les organisateurs du colloque international de Bâle sur l’Histoire de la restauration. Très pluridisciplinaire, cette rencontre était organisée autour de quatre pôles de réflexion : l’architecture, les peintures murales, les questions d’interprétation, les dilemmes de la restauration dans les arts appliqués. C’est dans cette dernière section que j’ai été conviée à m’exprimer sur les instruments de musique (Friedemann Hellwig, l’un des trois incontournables spécialistes de ces questions intervenait sur les meubles du fait de ses nouvelles fonctions à Cologne à la Fachhochschule) et à m’interroger sur leurs fonctions patrimoniales multiples : « L’objet sonore et le document sont-ils conciliables ? ». L’histoire de la restauration et de la conservation ne peuvent s’envisager que par rapport à l’histoire des collections, les mobiles qui régissent la collecte de spécimens déterminant l’attitude qui présidera à leur conservation pour l’avenir. J’ai donc montré la relation dialectique existant entre les orientations non interventionnistes des collecteurs d’objets d’art et au contraire l’attitude beaucoup plus active des musiciens collectionneurs et re-découvreurs de répertoires idiomatiques pour ces instruments anciens. J’ai montré aussi l’évolution des conceptions et des pratiques en milieu muséal depuis l’époque fondatrice (la fin du XIXe siècle) jusqu’aux récentes décennies, avec l’arsenal de « recommandations », séminaires, associations professionnelles qui entretiennent le débat.
J’ai eu l’occasion de m’exprimer à nouveau sur ces questions en France en orientant cette réflexion tantôt dans le champ des clavecins, tantôt dans celui de la lutherie du quatuor. A l’étranger je fus sollicitée dans des contextes disciplinaires variés : à Bruxelles, le Centre de Recherches et d’Etudes technologiques des Arts plastiques (section Histoire de l’Art et archéologie de l’Université Libre de Bruxelles) me demanda une contribution dans un séminaire nettement orienté vers la peinture, mais où la question des intérieurs (aspects immobiliers et mobiliers) ouvrait sur les questionnements qui concernent l’usage du patrimoine. J’ai orienté mon propos sur l’utilisation continue ou discontinue des instruments au cours des générations, sur l’évolution des pratiques musicales, des pratiques de facture instrumentale et plus tard des pratiques de restauration. J’ai montré par exemple qu’une technique de restauration utilisée dans les années 1980 pour une flûte traversière ancienne n’était plus admise quelques années plus tard. A Rome, j’ai été conviée à présenter à des acousticiens combien l’intégrité structurelle des instruments de musique anciens, et donc l’analyse critique de la source qu’ils représentent, sont indispensables si l’on veut appréhender avec des méthodes fiables leurs caractéristiques sonores. Plus récemment, un séminaire a réuni à la Galleria dell’Accademia de Florence des spécialistes de la conservation des instruments à clavier : la découverte d’une épinette de Bartolomeo Cristofori, intouchée depuis l’époque de son utilisation, posait la question de sa conservation : restauration, ou conservation avec réalisation d’un fac-similé ? C’est la deuxième solution qui a été adoptée, à la suite du débat international qui avait été organisé. A cette occasion, j’ai dressé un bilan des travaux effectués sur les instruments à claviers anciens conservés en France depuis les dernières décennies du XIXe siècle jusqu’aux plus récentes réalisations du musée de la Musique, en soulignant quels objectifs sous-jacents les avaient accompagnés et quelle réception ils avaient trouvée auprès du public et de la presse.

I. 4. Histoire des collections d'instruments de musique
(1 ouvrage issu de ma thèse, 1 catalogue d’exposition co-dirigé, 5 contributions à des catalogues d’exposition, 11 articles, 5 contributions à des colloques publiés, 15 articles de dictionnaires)

Ce thème de recherche a été l’occasion d’apporter une contribution importante à la connaissance du Musée Instrumental du Conservatoire de Paris, seule institution patrimoniale française à vocation nationale pour le domaine des instruments de musique. Objet de ma thèse de doctorat, cette étude a été engagée dès 1977. J’aimerais exposer le cheminement qui m’a conduite à ce sujet, en citant l’avant-propos qui ouvre ce travail finalement soutenu en Sorbonne en 1991 :
Nous avons commencé à travailler sous la direction du Professeur Jacques Thuillier en 1972, afin de préparer un mémoire de maîtrise qui consistait à rédiger le Catalogue raisonné des peintures et dessins français du XVIIIe siècle du Musée Jacquemart-André de Paris. Quelques mois plus tard, nous sommes entrée au Musée Instrumental du Conservatoire de Musique de Paris, pour exercer les fonctions d’adjointe au conservateur de ce musée. Cette rencontre n’était pas complètement fortuite. Nous avions fait la connaissance de Madame de Chambure, conservateur de ce musée, dans le cadre du cours de muséologie générale que Georges Henri Rivière professait pour les universités de Paris-Sorbonne et Paris-Panthéon. Au moment de sa mise à la retraite, elle nous proposa de travailler auprès du successeur qu’elle s’était choisi, Josiane Bran-Ricci. Notre maîtrise fut soutenue trois ans plus tard, en novembre 1976. Peu après, nous avons déposé un sujet de thèse qui portait sur le Musée Instrumental du Conservatoire de Paris : formation et développement des collections. Nous souhaitions en effet un nouveau sujet touchant à la muséologie et à son histoire. En même temps, ces années d’expérience au Musée Instrumental nous avaient permis de prendre la mesure de cette collection, d’en apprécier la richesse considérable, le renom à l’étranger, mais aussi d’en sonder les carences les plus notoires : la modicité de ses moyens de fonctionnement, l’état scandaleux de ses réserves, la vétusté de ses présentations, l’insoluble limite de ses activités publiques, mais aussi l’absence d’outils documentaires élémentaires. D’un autre côté, les travaux de restauration menés dans son atelier, la documentation iconographique réunie dans le cadre de l’Unité CNRS dirigée par Jacques Thuillier, à laquelle nous fument bientôt intégrée (1978), concrétisaient l’héritage le plus vivant de Madame de Chambure [disparue en 1975]. C’est l’époque où l’expérience acquise au Musée Instrumental nous permit d’y être nommée conservateur (1979) puis d’être associée à la conception du futur Musée de la Musique (1982) avant d’en devenir responsable des études et des programmes.
Voici pourquoi tout nous attacha plus étroitement à cette collection, aux étapes de son histoire que nous commencions à entrevoir, à ses combats toujours recommencés, et que cette thèse devint la face cachée, mais sans doute la plus personnelle, de cet engagement qui n’a fait que s’amplifier au fil des années.
Alors que les sources étaient lacunaires, très dispersées (un seul carton au musée lui-même), elles apparaissent, dans l’ouvrage monumental que nous en avons tiré en 1996, extraordinairement nombreuses. Les documents concernant la création de l’Institut national de musique et son Cabinet de musique, destiné à rassembler les instruments « antiques, étrangers et à nos usages, qui peuvent, par leur perfection, servir de modèle », avaient été en partie publiés par Constant Pierre, dans son ouvrage bien connu sur le Conservatoire publié pour l’Exposition universelle de 1900. La découverte de nouvelles séries (au Conservatoire, au Département de la musique de la BnF, dans d’autres institutions) et surtout un long travail sur la Commission temporaire des arts, section de musique, nous a permis d’intéressantes découvertes concernant les saisies révolutionnaire et leur destiné. Jules Gallay et Jean-Baptiste Weckerlin ont chacun de leur côté publié une version des inventaires réalisés par Bartolomeo Bruni entre avril 1794 et l’été 1795. Elles diffèrent. La seconde est plus complète et s’appuie sur un document longtemps introuvable, car non coté, conservé au Conservatoire puis au Département de la Musique de la BnF. Avec plusieurs listes d’inventaire postérieures (1807, 1816, 1822), et un travail méticuleux dans les registres de matériel du Conservatoire (1822, 33, 45, 49, 66), j’ai pu retrouver, parmi des dépôts des classes du Conservatoire effectués au Musée Instrumental après 1865, une douzaine d’instruments qui provenaient effectivement des saisies révolutionnaires et qui échappèrent aux restitutions, aux deux ventes publiques organisées par le Conservatoire, au calorifères (mai 1816), et aux multiples négligences ultérieures. L’enquête quasi policière que j’ai menée (certains numéros de l’époque révolutionnaire portés sur les volutes ou les éclisses de certains instruments n’ont pu être découverts que sous rayonnement ultraviolet) m’a surtout permis d’établir pourquoi ce cabinet d’instruments eut la vie si éphémère (1796-1806), quelles étaient les méthodes et les mobiles de ceux qui appliquèrent la passionnante Instruction sur la manière d’inventorier et de conserver, dans toute l’étendue de la République, tous les objets qui peuvent servir aux arts, aux sciences et à l’enseignement (1794, Félix Vicq d’Azur et Dom Poirier) et pourquoi il fallut attendre le second Empire que les vœux de la Convention se réalisent enfin.
Au moment des commémorations de la Révolution française, en plein travail de rédaction de ma thèse, j’ai contribué à plusieurs colloques pour présenter ces résultats symptomatiques d’une nouvelle conscience patrimoniale et riches d’avenir. Lorsque le Conservatoire marqua son bicentenaire en 1795 avec un ouvrage collectif, j’ai offert une contribution sur ce cabinet, en mettant l’accent sur « la faillite du projet et l’ouverture du débat ». Je garde l’intime conviction que les musiciens du Conservatoire n’ont pas compris le projet éducatif et patrimonial et somme toute assez visionnaire des conventionnels. Au cours du travail éditorial de mon article, j’ai dû atténuer mon point de vue, car il n’était pas tout à fait à l’honneur des éminents fondateurs et donc trop dissonant dans ce volume commémoratif. Avec le recul des ans, j’y repense avec amusement et j’y vois une susceptibilité institutionnelle bien symptomatique, car l’histoire c’est le présent.
Au delà de l’étude institutionnelle, des chapitres biographiques sur chacun des responsables de ce musée (Berlioz étant le plus éminent et le moins professionnel), de l’étude « génétique » des collections et des activités (restauration, muséographie, publications, interprétation musicale notamment), je me suis livrée à l’étude d’une multitude de collections privées. Elles se sont développées dans la seconde moitié du XIXe siècle, et ce sont elles qui sédimentèrent, de génération en génération, l’humus de cette institution. Eugène de Bricqueville (voir supra) et Geneviève Thibault sont les rares auteurs qui ont posé les jalons d’une histoire des collections françaises. Comme je l’ai évoqué récemment, dans l’éditorial du dernier volume de Musique-Images-Instruments qui porte sur « Les collections instrumentales », l’intérêt pour l’histoire des collections a débuté à la fin du XIXe siècle dans les pays de langue allemande avec Julius von Schlosser. Il a pris un réel essor en Angleterre à Oxford où colloques, ouvrages, revue (Journal of the History of Collection) ont fleuri un siècle plus tard. Ce foyer de recherche ignore superbement, depuis vingt ans, les instruments de musique. Alfred Berner et Laurence Libin ont dans un autre contexte (celui des grandes encyclopédies musicales), constitué la maigre bibliographie du sujet et une liste des inventaires de collections publiées régulièrement par The Galpin Society Journal.

Plusieurs chapitres de ma thèse n’ont pas été intégrés dans sa publication de 1996 : l’étude des cabinets français sous l’Ancien Régime et d’autre part l’étude typologique des collections au XIXe siècle, hors celles qui sont représentées au musée. Les mobiles ayant suscité leur création sont très variés (cabinets d’étude, cabinets de curiosité, instrumentarium d’usage, collections pédagogiques). Elles ont fait l’objet d’articles séparés, publiés en Allemagne, en Suisse et plus récemment dans la revue de notre équipe de recherche.
En s'appuyant principalement sur les travaux d'Edmond Bonnaffé , de Madeleine Jurgens  et d'Antoine Schnapper , on peut définir, pour la période d’Ancien Régime, quatre familles de collections. La première, sans doute la moins étudiée jusque dans les années 1970, est constituée par les fonds d'ateliers de facteurs d'instruments. Ensuite, celles des musiciens professionnels et des amateurs. Elles nous font passer souvent insensiblement du rassemblement d'objets utilitaires aux exemplaires plus exceptionnels et recherchés, destinés à la délectation. Mais ce sont bien sûr les collections des érudits et amateurs de curiosités qui nous mettent sur la voie des ensembles didactiques ouverts au public.
Autant les collections conservent une grande personnalité lorsqu’elles sont réunies par l’aristocratie d’Ancien Régime (le cas de Bonnier de la Mosson, avec son cabinet de physique et son opéra mécanique actionnant un orgue de chambre reste fascinant), autant le XIXe siècle voit s’établir, à partir de 1850, une sorte de composition type pour celles qui sont consacrées non aux instruments du quatuor (destinés à l’usage), mais aux instruments anciens. J’ai mis en évidence les « ingrédients » nécessaires pour former une véritable collection « de curiosités », le terme ayant bien sûr changé de sens depuis les cabinets de la Renaissance et du XVIIe siècle. Beaucoup d’instruments au caractère anecdotique (pochettes, trompettes marines, lyres-guitares, cannes instruments), parfois construits spécialement par des luthiers peu scrupuleux et conscients de ce nouveau marché, complètent les fonds propres aux musiques d’ensemble susceptibles, à partir surtout des années 1880, d’être joués, sans grande rigueur, avec leur répertoire. Ces ensembles permettent en tout cas de confirmer la composition presque stéréotypée dont les collectionneurs semblent avoir toujours cherché à se rapprocher à cette époque où l'histoire de la facture instrumentale devient à l'ordre du jour. On constate, dans les dix collections majeures que j’ai comparées, que la famille des violons n'est pas au centre des préoccupations, et que lorsque les collectionneurs ne pratiquent pas eux-mêmes, il leur arrive de ne s'intéresser qu'aux exemplaires expérimentaux, type Chanot et Savart, ou ceux qui sont particulièrement décoratifs. Par contre la faveur des pochettes est générale. Plusieurs violes, quelques-unes d'amour, sont indispensables. Un exemplaire de trompette marine au moins ne fait défaut que dans trois d'entre elles. Les guitares sont presque aussi prisées que les pochettes, avec obligatoirement quelques lyres ou hybrides en sus des modèles classiques. Les luths, et plus encore les mandores et mandolines, constituent toujours des séries nombreuses, tandis que les cistres illustrent en général à peine plus que les trois ou quatre types principaux (français, anglais, à double cheviller, à clavier). Deux ou trois tympanons, autant de harpes, mais plusieurs vielles à roue complètent les cordes. Du côté des vents, ce sont, dans l'ordre décroissant, les flûtes à bec, puis les flageolets, les flûtes traversières, les hautbois et les clarinettes qui viennent en tête. Les bassons sont généralement rares. On leur préfère les serpents et les buccins à la morphologie bien plus pittoresque. Les cornets et cromornes n'apparaissent quasiment jamais (ils sont bien trop rares), tandis que les saxophones et les cuivres nouveaux du XIXe siècle sont absents de la majorité des collections, Adolphe Sax étant naturellement une exception car sa collection est le reflet de ses recherches expérimentales. Un petit nombre de cornemuses est généralement mis en regard de deux ou trois musettes de cour. Les tambours et instruments cannes, si peu nombreux soient-ils, sont un détour obligé. Constatons ensuite que si plusieurs dizaines d'instruments ethniques figurent systématiquement à partir des années 1870, les instruments à clavier sont peu nombreux. Dans une collection sur deux, pas de clavecin, et dans le meilleur des cas, sauf chez Léon Savoye, réputé dans ce domaine, au maximum deux épinettes. Les régales et clavicordes sont donc d'autant plus exceptionnels. Remarquons aussi que les instruments mécaniques appartiennent à un autre domaine que celui des instruments de musique. Leur nombre ici est quasi symbolique. Un dernier aspect mis en relief par cette confrontation : les instruments de faïence et de verre intéressent plutôt les spécialistes de ces techniques.
Une sorte d’anthropologie du collectionneur spécialisé en instruments de musique peut être faite à partir des quelques témoignages individuels (en tête des catalogues notamment) que nous avons glanés. Beaucoup sont des musiciens amateurs, des organistes, des musicographes, parfois des facteurs, luthiers et marchands. Si j’ai déjà analysé l’image qu’ils ont souhaité laissé de leur passion en m’intéressant à leur portrait, j’espère poursuivre la caractérisation de leur mobile et de leur méthode. Ce sera l’objet de l’étude que je prépare pour le volume 9 de Musique-Images-Instrument et qui portera sur les collections des XIXe et XXe siècles. J’aimerais un tout cas pouvoir établir une sorte de dictionnaire des collectionneurs. Sans doute faudra-t-il organiser ce travail de manière collective et considérer s’il y a pertinence à le concevoir d’emblée avec les collections musicales consacrées aux manuscrits et imprimés musicaux.
Ce champ de recherche est donc loin d’être épuisé. Mais sur la période plus proche de nous, je me suis intéressée aux collections publiques et de ce fait à la politique patrimoniale de la musique pendant l’Occupation. Elle est en effet caractérisée par le réveil du Musée Instrumental après une période de trente ans d’abandon. Au cours du séminaire et du colloque organisés en 1999 par Myriam Chimènes sur La vie musicale en France pendant la Seconde Guerre mondiale avec ses collègues de l’IHTP au Conservatoire de Paris, j’ai pu montrer comment les travaux de Paul Brunold (interprète et musicologue bien connu des clavecinistes pour ses éditions des maîtres français) et de Jacques Chailley (dont les fonctions de Secrétaire général du Conservatoire pendant cette période sombre ont été l’occasion d’une reprise en main du musée), eurent pour résultat un vaste récolement, la réouverture du musée au public en 1942, les premiers concerts sur les collections et leur enregistrement radiophonique, mais aussi de graves interventions de restauration qu’on ne cesse de regretter aujourd’hui. La création d’un département d’ethnomusicologie au tout nouveau Musée des Arts et Traditions populaires (établi par le Front populaire) est contemporaine. C’est le second volet de cette contribution à la vie musicale sous Vichy. On observe que d’un côté Claudie Marcel-Dubois met au point de vastes collectes avec des méthodes scientifiques originales, et que de l’autre Georges Henri Rivière, directeur du musée et promoteur d’un projet ambitieux au plan scientifique mais aussi culturel, encourage, selon les orientations d’Alfred Cortot et de Joseph Canteloube, la pratique et la conservation des chants populaires.
J’ai mis en lumière, à partir des archives de l’institution et du dossier d’épuration de G.H. Rivière conservé aux Archives nationales, les enjeux culturels, scientifiques et politiques de ce département musical lors du colloque qui s’est tenu MNATP en 2003 et qui portait sur le passé de cette institution sous un titre dépassant les controverses : Du folklore à l’ethnologie. Institution, musées, idées en France et en Europe de 1936 à 1945. J’ai présenté les positions de principe, les méthodes d’observation et les collectes musicales et documentaires qui constituent aujourd’hui encore les fondements de ce département musical initié par Claudie Marcel-Dubois.
Dans le contexte étroit et largement passéiste de l’avant-guerre, cette personnalité à la formation multiple sut trouver inspiration auprès de l’avant-garde européenne de la recherche dans le domaine de l’ethnomusicologie et de la muséologie. Elle contribua à l’émergence du domaine français aux contours disciplinaires fortement dessinés par ses modèles chevronnés de Berlin et Bucarest. Saisissant l’originalité que constituait alors l’étude organologique tant au plan scientifique que muséologique, elle appliqua à ce domaine une méthodologie universaliste. Profitant des avancées technologiques de sa génération (machines à reproduire et analyser le son), elle initia des collections phonographiques avec l’aide d’un réseau serré de correspondants régionaux, et des collections instrumentales qui deviendront, une génération plus tard, l’ossature d’une exposition didactique à trois dimensions exprimant les fonctions de la musique et une typologie des traditions instrumentales françaises.
Doit-on pour autant voir dans la gestation de ce département la mise en place d’une ethnomusicologie de la France ? Claudie Marcel-Dubois semble avoir été avant tout préoccupée par l’engrangement de sources et d’objets témoins et par leur analyse documentaire. Ce n’est qu’à partir de l’arrivée à Paris de Constantin Brailiou (1948), qu’elle proposera les contours d’une théorisation disciplinaire. Remarquons en revanche que le souci d’autonomie d’un département au sein de l’institution, sa visibilité auprès des instances professionnelles internationales, ainsi que la mise à distance des praticiens des musiques populaires sont déjà en germe dans ses réalisations des années d’Occupation.
L’influence de Curt Sachs, qu’elle eut la chance de côtoyer au Musée du Trocadéro est indéniable au plan de la méthode scientifique. Elle le rappelait elle-même dans ses cours d’ethnomusicologie :
 Vers 1933 les pionniers de l’école de musicologie comparée durent quitter l’Allemagne hitlérienne. Hornbostel partit aux Etats-Unis, Sachs résida quatre ans en France avant de devenir citoyen américain. Cet ensemble de circonstances stimula les activités ethnomusicologiques tant américaines que françaises [...]. Sachs [...] eut une influence certaine sur nos travaux et entre autres sur un point assez inattendu pour un comparatiste à savoir le développement des recherches de ce qu’il appelait la préhistoire musicale d’Europe et de France ».
C’est en tout cas à un autre aspect de son influence que je me suis consacrée récemment : alors que ses positions concernant la restauration apparaissent remises en cause aujourd’hui (cf. supra), son apport à la théorie de la muséologie musicale reste unique en France et dans le monde. Ayant proposé le reprint de son article déjà cité sur La signification, la tâche et la technique muséographique des collections d’instruments de musique à la revue Cahiers de musiques traditionnelles qui l’a placé en tête de son volume consacré aux « Musiques à voir », je l’ai introduit en mettant en évidence que sa réflexion prend d’emblée en compte l’ouïe et la vue,
« focalise le débat sur « l’idée dominante de l’installation » et non sur la collection, constituant ainsi un véritable manifeste dont on ne voit pas qu’il ait été remplacé : tandis que les réalisations ont été multiples ces dernières décennies, combien de leurs auteurs ont en effet proposé une théorie de leur action muséographique ? Sachs écrivit ce texte alors que le Musée de l’Homme était en gestation. Beaucoup de ses propositions vont bien au delà de la seule conception « esthétique » de la musique occidentale évoquée dans les salles du musée de Berlin. Elles reflètent les préoccupations d’un ethnomusicologue « universaliste » portant un regard prospectif à un moment crucial de l’évolution de la muséographie. Cette prise de position eut-elle une influence sur les salles musicales ouvertes peu après par André Schaeffner au Musée de l’Homme ? Alors que cette page d’histoire est en train de se tourner [l’ouverture du musée du Quai Branly est imminente] et que de nouvelles réalisations muséographiques sont programmées, les perspectives ouvertes par ce texte nous invitent à conceptualiser nos propres convictions et introduisent fort à propos les éléments du débat ici publiés ».
J’ai repris la modernité de son discours qui dépasse la collection pour s’intéresser au langage muséographique dans une communication présentée récemment à New York dans le cadre du colloque du RILM ayant pour thème l’histoire intellectuelle de la musique, ses fondateurs et ses suiveurs. En effet, l’histoire des collections c’est l’histoire du goût, l’histoire des institutions qui en héritent, mais aussi l’histoire de la muséologie, prise comme une technique au service d’enjeux culturels et de leur réception par le public. L’histoire de la muséologie musicale reste à écrire, mais ses prolégomènes me semblent entre les mêmes mains que celles qui fondèrent l’organologie et l’ethnomusicologie.

On pourrait reprocher à ces travaux sur les collections d’être largement focalisés sur Paris. En vérité, dès les années 1980, j’ai entrepris d’examiner nombre de collections françaises conservées dans des musées régionaux. J’ai publié à leur propos des articles dans des catalogues d’exposition et des revues à caractère généraliste. Ils figurent dans la bibliographie que j’ai fournie pour l’entrée « France » (3 colonnes) de l’article « Instrumentensammlungen » préparé par mes collègues Manfred Schmid, Sabine Klaus et Barbara Lambert pour la nouvelle édition de MGG.



II. Iconographie musicale – Perspective historiographique

L’article que Tilman Seebass a écrit en 1995 dans le premier volume de Musique-Images-Instruments, intitulé « Une brève histoire de l’iconographie musicale : contribution des chercheurs français », pose les jalons de ce questionnement. Jouant, comme il le dit lui-même « l’étranger fasciné qui pique [notre] curiosité », il fit ressortir les grandes phases de recherches qui se sont développées en France.
D’emblée, il souligne la question du terminus post quem. A partir de quand peut-on considérer que des travaux d’iconographie musicale sont élaborés ? Il propose non sans grande pertinence d’attribuer à Villoteau, l’un des savants de la Campagne d’Egypte de Napoléon, la primeur, laissant à la sagacité des chercheurs français de confirmer ou non cette hypothèse. Il apparaît de fait que cette « Dissertation sur les divers espèces d’instruments de musique que l’on remarque parmi les sculptures qui décorent les antiques monuments de l’Egypte » constitue la première utilisation raisonnée et systématique de représentations figurées d’instruments sur les monuments.

L’antiquité musicale revisitée aux XVIIe et XVIIIe siècles

Pourtant j’ai plusieurs propositions à faire pour remonter sur l’échelle du temps. Je pense que Marin Mersenne, imitant en cela Michael Praetorius, en plus des planches d’instruments contemporains systématiquement intégrées à son propos dans L’Harmonie universelle, a fait figurer dans son Livre Troisième, Proposition XXIV, ce qui m’apparaît comme la première démarche possible en France se rapportant à l’étude des images musicales. Afin d’Expliquer les figures antiques de la Harpe, & des autres instrumens des Grecs & des Romains, voici comment on peut surprendre Mersenne entrain de faire de l’iconographie, comme plus tard chez Molière, Monsieur Jourdain fera de la prose :
Puisque plusieurs desirent sçavoir les coustumes de l’antiquité, je ne veux pas obmettre les instrumens dont les Grecs, les Romains, & les Egyptiens se sont servis, si les marbres antiques d’Italie, & les medailles ne nous trompent, dont les figures qui suivent ont été prises, & m’ont esté envoyées par Messieurs Gaffarel et Naudé, tous deux d’excellens Personnages.
Mersenne cite ensuite les auteurs anciens (Homère, Philostrate, Plutarque), puis décrit, au moyen d’une planche pédagogique, un aulos, une lyre, un sistre et une cithare. Il poursuit :
Monsieur Naudé m’a envoyé une figure d’un sacrifice ancien, dans laquelle l’un de ceux qui y sont representez, tient cette figure par le manche.
Il décrit en fait un type de cistre non arqué, composée d’une tige traversée de morceaux de métal mobiles qui « mènent bruit » lorsqu’on le frappe. Là encore nous découvrons Mersenne en train de faire de la documentation iconographique. Il resterait à vérifier dans sa correspondance si Naudé a précisé sur quel monument il a pris ce motif avant de le faire dessiner pour Mersenne. Nous avons montré comment le savant minime, grâce à son réseau de correspondants, avait des ethnographes de terrain dessinant sur place musiciens et instruments, tel Fabri de Pereisc à Carpentras, qui lui envoya le dessin d’un joueur de petites timbales provençales, et un croquis de l’instrument.
Un siècle et demi plus tard, dans l’Art du Faiseur d’instruments de musique et lutherie, on peut distinguer une démarche assez similaire : la planche XV, qui représente les Instrumens de Musique des anciens propose la figure d’un cor « qui paroît, par les bas-reliefs antiques, n’avoir servi que dans les actes religieux & militaires ». La figure 3, qui représente une sorte de trompe naturelle, est accompagnée du commentaire suivant :
Suivant la Chausse, dans son Museum romanum, tel étoit l’instrument dont se servoient dans les funérailles, ceux que les Grecs appeloient tymbaulas, les latins siticines. Ce même auteur appelle cet instrument flûte, & veut qu’il soit de corne… Ovide et d’autres auteurs l’appellent aussi tuba.
La figure 14, qui représente une sorte d’orgue à soufflet couplé à une cornemuse à deux tuyaux, a pour explication : Orgue ancien du Museum Romanum, et tel qu’il se voit combiné avec une cornemuse dans les médailles de Néron. Quant à la figure 18, elle représente un Lituus, tiré de Montfaucon d’après Fabretti. On voit combien une étude précise des sources iconographiques ayant servi à ces auteurs de traités permettrait de préciser les origines de cette discipline en France.
J’aimerais ajouter à ces prémices le traité de Jean-Benjamin de Laborde. Son Essai sur la musique ancienne et moderne, publié en 1780, est en effet illustré de très nombreuses gravures mettant en scène des musiciens, dans un esprit qui renouvelle, à la française, ce que Johann Christoph Weigel, dans son Musicalisches Theatrum, avait imprimé à Nuremberg dans les toutes premières années du XVIIIe siècle.
J. A. Villoteau est en tout cas le premier à mettre en regard non seulement les représentations visuelles, les textes, mais aussi les pratiques et les instruments vivants, dans une démarche qui tient d’une sorte d’anthropologie historique et de terrain. Il présente en effet tout d’abord les instruments égyptiens « que l’on remarque parmi les sculptures qui décorent les monuments de l’Egypte », y associe « les noms que leur donnèrent, en leur langue propre, les premiers peuples de ce pays », puis il décrit l’état « moderne » des instruments orientaux.

La musique médiévale à travers l’image

En probable réaction contre la suprématie de la culture gréco-romaine, le mouvement artistique « troubadour » met à l’honneur, à partir de 1800 dans les arts visuels, un Moyen-Age quelque peu réinterprété. Quelques années plus tard, dès 1836, de savants « antiquaires » commencent à s’intéresser aux instruments de musique figurés aussi bien dans la sculpture, que dans la peinture et dans les manuscrits enluminés. C’est du côté des périodiques archéologiques qu’il faut rechercher les études les plus documentées. Bottée de Toulmon, bibliothécaire du Conservatoire de musique de Paris, Henri de Coussemaker, Paul Lacroix et Henri Lavoix sont les auteurs les plus prolixes. Leur approche est pragmatique. La musique est d’abord identifiée à ses instruments. Et à défaut de témoignages matériels conservés, les monuments fournissent des témoignages sur leur morphologie et leur usage.
Henri de Coussemaker est un représentant tout aussi caractéristique de cette démarche : il traite des instruments par familles (cordes, vents, percussions). Son « introduction » n’apparaît qu’à la cinquième livraison de sa suite d’articles. Encore est-elle plus que lapidaire sur ses intentions :
Dans la première partie de cet Essai, nous nous sommes principalement attaché à la forme, le caractère, l’étendue et les dispositions des instruments de musique antérieurs au XIIe siècle. Avant de parler de ceux en usage aux siècles suivants, nous dirons quelques mots sur leur emploi dans les cérémonies publiques, tant chrétiennes que civiles.
S’il s’appuie sur des textes pour préciser l’emploi des instruments, il ajoute aussitôt qu’il se limite à l’histoire des instruments et non à celle des joueurs d’instruments. Une vision assez descriptive, presque naïve, mais qui a l’avantage d’exhumer de nombreuses sources. On se rapportera au jugement de T. Seebass sur ces études médiévales pour mesurer combien elles ont ignoré les travaux des historiens de l’art qui, pour la même période, se consacraient à l’étude des thèmes et des symboles. Une exception toutefois : les travaux sur le symbolisme des chapiteaux de l’abbaye de Cluny : l’abbé Pougnet est le premier à traiter de ce sujet, suivi par cinq chercheurs étrangers, et, contrairement à ce que remarque T. Seebass, suivi par deux collègues français, dont, en 1985, Jacques Chailley.

Images de la musique française à l’époque baroque

A partir des années 1920, plusieurs musicologues s’intéressent à l’iconographie musicale et plus particulièrement aux portraits de musiciens, parfois à l’occasion de la préparation de monographies sur les instrumentistes, comme celle de Pirro sur les clavecinistes ou celle de La Laurencie sur les luthistes. Il reste assez difficile de déterminer si André Pirro a influencé certains de ses disciples, car les publications de Geneviève Thibault ne concernent pas à proprement parler l’iconographie musicale et celles d’Yvonne Rokseth sur le sujet sont plus que réduites . Mais c’est sans conteste André Tessier (1886-1931) qui reste la figure la plus importante de l’entre-deux-guerres pour les études d’iconographie musicale. Sa formation pluridisciplinaire fait penser à celle de Julius von Schlosser à Vienne, de Curt Sachs à Berlin, qui tous deux allièrent des études musicales et d’histoire de l’art. Tessier étudie le droit, se forme à l’Ecole des Langues orientales, à l’Ecole du Louvre et à la Sorbonne où il est discipline de Romain Rolland. Spécialiste de la peinture et de la musique des XVIIe et XVIIIe siècle en France et en Italie, il présente une thèse à l’Ecole du Louvre le 13 juillet 1921 intitulée Essai sur les Berain, décorateurs de la Chambre et du Cabinet du Roi. Il faut remarquer que ses travaux d’iconographie vont être publiés dans des tribunes qui appartiennent tour à tour à l’histoire de l’art (L’amateur d’estampes ; le Bulletin de la Société d’histoire de l’art français ; la Revue de l’art) et à la musicologie (la Revue de musicologie ; La Revue musicale). Elles concernent bien sûr Bérain, qui sera retravaillé en 1937 par Armand Weigert, éminent conservateur au Cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale, et plus près de nous, par Jérôme de La Gorce, autre chercheur alliant une double formation d’historien de l’art et de musicologue. Mais Tessier a écrit aussi plusieurs articles importants sur des portraits de musiciens. Spécialiste de l’opéra, il travaille également sur les dessins de costume de Bocquet et ne pouvait manquer d’être fasciné, sensible qu’il était aux formes d’art total, par La Rhétorique des Dieux de Denis Gaultier, illustrée par Eustache Lesueur, Robert Nanteuil et Abraham Bosse. Il confia, lorsqu’il en publia le fac-similé, l’étude des images à Jean Cordey, un historien de l’art qui avait déjà publié sur ce sujet dans la Gazette des Beaux-Arts. Tessier était fonctionnaire au Ministère des Beaux-Arts, rue de Valois. Il entreprit là un travail documentaire largement oublié aujourd’hui, qui fut publié cinq ans après sa mort par Paul Ratouis de Limay et qui préfigure les outils documentaires organisés par Geneviève de Chambure dans le cadre du CNRS trente ans plus tard.
L’interdisciplinarité était semble-t-il naturelle à André Tessier, mais aussi à ses collègues de la Revue de musicologie : de son vivant, la rubrique bibliographie apportait un dépouillement systématique des articles paraissant dans les revues d’histoire de l’art et intéressant la musique.
On ne saurait en tout cas mieux dire sur André Tessier qu’en citant les propos si éloquents d’André Schaeffner en introduction à la bibliographie de ses travaux :
Il avait de la musicologie une idée à la fois très exigeante et combien libérale […]. Autant le dépouillement d’archives, l’ingéniosité déployée pour l’établissement des faits et pour les dater, et plus encore, la publication rigoureuse des textes constituaient à ses yeux tâches et qualités essentielles du musicologue, autant ce que chacun disait de la musique, et la façon dont il le disait, lui paraissait mériter notre attention […]. Nous avions en commun une admiration pour le double rôle que Romain Rolland avait joué, et comme historien de l’opéra et de la musique ancienne, et comme initiateur aux problèmes que se pose la musicologie […]. Musicologue, historien de l’art, curieux de littérature, il avait été à même d’analyser trois modes d’expression dissemblables et d’en percevoir les règles et les limites respectives […]. Il s’était suffisamment attaché au problème de la représentation de l’opéra, pour y voir non plus une juxtaposition quelconque, encore moins une mobilisation et une mise au pas de plusieurs arts, mais une porte largement ouverte à des possibilités inconnues de chacun d’eux ; c’est ce que Tessier appelait voyager « au pays d’opéra ». Mieux qu’aucun autre historien, et qu’aucun théoricien, il avait établi dans quelle mesure les différents arts avaient tiré profit de leur participation à l’opéra et au ballet. C’était tout reprendre au rebours de ce qu’avait conçu Wagner.

Une étape : l’édition française de l’Album musical de Georg Kinsky (1930)

Ce volume de 1 560 reproductions de portraits, autographes, instruments, scènes, exemples musicaux, etc. se rapportant aux grands musiciens et à la musique de tous les pays et de tous les temps, a d’abord été publié par Georg Kinsky (1881-1951) à Leipzig en 1929 chez Breitkopf & Haertel sous un titre plus explicite : Geschichte der Musik in Bildern [Histoire de la musique en images]. De fait, ce corpus de reproductions s’intéresse aussi bien aux instruments conservés dans les musées et collections privées, aux manuscrits et imprimés musicaux, aux documents d’archives, qu’aux portraits de musiciens et aux scènes musicales ou de contexte. Des légendes succinctes, une table alphabétique des matières, une table géographique et un index des noms cités les accompagnent. Kinsky reste avant tout connu comme organologue et bibliothécaire, grand connaisseur de l’histoire des collections musicales. Il a publié le catalogue de l’impressionnante collection Heyer à Cologne (2 600 instruments), dont il a été le conservateur de longues années. Elle fut vendue à la ville de Leipzig en 1926 et forme l’un des fonds constitutifs du Musée Instrumental de l’université de cette ville. Les deux volumes qu’il publie en 1910 et 1912 tiennent une place essentielle dans l’histoire des catalogues de collections instrumentales en raison de leur qualité méthodologique, de l’érudition constante perceptible dans les notices, de la recherche bibliographique effectuée pour chacune d’elles, des reproductions nombreuses de marques et signatures de facteurs, du choix judicieux de l’iconographie accompagnant chaque famille instrumentale. Kinsky a laissé également des travaux bien connus sur Gluck, sur Beethoven, mais n’a pas écrit sur des sujets d’iconographie. Son histoire de la musique en images met à contribution ses qualités d’antiquaire érudit (autodidacte, ce fut sa formation initiale), mais aussi de bibliothécaire et conservateur habitué à manipuler de riches collections et à diffuser des sources importantes.
Voici les mots d’introduction à l’édition française de son recueil, écrits spécialement par l’un des trois principaux collaborateurs de Kinsky, Marc Pincherle :
Toute la vie musicale depuis les temps les plus reculés jusqu’à nos jours, évoquée par l’image ! On ne saurait feuilleter cet album sans émotion. On y sent palpiter l’âme de la divine Musique depuis les premiers balbutiements de l’Humanité. Quel degré avancé de civilisation attestent en effet les plus anciens documents que nous possédons sur l’art musical ! […]
Il a fallu faire un choix parmi les milliers de documents rassemblés, mais on n’a vraiment éliminé que ceux d’un intérêt médiocre ou qui paraissaient faire double emploi […]. Ce gros ouvrage de plus de 350 pages constitue un incomparable instrument de travail et de documentation pour les musiciens, les amateurs, les musicologues, les critiques, en même temps qu’un album plein d’intérêt et d’agrément pour les profanes. Il forme le complément indispensable de la vaste Encyclopédie de la Musique et du Conservatoire dont la publication, commencée sous la direction d’Albert Lavignac, s’achève sous celle de M. Lionel de la Laurencie. La plupart des musiciens dont il est question dans cet immense répertoire de faits et d’idées sont représentés dans le présent album, qui comble une grave lacune.
Il va porter en effet la vie dans le domaine de l’érudition, en associant au récit trop abstrait, des images précises. On peut affirmer que cette publication est un événement de la plus haute importance pour l’histoire musicale.
La version allemande parue à Leipzig fut recensée dans la Revue de musicologie par Maurice Cauchie, et quelques mois plus tard la traduction française par Julien Tiersot. Ce dernier insiste sur l’intérêt des documents remontant à l’Antiquité, tandis que Cauchie voit dans ce recueil le complément indispensable aux histoires de la musique non illustrées, souhaitant qu’il exerce une « heureuse influence » sur le grand public. Bien qu’aucun travail analytique ou de synthèse n’accompagne ce corpus, il reste dans la bibliothèque des musicologues un usuel aussi important – s’il est possible de faire la comparaison avec un autre domaine de la musique - que l’histoire du Conservatoire de Constant Pierre et son réservoir de documents. Lorsqu’on entreprend un travail sur n’importe quel sujet d’iconographie, aujourd’hui encore, Kinsky est un passage obligé.
A partir de 1934 (La musique française du Moyen Age à la Révolution), une spécificité française se fait jour : les expositions temporaires thématiques ou monographiques sont en effet l’occasion de présenter de nombreux documents, même si les représentations de la musique et les portraits ne sont pas explicitement analysés par les auteurs des catalogues qui les accompagnent. En 70 ans, plus de 65 manifestations ont été organisées en France, avec une écrasante majorité à Paris. Ce mode de transmission a été utilisé lors d’expositions monographiques sur des compositeurs de premier plan : Mozart (1956), Rameau (1964), Berlioz (1969), Ravel (1975), Stravinsky (1980), Chopin (1983), Wagner (1984), Liszt (1986), Mozart (1991), Lully (1987, 1991), Rossini (1992), Gounod (1993) etc. François Lesure, Jean-Michel Nectoux, Jean-Marie Bruson, Jérôme de La Gorce y ont joué un rôle particulier. L’opéra a bien sûr été traité à plusieurs reprises (1972, 1982), le ballet de cour aussi, de même que les divertissements (1990). Les musées en région n’ont pas été en reste. On citera Dijon (1957, 1965), Bordeaux (1969) avec un mémorable ensemble titré L’art et la musique, entièrement consacré à l’iconographie musicale. Son envergure tenait à la fois au conservateur qui en fut la commissaire, Gilberte Martin-Méry, connue pour ses manifestations de grand retentissement, mais aussi à son concepteur, Albert Pomme de Mirimonde, une figure unique pour la discipline en France. Dans la longue préface qu’il écrivit pour l’épais catalogue, il nous permet de mesurer son état de développement dix ans après la publication de ses premiers travaux sur le sujet :
Au premier abord, l’iconographie musicale apparaît comme un minuscule canton de l’histoire de l’Art, une sorte de république d’Andorre administrée par des coprinces bienveillants et distraits, les historiens de la peinture et ceux de la musique. Peu exploré, ce territoire était longtemps demeuré sous-développé, mais, selon la courtoise terminologie internationale, il est maintenant en voie de développement. Le chercheur y découvre des milliers de peintures, de dessins, de gravures, de sculptures, bref, pour reprendre un mot de Renan, il est vite en présence d’une sorte de fagot branchu qui ne passe plus ni par la porte, ni par la fenêtre.
Quand le dépouillement progresse, peu à peu les grandes lignes de l’histoire se dégagent. Ce qui semblait être simplement une matière à références pour les organologues prend un tout autre aspect. Les œuvres qui, depuis des millénaires, traitent de sujets musicaux illustrent quelques grandes étapes de la pensée humaine. L’histoire de l’art s’agrandit aux proportions d’une histoire de l’esprit : Kunstgeschichte als Geistesgeschichte ».
Cette histoire des idées est ensuite présentée par Mirimonde, thème par thème, époque par époque, fonction des deux cents œuvres rassemblées et qui évoquent quatre siècles d’arts plastiques.

Albert Pomme de Mirimonde (1899-1985)

Haut magistrat, Mirimonde fit sa carrière à la Cour des comptes et la présida les dernières années. Collectionneur entre 1930 et 1951 (année du décès de sa mère), passionné d’histoire de l’art, il légua ses tableaux à deux musées provinciaux, sa bibliothèque et sa documentation d’histoire de l’art au Musée du Louvre et à la Bibliothèque de Besançon. Le département de la Musique de la Bibliothèque nationale de France est dépositaire de sa documentation d’iconographie musicale (quelque 8 000 photographies, inv. 85-00435).
Il commence à publier en 1948 principalement sur des œuvres hollandaises. A partir de 1960, et pour une vingtaine d’années, il est l’auteur prolixe d’une œuvre qui s’intéresse à la peinture des écoles française, italienne et nordiques. Plus de la moitié concerne l’iconographie musicale et n’a pas encore été évaluée. On remarquera avec étonnement que l’ouvrage qui fut publié en 1987 pour faire connaître son legs s’attache à la « morale de [sa] collection », à son legs, mais pas du tout à son œuvre. Il est d’ailleurs assez frappant de constater que les rares articles parus après sa disparition ne mentionnent pas sa place éminente dans ce domaine. Aucune tribune de musicologie ne lui a consacré d’article récapitulant cet aspect de sa production et aucune revue étrangère, le Burlington Magazine ne s’intéressant, une fois de plus, qu’à sa collection. Tilman Seebass (1995) est le premier à montrer l’aspect multiforme de ses centres d’intérêt : la variété des supports qu’il prend en compte (peinture, sculpture, tapisserie, estampes etc.), des périodes (de la Renaissance au XIXe siècle), des pays (les écoles du Nord sont prédominantes, la France et l’Italie venant derrière), et surtout des thématiques. C’est bien cette préoccupation qui est au centre de ses publications et qui développe un courant quasi inexistant dans les études d’histoire de l’art en France, centrées principalement sur la préparation de monographies d’artistes (et donc sur des travaux d’érudition touchant à la carrière et au style(s) des individus et des mouvements) et d’histoires générales de la peinture.
Avec cinq ouvrages, quelque 80 articles et 6 préfaces à des expositions, l’iconographie musicale en tant que pratique érudite a fait son entrée grâce à Mirimonde dans les institutions patrimoniales, même si elle a continué d’être ignorée très largement à l’université où l’on traite éventuellement des relations entre art et musique. En France, trois tribunes d’histoire de l’art ont publié régulièrement ses travaux : la Gazette des Beaux-Arts, la Revue du Louvre et des musées de France et le Bulletin de la Société de l’histoire de l’art français. La Revue de musicologie ne l’a accueilli que deux fois : la première (en 1965) pour un article d’ordre méthodologique qui constate le « sous-développement » de cette branche de l’histoire de l’art.
On apprend à sa lecture que le Louvre est entrain de réaliser un fichier iconographique, travail qui n’a pas commencé pour les musées de province. « Les Musées instrumentaux pourraient, eux aussi, rassembler une documentation, au moins sur les instruments et les exécutants. Madame de Chambure en a le projet pour le Musée du Conservatoire. Pour l’étude des grands thèmes iconographiques des expositions seraient utiles […]. Peut-être les encyclopédies et les histoires de la musique pourraient-elles consacrer un chapitre à l’évolution de l’iconographie musicale ».
Mirimonde a été entendu : en 1967, Madame de Chambure, avec l’aide du Cnrs, créait l’équipe « Organologie et iconographie musicale » dont nous sommes encore les héritiers ; en 1965 Dijon présentait une exposition d’œuvres d’art consacrée entièrement aux thématiques musicales, suivi de peu par celle de Bordeaux en 1969 que nous avons déjà citée. Quant aux chapitres sur l’iconographie musicale dans les encyclopédies, il faudra attendre quelques années, le Dictionnaire de la musique en France aux XVIIe et XVIIIe siècles de Marcelle Benoit et celui de Joël-Marie Fauquet consacré au XIXe siècle, pour que ce vœu soit exaucé.
Comme Mirimonde l’indique dans la préface de son premier volume consacré L’iconographie sous les rois Bourbons, il a classé sa documentation personnelle selon la classification du Cabinet des Estampes de la Bibliothèque nationale de France : allégories, sujets antiques, sujets religieux, natures mortes, portraits, scènes relatives à la vie sociale, thèmes exotiques, sujets parodiques ou satiriques. Cette taxinomie est aussi celle de son ouvrage. Il montre ensuite combien les deux écoles de pensées dominantes en France dans le domaine de l’histoire de l’art, celle d’un côté d’Emile Mâle (privilégiant l’étude des thèmes, des croyances et des civilisations), de l’autre celle d’Henri Focillon (l’évolution des formes), ont eu une influence sur le développement de l’iconographie musicale. Il constate que la seconde a eu beaucoup plus de brillants disciples en France, ce qui a été particulièrement « néfaste pour l’iconographie musicale en la faisant négliger ».
Ses principaux axes de recherche sont les suivants : la musique chez les peintres : il constitue des sortes de catalogue monographiques (sur Jérôme Bosch, Vermeer, Gonzales Coques, Jacob Jordaens, Joris et Jan van Son, Jan Massys, Rubens, Simon Vouet, Poussin, Watteau ; la musique dans les collections publiques : notamment au Louvre, dans les musées de province français ; les portraits de musiciens ; les scènes de genre ; les vanités ; les allégories (l’amour, les arts libéraux) ; le symbolisme. Ce dernier centre d’intérêt est manifeste dans son dernier livre Le langage secret de certains tableaux du Louvre (1984) qui reprend en fait certaines études antérieures, mais sous une forme plus accessible, sans références critiques.
Contrairement à ce que suppute T. Seebass (« je ne serais pas surpris que vous confirmiez qu’il contribua à changer les attitudes de pensée parmi les autorités du Cnrs, celles des musées et des milieux académique »), je pense que son importance ne commence à apparaître que ces dernières années. J’aimerais pouvoir en débattre avec des historiens de l’art. L’indexation de ses collections documentaires, grâce à un programme collectif de l’Inha, de la BnF et du Cnrs en est en tout cas le meilleur indice du côté des musicologues.

Travaux français, travaux étrangers : thèmes récurrents sur la France

S’il est bien difficile d’évaluer l’influence des travaux de Mirimonde sur les travaux étrangers mais surtout français de la dernière génération (leur nombre a crû de manière tout à fait spectaculaire), il est indéniable que nous travaillons dans son héritage. L’absence totale de référence à son œuvre dans le manuel publié récemment par Thomas F. Heck aux Etats-Unis est plus qu’inexplicable, ce qui a été largement souligné par la revue Music in Art.

J’aimerais maintenant m’attarder sur quelques « traditions » thématiques de recherche sur la France. L’étude des tableaux du Louvre est la première. Elle commence en 1894 avec Eugène de Bricqueville, dont nous avons déjà indiqué l’apport à l’organologie. Elle se poursuit avec un développement sans équivalent pour aucun musée du monde grâce à Albert Pomme de Mirimonde entre 1962 et 1984. D’ailleurs, en 1994, au moment du départ à la retraite de Michel Laclotte, directeur du Louvre, 55 conservateurs lui offrent en hommage un recueil de courtes notices sur des œuvres majeures du musée sous le titre de Musiques au Louvre. La musique s’est révélé le « seul thème vraiment fédérateur » à l’ensemble des responsables de département. L’année suivante commence le catalogue systématique des tableaux par deux équipes du CNRS (voir infra). N’oublions pas aussi les collections de la Bibliothèque nationale de France, explorées de manière très poussée par Mirimonde, tous départements confondus, et plus récemment par Catherine Massip.
Certains artistes ont attiré particulièrement les chercheurs. Dix-huit études (dont six par des anglo-saxons) ont ainsi été consacrées à Watteau entre 1961 et 2005, celles de Mirimonde ayant marqué le début de cet intérêt ; six à Fantin-Latour entre 1932 et 1992 (dont quatre par des auteurs étrangers), étudié deux fois seulement par des musicologues ; cinq au portraits charges de musiciens du sculpteur Dantan, étudié depuis 1832 dans les colonnes du Ménestrel, puis autant par les musicologues que les historiens de l’art.
Des compositeurs ont suscité une littérature en iconographie particulièrement abondante : Rameau a été travaillé une vingtaine de fois (mais il convient de prendre en compte les multiples expositions qui lui ont été consacrées).
Des thèmes ont plus de faveur que d’autres : la caricature (cinq études dont un livre entre 1973 et 1983, portant notamment sur deux périodiques, La vie parisienne, Le Charivari) ; les arts du spectacle, notamment l’opéra, le ballet, la danse avec des monographies sur des artistes décorateurs comme Bérain, Servandoni, Duplessis (études nombreuses par Jérôme de La Gorce, Marie-France Christout) ; les musiques pastorales et leur contexte de transfert social (depuis les travaux de Bricqueville à la fin du XIXe siècle sur les vielles et les musettes, Emanuel Winternitz s’est intéressé aux mêmes instruments dans une perspective symbolique, suivi par Richard D. Leppert qui lie cette mode à une recherche d’une nouvelle Arcadia, le sujet étant au cœur de multiples études françaises récentes ; le décor des instruments de musique (après le livre généraliste de Rueger traduit en français en 1980, les études de Sheridan Germann sur les différentes écoles de clavecins, française comprise, restent fondamentales. Plusieurs études sur les buffets d’orgues doivent être aussi mentionnées. Elles débutent en 1928 et se sont multipliées régulièrement dès l’époque des travaux de Norbert Dufourcq.
Les études portant sur la musique et la société ne sont pas nombreuses. François Lesure, parce qu’il fut formé par Pierre Francastel, en est l’un des rares représentants en France. Pionnier dans ce domaine du point de vue de la musicologie, il le fut aussi dans le domaine de l'iconographie musicale. Présent, avec Geneviève Thibault de Chambure, à la session inaugurale du Répertoire international d'Iconographie musicale (RIdIM) à Saint Gall (Suisse) en août 1971, il ne pouvait que soutenir, auprès de son fondateur et ami Barry Brook (1918-1997) et de Harald Heckmann, les ambitions de cette association professionnelle destinée à développer au plan international des méthodes de collecte, d'analyse et de diffusion dans une discipline qui cherche encore souvent sa voie. Même si Albert Pomme de Mirimonde symbolise, presque à lui seul à la même époque, la recherche française dans le domaine des images musicales et de leur interprétation, François Lesure avait offert dès 1966 au public italien mais aussi anglophone un livre d'avant garde, étrangement boudé par l'édition française puisqu'il ne parut jamais dans sa langue originale : Musica e Società. Préfacé par Pierre Francastel, cet ouvrage s'attachait aux différents modes de représentation de la musique et à la condition sociale des musiciens selon un découpage d'une stimulante modernité : les connaisseurs, les consommateurs, les utilisateurs (le mécène et les artistes), les musiciens de Dieu.
Lesure indique dans son introduction :
« Questo libro, che non vuole essere né un inventario né una chiave per svelare un metodo di indagine, raggruppa un certo numero di opere che sembrano significative ; fornische dei suggerimenti per leggere tali opere ; propone dei raffronti ».
Plus tard, les sept volumes de sa collection « Iconographie musicale », publiés de 1972 à 1987 aux Editions Minkoff, certains volumes en deux langues, constituent une initiative sans équivalent à ce jour dans le domaine francophone. Ils conservent de son premier modèle d'histoire sociale par l'image un commentaire vif et serré, mais sans caractère d’érudition. Cette collection est donc fort différente de l’entreprise allemande intitulée Musikgeschichte in Bildern lancée à Leipzig par Heinrich Besseler et Max Schneider en 1965 et poursuivie jusqu’en 1989 sous la direction de Werner Bachmann avec 26 volumes. La dimension universelle de cette collection, le nombre impressionnant de sources inédites exhumées, la densité des introductions de chaque volume, l’étude critique très poussée de chaque oeuvre, accompagnée d’une bibliographie copieuse et de documents en rapport, en font l’entreprise la plus aboutie de la seconde moitié du XXe siècle.

Le Centre de documentation du CNRS et sa base Euterpe

Troisième initiative après la collection photographique du Ministère des Beaux-Arts et le fichier des thèmes iconographiques du Musée du Louvre, le CNRS soutient, à partir de 1967, l’établissement d’un centre de documentation iconographique. On doit cette institutionnalisation de la recherche à Geneviève Thibault de Chambure, musicologue spécialiste de la chanson française du XVe siècle, collectionneur de manuscrits et partitions rares, initiatrice de la Société de musique d’Autrefois en 1926, conservatrice du Musée Instrumental du Conservatoire de 1961 à 1973. Elle demande en effet la création d’une équipe de recherche auprès de ce musée, dévolue à l’organologie et à l’iconographie. A partir de sa collection personnelle de reproductions photographiques principalement centrée sur le XVe siècle européen, elle réalise l’un des souhaits de Mirimonde. Elle impulse d’ailleurs, comme nous l’avons vu, avec Barry Brook et Harald Heckmann, la fondation du RIdIM en 1971. Les normes de catalogage diffusées par ce troisième « R », seront appliquées à Paris jusqu’à la fin des années 1970. Depuis, cette entreprise s’est développée, a été intégrée à l’IRPMF, et sa documentation est maintenant accessible sous forme informatisée et numérisée (voir supra).
Autour des collections du Musée Instrumental, G. Thibault a donc fédéré des travaux d’iconographie dont les résultats au plan bibliographique ne sont que faiblement sensibles dans la bibliographie fournie ici en annexe. En revanche leurs différents axes de recherche ont été en quelque sorte « révélés » à la communauté internationale après sa disparition, lors du colloque organisé à sa mémoire en septembre 1985 au Collège de France par le Professeur Jacques Thuillier, son successeur au CNRS, avec le soutien de Barry Brook et de Tilman Seebass. Avec pour titre De l’image à l’objet. La méthode critique en iconographie musicale, les actes parus en 1987 dans la revue Imago Musicae confirment que les travaux des chercheurs français poursuivent en grande majorité une tradition ancienne tournée vers l’instrument et la pratique musicale.
Issue des fichiers développés sous la direction de Madame de Chambure par Fréderic Thieck, Paul Guiomard et Brigitte Devaux, la base de données Euterpe, fut conçue sous le directorat de Sylvie Bouissou, alors que l’équipe CNRS d’organologie et d’iconographie, que j’avais entre-temps dirigée, était intégrée à une structure plus large dévolue à la musicologie, l’Institut de recherche sur le patrimoine musical en France (IRPMF). Euterpe aborde aussi bien la représentation des instruments de musique et de la musique notée dans les œuvres d’art que la pratique du chant et de la danse, les arts du spectacle ou les portraits de musiciens, professionnels ou amateurs, célèbres ou anonymes. Elle traite aussi les symboles musicaux et les allégories. Ces différentes approches mettent en lumière l’importance de la musique dans la société, la variété de ses pratiques, son imaginaire symbolique et l’histoire du goût qui lui est sous-jacente ; elles nous invitent à suivre l’évolution d’un instrument au cours des siècles, à découvrir le répertoire musical privilégié par tel milieu à telle époque.
Constituée à partir de dépouillements d’archives photographiques mais aussi de collections publiques et privées, françaises et étrangères, elle s’appuie sur environ 10 000 photographies en noir et blanc et 4 000 diapositives de peintures, dessins, estampes, sculptures, objets d’art, dans lesquels la musique est présente. Tous les genres sont concernés : scènes mythologiques et religieuses, scènes de genre, concerts, portraits de musiciens, chanteurs, danseurs, natures mortes et allégories de la musique. La volonté de rendre ce fonds plus accessible, de le valoriser a conduit à son informatisation en associant aux images une fiche structurée et une bibliographie de chaque œuvre.
Cette fiche s’inspire de celle de la base de données Joconde des musées de France, et tient compte des neuf critères définis en commun avec les centres d'iconographie musicale européens (Innsbruck, La Haye, Munich, Crémone, Tours, Paris…) lors de trois réunions internationales . En outre, des champs descriptifs touchant à l’iconographie musicale (instruments, musique notée, chant) ont été ajoutés. La fiche comprend ainsi cinq champs présentant l’auteur et dix-huit champs décrivant l’œuvre. Certains sont liés à une liste hiérarchisée et d’autres utilisent des codifications internationales permettant des échanges ultérieurs avec d’autres bases. Cette méthodologie s’inscrit en effet dans une réflexion menée non seulement avec les centres européens, mais plus largement avec le RIdIM (Répertoire international des sources musicales) et récemment avec l’INHA (Institut national de l’Histoire de l’Art).
La recherche dans la base peut se faire de deux manières différentes : par une arborescence thématique (instruments de musique, musique écrite lisible, portraits de musiciens et de danseurs) qui sert à naviguer dans la base, ou bien en interrogeant les champs descriptifs de la fiche. On peut ainsi lancer une recherche par artiste, école artistique, lieu de conservation, siècle, thème iconographique, instrument de musique, musique notée lisible, portraits et, bien sûr, croiser plusieurs champs en même temps. Pour faciliter des rapprochements ou des confrontations, les images et leurs données textuelles peuvent être mises en relation les unes avec les autres, être rapprochées et affichées simultanément sur l’écran. Il est également possible de créer aisément des « collections » – temporaires ou non – d’images pour faciliter une étude sur un point précis.
Cette base de données, entreprise en 2000, compte aujourd’hui plus de 8 000 fiches et 12 000 images. Elle s’adresse particulièrement aux chercheurs et aux étudiants, qu’ils soient historiens de l’art, musicologues ou organologues, aux iconographes et aux facteurs d’instruments. Elle est consultable à l’IRPMF (BnF) et sera à terme accessible sur Internet.

Les chantiers de catalogage à l’INHA (Institut national d’histoire de l’Art) et d’autres centres de recherche

Trois chantiers concernant l’iconographie musicale ont été lancés par l’INHA sous la direction de Jean-Michel Nectoux à partir de 2000, sous un intitulé général « Beaux-Arts, musique, théâtre ». Le premier concerne la collection documentaire d’Albert Pomme de Mirimonde, déjà évoquée plus haut à laquelle sont associés ses « papiers d’érudit » (manuscrits, notes, épreuves de ses articles). Léguée au Louvre en 1985 par l’éminent érudit, elle comporte quelque 10 000 photographies provenant de tous les musées du monde. Elle est actuellement conservée au département de la Musique de la Bibliothèque nationale de France selon le classement original du chercheur, ce qui correspond, comme nous l’avons dit, aux thèmes et à l’ordonnancement de son ouvrage L’iconographie musicale sous les Rois Bourbons. Préalablement à l’indexation informatique, une bibliographie exhaustive des travaux de Mirimonde a été établie. Elle est actuellement disponible sur le site Internet de l’INHA. Cet institut élargit encore les domaines interdisciplinaires entre musique et arts : il a entrepris également une indexation – accompagnée d’une numérisation - des Livres de fêtes appartenant à la collection Jacques Doucet et d’autre part une base de données sur les photographies nombreuses illustrant la revue Musica (1902-1914).
D’autres équipes universitaires et du CNRS poursuivent aussi des chantiers d’indexation sur lesquels s’appuient leurs recherches. L’unité de recherche « Patrimoines musicaux » de Paris IV-Sorbonne présente depuis 2002 le résultat des travaux de thèse de Frédéric Billiet sur « L’iconograpie musicale dans les stalles médiévales ». Ce corpus (qui concerne la France prioritairement mais aussi des édifices en Europe) est indexé selon des critères géographiques, thématiques et organologiques. Concernant aussi le Moyen Age, l’Institut de recherche sur l’histoire des textes (IRHT), équipe du CNRS, a depuis 1979 joué un rôle éminent dans le domaine des manuscrits enluminés de cette époque. Sa base Enluminures comporte de très nombreux sujets musicaux accessibles en ligne. Les notices, établies avec l’aide des bibliothèques dépositaires, comprennent des informations sur le contenu (notamment thématique), l’historique et la décoration de chaque manuscrit (4 000) et de chaque folio.
Enfin au Centre d’études supérieures de la Renaissance (CESR) de Tours (Unité mixte du CNRS), le programme RICERCAR, dirigé par Philippe Vendrix, comporte une section dévolue à l’iconographie musicale conçue et animée par Nicoletta Guidobaldi : une indexation sous forme de base de données des tableaux à sujets musicaux du Musée du Louvre (publié sous une forme synthétique dans Musique-Images-Instruments en 2003) a été réalisée. Parallèlement, l’indexation des images musicales dans les livres d’emblèmes de la Renaissance a été amorcée (elle débute avec l’ouvrage d’Alciat (1531), et se poursuit avec ceux de Valériane, La Perrière, Corrozet, Paradin). Par ailleurs, dans le cadre du programme européen Culture 2000, Tilman Seebass, porteur du projet Images of Music – A Cultural Heritage, a confié en 2002, à N. Guidobaldi la réalisation d’une exposition virtuelle sur Les mythes musicaux de l’Antiquité à nos jours qui a été en ligne jusqu’en juillet 2003 et qui a fait l’objet d’une édition sous forme de CD.
On trouvera mention d’autres réalisations, en dehors du cadre de la recherche et des institutions dans l’article que j’ai consacré à « L’iconographie musicale : définition, constitution de corpus et outils d'exploitation ».

T. Seebass avait souligné en 1995 combien « la connaissance de l’histoire de nos disciplines de recherche constitue la meilleure et peut-être la seule voie véritablement solide pour une compréhension de nos méthodes ». Il insista sur le fait que les chercheurs du XIXe siècle pratiquèrent en France une iconographie qui tenait de la Realienforschung, centrée sur l’organologie et la recherche des pratiques musicales. Ils se comportèrent en historiens de la musique et ignorèrent les travaux thématiques et d’interprétation symboliques de leurs collègues historiens de l’art.
Au XXe siècle, Mirimonde, par la fascinante prolifération de ses questionnements, est le premier à problématiser les études d’iconographie musicale. Je pense personnellement qu’il est toujours largement ignoré des musicologues (alors que ses livres ont été publiés sous les auspices musicologiques de Norbert Dufourcq et François Lesure – chez Picard et Minkoff) ; il a longtemps été considéré avec une certaine condescendance par les conservateurs du Louvre et des grands musées nationaux, ses interprétations semblant souvent un peu trop recherchées et peu utiles aux historiens de l’art français réputés pour leurs travaux essentiellement monographiques. Aujourd’hui, en revanche, ses publications sont systématiquement prises en compte dans les catalogues de musées, les catalogues d’exposition et les études érudites françaises. Ce mouvement ne peut qu’aller en s’amplifiant lorsque sa documentation sera cataloguée, ce qui la rendra enfin accessible aux chercheurs. Elle risque de révéler des documents inconnus et de grandement stimuler de nouvelles analyses pluridisciplinaires.

Descendants que nous sommes, à l’IRPMF, de l’impulsion donnée par Geneviève Thibault de Chambure il y a quarante ans, nos travaux ont continué, depuis 1995, à donner une place importante à l’étude conjointe des instruments et des pratiques. Nous avons quitté voilà dix ans, la collection mère où notre première équipe avait été créée (celle du Conservatoire de Paris devenu Musée de la Musique). Nous avons travaillé ensuite au Musée des Arts et Traditions populaires (où nous avons été abrités entre 1994 et 1998). Enfin notre nouvelle implantation, au sein d’une équipe de musicologie accueillie dans les murs de la Bibliothèque nationale de France, nous place dans des conditions idéales de travail : à proximité du Cabinet des Estampes, du département des Manuscrits, des fonds de portraits de musiciens et du fonds Mirimonde du département de la Musique, non loin aussi des fonds du département des Arts et Spectacles et de la bibliothèque-musée de l’Opéra, comment ne pas saisir ces opportunités pour développer des études thématiques pluridisciplinaires ?
J’espère avoir apporté dans ce rapide panorama, quelques éléments pour permettre d’appréhender les travaux français depuis deux siècles, et avoir esquissé une réflexion prospective pour nos travaux communs à venir.

Bibliographie des travaux français et sur la France

La bibliographie annexée à ce travail et que j’ai intitulée « Iconographie française », comporte une liste des travaux réalisés par les chercheurs français au cours des deux siècles passés mais aussi les publications de chercheurs étrangers ayant travaillé sur des sources françaises. J’ai réalisé cet état provisoire du sujet à partir des bibliographies de Frederic Crane, de Franz Gratl, de Nicole Lallement, à partir de l’interrogation du RILM, notamment pour la période postérieure à 1995, de Jstore et de dépouillements personnels variés. Au total, et provisoirement, quelque 850 références concernent directement ou indirectement l’iconographie musicale et les rapports entre musique et arts visuels en France. Remarquons tout de suite que le travail auquel je me suis livrée permet une approche beaucoup plus fine. En effet, si l’on considère les références de Frederic Crane concernant la France, soit 140 entrées (dont 35 pour Mirimonde qui en fait publia 54 articles pour la période considérée), auxquelles on rajoute les références provenant d’Imago Musicae 14-15 (volume de bibliographie paru en 2000), soit 330 références (les différents index donnent 81 entrées concernant la topographie française, 220 entrées se rapportant à des artistes français, 40 entrées d’organologie française, et surtout 170 thèmes liés à la France, soit 510 entrées qui se recouvrent bien sûr en grande partie - 12 articles de Mirimonde oubliés -), on voit que plus d’un tiers des travaux n’étaient pas référencés dans ces bibliographies antérieures (365 références nouvelles sont présentées ici). C’est donc un encouragement à poursuivre encore ce travail préliminaire dont l’Annexe I.2. ne constitue qu’une étape provisoire.
J’aimerais maintenant mettre en évidence les grands thèmes que j’ai personnellement travaillés, les sources que j’ai le plus exploitées, les résultats obtenus pour ensuite tracer quelques axes que j’aimerais à l’avenir développer. N’étant pas médiéviste, je situerais plutôt mes travaux dans la descendance de ceux d’Eugène de Bricqueville (les tableaux du Louvre, les instruments pastoraux), d’André Tessier (les portraits), de François Lesure (les aspects sociologiques des représentations), de Claudie Marcel-Dubois (pour les musiques populaires) et bien sûr d’Albert Pomme de Mirimonde, auquel j’ai eu la chance de soumettre mon travail de maîtrise en histoire de l’art. Son œuvre multiforme n’a pas laissé beaucoup de champs vierges pour ceux qui étudient le patrimoine français. C’est donc à un constant compagnonnage que se livrent et se mesurent ses successeurs.

II. 1. Iconographie musicale – L’instrument, ses caractéristiques, son décor, son évolution
(9 contributions à des catalogues d’exposition, 13 contributions à des colloques publiés, 15 articles, 1 article de dictionnaire)

Mettant à profit ma formation initiale en histoire de l’art, j’ai développé des études d’Iconographie musicale dans des domaines connexes de l’organologie, celle des pratiques et de leur contexte social et symbolique. J’ai tout d’abord été intéressée par la question des décors d’instruments à clavier au plan de l’histoire du goût et de la symbolique qu’ils véhiculent. Pendant les années durant lesquelles Sheridan Germann s’intéressait aux décors de table d’harmonie des clavecins des différentes écoles régionales européennes (contribuant à identifier des mains anonymes qui permirent l’attribution des instruments non signés à des ateliers spécifiques), je me consacrais aux décors des caisses et des couvercles des instruments construits ou ravalés en France. Quelques années plus tard, j’ai publié en deux livraisons les décors de couvercles qui ont été conservés soit sous forme d’esquisses dessinées, soit d’estampes (on ne peut savoir s’ils ont été véritablement réalisés) soit de panneaux peints sur des clavecins ou détachés de leur instrument par suite de fréquentes vicissitudes. On remarquera qu’à l’exception des estampes qui portent les noms prestigieux de Claude Gillot et d’Antoine Watteau, les esquisses dessinées et les panneaux peints devenus indépendants posent souvent des problèmes d’attribution. Un projet donné longtemps à Charles Lebrun ne revient sans doute au mieux qu’à son atelier, un panneau attribué à P.A. Patel a été rejeté par Nathalie Coural dans sa récente monographie sur les Patel. Quant aux dessins de Claude Andran III (conservés au Nationalmuseum de Stockholm) et Christophe Huet (Berlin, Kunsbibliothek), ils ne sont pas signés. Les annonces de ventes de clavecins du XVIIIe siècle qui mentionnent des noms de peintres décorateurs ont été souvent trop ambitieuses dans leurs identifications.
Au risque de paraître bien pragmatique aux iconographes, j’ai consacré de nombreuses publications à la représentation des instruments de musique, afin de montrer combien la source visuelle peut être parfois irremplaçable pour affiner la connaissance d’un instrument, son évolution, son mode de jeu, voire ses accessoires. Dans cet esprit, je me suis penchée sur l’évolution de l’archet en France aux XVIIe et XVIIIe siècles pour découvrir ce que les archets conservés ne nous disent pas puisqu’ils ne sont ni signés ni datés : les modèles à hausse à crémaillère sont équipés de contrepoids en ivoire ou en os qui ont été longtemps considérés comme des boutons de systèmes à vis. Il n’en est rien, l’iconographie permet de détecter avec une assez bonne précision – cohérente avec ce que nous précisent les inventaires d’atelier de facteurs – l’apparition des hausses à vis après 1740. Jean-Baptiste Oudry a laissé quelques évidences remarquables d’un troisième modèle de hausse, celui à crémaillère, fort peu représenté dans les collections des musées d’instruments.
J’ai d’autre part collaboré récemment avec le musée de la Musique à propos de deux sujets touchant l’iconographie des instruments à cordes pincées. Les cistres de la Renaissance italienne qui y sont conservés répondent en effet, pour certains d’entre eux, de façon quasi photographique à des modèles représentés dans la peinture de la même école. Ils sont placés entre les mains de musiciens qui contribuent à des scènes hautement symboliques qui renforcent l’utilisation musicale bipolaire de l’instrument : modèles quasi populaires, partiellement chromatiques, qui apparaissent dans des scènes de cabaret de veine moralisante ou symbolisant les cinq sens ; modèles au frettage complexe, dénotant d’un usage dans des cercles raffinés. Les allégories de l’Amour ou de la Musique l’utilisent alors comme un substitut de la lyre d’Apollon dont l’instrument garde des traces dans sa morphologie (les bourrelets en volute qui terminent ses éclisses à la jonction du manche) mais en conserve une représentation extrêmement fidèle à la réalité.
Parce que le musée de la Musique conserve une rare vihuela (parmi les trois cocnnues au monde), il a organisé en 2003 un colloque international sur ce sujet. J’y ai présenté un rapide bilan de la documentation iconographique sur l’instrument. J’ai pu montrer qu’en dehors d’une iconographie espagnole essentiellement religieuse, les scènes se référant à un usage musical réel sont rarissimes. La portée symbolique de l’instrument est comparable à celle du cistre et certaines représentations de la Renaissance italienne proviennent en fait de monuments antiques retravaillés, modernisés en fonction des pratiques contemporaines.
Dans un domaine très différent, j’ai abordé l’iconographie du cor de chasse et du cor naturel français (French Horn) car les sources visuelles à son sujet sont souvent l’oeuvre de peintres de cour spécialisés dans la représentation de ce divertissement royal et aristocratique. On peut suivre avec profit l’évolution morphologique de l’instrument en la confrontant aux traités de vènerie. Lorsque le cor entre dans l’orchestre de chambre au milieu du XVIIIe siècle, puis dans des formations plus conséquentes, il devient intéressant de mettre en perspective son répertoire imprimé (dont une grande partie n’est connue aujourd’hui que par les annonces des éditeurs) et ses apparitions dans les concerts publics.
A propos des pianos de l’époque romantique à l’époque de Chopin, je me suis enfin penchée sur la question de leur usage dans la pratique musicale. Je me suis limitée à l’analyse d’un corpus provisoire de documents datés entre 1815 et 1848 et principalement centrés sur Paris. Il apporte une étonnante confirmation : le piano romantique est joué en France couvercle fermé, quelle que soit sa morphologie, quel que soit son exécutant (amateur ou professionnel), quel que soit le contexte d’exécution. Seuls les concerts publics en grandes salles et en forme de récitals, à partir de 1842, ont laissé les traces visuelles d’un changement.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, une véritable imagerie du récital de piano sera diffusée par la presse illustrée. Elle témoigne d’une esthétique sonore tout à fait nouvelle. Les grands instruments à queue, toujours plus sonores, sont joués au maximum de leur puissance, couvercle grand ouvert. Loin de limiter mes constatations au contexte sociologique de l’exécution, il n’est pas inutile de rappeler que la perception de la dynamique du piano et la sensation si subjective de puissance dépend du rapport entre la source d’énergie développée et la distance de l’auditeur. Il y a d’autres éléments subtiles qui y contribuent. Une faible augmentation d’énergie donnée à la touche et donc au marteau à un niveau dynamique faible produit la sensation d’une augmentation de puissance bien plus importante qu’à un niveau dynamique élevé. Par ailleurs si les sons se chevauchent, ils semblent plus puissants que s’ils sont joués staccato. La perception de la puissance est donc la résultante de son niveau dynamique et de sa durée. Il ne faut pas négliger non plus les paramètres d’un « environnement acoustique » favorable à l’instrument, comme un parquet en bois, qui sert en quelque sorte de table [d’harmonie] de résonance au piano. L’orientation du piano par rapport à son audience, et les effets de « réflecteur » que peut avoir le couvercle d’un piano à queue sont d’autres points importants. Aux multiples paramètres contribuant à caractériser la sonorité du piano (la nature et le point d’impact du marteau, la nature des cordes et leur mode de fixation, la présence éventuelle de l’agrafe et du capodastre, les caractéristiques de la table d’harmonie) qui ont été analysés dans la littérature organologique, il nous paraît donc utile aujourd’hui d’ajouter celui du couvercle et de sa position.

Ce rapide parcours suscitera peut-être quelques réflexions chez les interprètes d’aujourd’hui soucieux d’appréhender les instruments de l’époque romantique non seulement par leur caractéristiques physiques, leur réglage, leur nécessaire toucher idiomatique mais aussi par leur caractère souvent retenu et d’une bien plus grande intimité.

II. 2. Iconographie musicale – Les pratiques instrumentales, leur contexte social et symbolique.

Certains instruments pratiqués dans la haute société d’Ancien Régime, véhiculent un indéniable code de distinction. Le luth est sans doute le plus éloquent. Un colloque lui a été consacré en 1998 par le musée de la Musique que ses organisateurs auraient pu appeler Le luth et sa musique III, héritiers qu’ils se sentaient des deux étapes mémorables qui l’avait précédé : le premier, à Neuilly-sur-Seine, à l’initiative de Jean Jacquot et Geneviève Thibault de Chambure, en 1957 ; le second, vingt-cinq ans après, sous la direction de Jean-Michel Vaccaro, placé à nouveau sous les auspices du CNRS. Entre temps la pratique du luth s’est considérablement développée, encourageant des recherches multiples concernant les questions d’édition, d’interprétation, d’organologie. Cinq communications (sur vingt cinq) étaient consacrées à l’iconographie du luth. J’ai traité de la période la plus tardive : la France du XVIIe siècle. Je me suis interrogée sur ce que j’ai appelé un « genre à la française », la représentation d’une petite assemblée entourant un luthiste. Symbole d’amitié, d’harmonie, elle permet aussi d’évoquer les tempéraments, voire les cinq sens. Reprenant d’autre part une longue tradition italienne de portraits individuels de luthistes, les peintres français en ont laissé de fort sensibles : certains sont d’évidence des amateurs aguerris (le peintre Nicolas Vleughels, par exemple, ami de Watteau), d’autres de grands professionnels comme Charles Mouton, dont l’élégante attitude de jeu est presque un manifeste sur « la bonne manière de toucher ». Un petit tableau (esquisse pour un tableau perdu ?) récemment entré au Louvre a pris place dans cette galerie française : une jeune femme vêtue comme au milieu du siècle, joue du luth, aux côtés d’Apollon et non loin d’un duel d’Apollon et Marsyas et d’une assemblée des muses. L’œuvre est donnée à Moillon par Sylvain Laveissière. Cette protectrice de la musique, représentée en muse et que nous avons située dans le milieu des précieuses et de La Rhétorique des Dieux, ne pouvait qu’être d’un certain renom pour se présenter en une compagnie aussi symbolique. Dans sa monographie sur Moillon publiée en 2005, S. Laveissière pousse plus loin encore l’hypothèse : il trouve que la « fille d’Anne de Chambré, élève de Gaultier, dont Minerve présente le portrait à Apollon dans une des deux illustrations [de La Réthorique des Dieux] ressemble assez exactement à la femme portraiturée par Moillon ». Plus qu’une simple Allégorie de la musique, ce tableau serait alors le portrait d’une luthiste renommée accueillie au Parnasse.
L’étude des représentations de musicien(ne)s au clavecin que j’ai entreprise avec Denis Herlin, spécialiste de son répertoire, permet plusieurs constatations : l’épinette est seule présente jusqu’en 1670 environ, date des premières publications de recueil imprimés de musique. Durant la première moitié du XVIIIe siècle, la musique, la facture de clavecin et la gravure musicale connaissent un véritable essor. Les portraits et scènes musicales sont alors très nombreux. En dehors des (rares) portraits de compositeurs, on peut dire que ce sont « Mesdames les clavecinistes » qui ont monopolisé l’attention des graveurs et des peintres. Certaines sont de grandes interprètes, beaucoup ont une éducation qui leur permet de jouer leur rôle social à l’instrument. Leurs portraits au clavier répondent à des canons assez semblables. On constate que tous les milieux sont touchés, les artistes, les peintres, les financiers mécènes. A son rôle de soliste, le clavecin ajoute celui d’accompagnateur dans des formes nouvelles venues d’Italie. Les salons de Pierre Crozat, protecteur de Watteau et grand amateur de musique italienne, sont ainsi animés rue de Richelieu comme à Enghien, de clavecins connus par son inventaire et par les deux tableaux de Lancret qui mettent en scène l’instrument dans des formations de sonates ou de cantates qui permettent l’alternance entre conversation et musique.
Plus récemment, je me suis intéressée aux images du clavecin au XIXe siècle. L’idée un peu trop simple qu’une longue phase d’oubli aurait été suivie, à partir de l’exposition universelle de 1889, d’une « renouveau », ne tient pas à l’examen des documents. Ils sont de nature très variée : anthologies de répertoire, instruments portant les traces d’entretien et de restauration, mouvements dans les ventes, concerts chroniqués dans la presse. Les images que nous avons pu réunir, quoique peu nombreuses et de nature très variées (certaines dans des tableaux historicisants contemporains de la redécouverte du XVIIIe siècle en peinture), confirment une césure d’à peine plus de deux générations (entre 1816 et le milieu du siècle) et un intérêt qui prit des formes variables.
Héritière une fois encore d’Eugène de Bricqueville, j’ai travaillé sur les portraits de femmes joueuses de vielle à roue. Instrument d’aveugle au XVIIe siècle, il est celui des ménestriers de village chez Watteau qui montre des musiciens accompagnant la danse. Leurs instruments ont gardé des anciens modèles rustiques une forme trapézoïdale. Mais ils sont maintenant chromatiques. Terrasson, on se souvient, a fait la chronique de son ascension à la cour, a montré comment des luthiers urbains entretiennent et modifient des spécimens beaucoup plus anciens. En 1728, Alexis Grimou peint le premier portrait de femme à la vielle (instrument encore trapézoïdal). Mais progressivement, dès 1730, l’engouement est immense : les méthodes et les partitions sont imprimées, les ateliers proposent des modèles en guitare et en luth, ce qui permet de réutiliser des caisses de ces instruments tombés en désuétude. Un pamphlet de l’Abbé Carbasus (en fait du théorbiste de la Chambre, François Campion), paru en 1739, stigmatise cette mode des instruments pastoraux (la musette de cour autant que la vielle) à propos de laquelle il conclut :
Quand j’entendrai executer des Sonates, des Concerto, & des Symphonies de Lully sur ces deux instrumens, je dirai avec ce grand Personnage de l’Antiquité, que le Cordonnier ne doit pas passer le soulier. Je rirai cependant de les entendre sortir de l’unique modulation où le sort les a bornés, sans que la plupart des Admirateurs s’en aperçoivent. J’applaudirai volontiers la brillante exécution ; mais je plaindrai les Acteurs de prendre tant de peine sur deux instrumens triviaux & rustique ; qui ne peuvent avoir d’autre mérite que de joüer quelques Vaudevilles.
Il est vrai qu’à considérer le nombre et la relative monotonie de ces portraits (l’instrument commande une pose qui crée un stéréotype), on a du mal à comprendre comment l’instrument conserva son attrait si longtemps (jusque vers 1765 au moins) dans les salons.
Symptomatique des mêmes transferts du populaire au savant, deux tambours des provinces de France (le tambourin de Provence et le tambourin de Béarn ou tambourin à cordes) connaissent une destinée musicale quelque peu différente. Dans l’étude que j’ai préparée, j’ai repris une expression de Claudie Marcel-Dubois, celle de « tambours-bourdons », car elle permet de regrouper des instruments membranophones et idiophones ayant en commun d’être joués par un même musicien en association avec une flûte. Présents dans l’iconographie dès les débuts de la Renaissance dans plusieurs pays d’Europe, ils connaissent un développement en France dès le XVIIe siècle. Sous la Régence, le tambourin de Provence commence une carrière à l’Opéra et atteint son apogée avec Rameau. Il entraîne à sa suite le tambourin à cordes. Fréquemment utilisés dans les bals parisiens du XVIIIe siècle, ils retrouveront à la fin du siècle un usage plus populaire et provincial. Les quatre versions de La Carmargo dansant peintes par Lancret vers 1730 deviennent un archétype. L’ exemplaire qui figurait dans la collection de Frédéric II de Prusse à Postdam a directement inspiré un tableau de même composition, réalisé quinze ans plus tard par Antoine Pesne pour la cour et représentant Marianne Cochois dansant. Bal à l’Opéra, bal en ville, les documents visuels abondent. Alors que les images de tambourin de Provence sont nombreuses, celle de tambourin de Béarn sont plus rares, toutes de Lancret et moins explicites quant à son usage dans la musique savante. Seuls les instruments conservés, en raison de leur décor, confirment qu’ils furent aussi joués dans des milieux aristocratiques.

II. 3. Iconographie musicale – Les artistes

J’ai ensuite contribué à plusieurs manifestations internationales (expositions, colloques) portant sur des artistes de premier plan que sont Watteau et Véronèse, et je me suis intéressée aussi à l’œuvre d’artistes particulièrement propices à des études d’intérêt musical comme celles de Carmontelle, Dantan jeune, Ingres.
A l’occasion de la mémorable exposition Watteau, qui fut présentée pour le tricentenaire de sa naissance, en 1984, j’ai replacé son œuvre dans le contexte musical du temps. J’ai montré qu’il n’en brosse pas un résumé. Il en propose quelques situations, transposées, certes, accordées à sa sensibilité, mais toujours reflets beaucoup plus fidèles de l’actualité qu’il n’y pourrait paraître au premier regard. La musique est un alibi de l’échange galant, que ce soit sous forme de duos ou de concerts plus importants. Les formes de la sonate et de la cantate, les scènes de comédie et de vaudeville, l’accompagnement du chant, sont autant de situations qui correspondent aux situations imaginaires de la fête galante. Mais les attitudes, les gestes et les expressions (pas toujours gracieuses dans certaines esquisses dessinées) des musiciens sont d’une incroyable justesse et m’ont permis de proposer un « Petit dictionnaire des instruments de musique » présents dans l’œuvre de Watteau.
Lors du colloque international sur l’artiste qui s’est tenu en marge de l’exposition, je me suis penchée plus en détail sur les nombreuses esquisses de l’artiste. Véritables instantanés, certains détails sont observés avec une acuité rare dans la peinture française : par exemple le pincement des lèvres d’un hautboïste (unique sujet d’une étude), l’articulation des doigts sur les clefs de son hautbois (autre esquisse). La confrontation entre l’art de Watteau représentant un joueur de flûte traversière (dont la flûte fait penser au travail d’un facteur de Londres, Bressan) et le travail descriptif de Bernard Picart, graveur « pédagogue » pour la méthode de Jacques Hotteterre (Principes de la flûte à bec, de la flûte traversière, 1707) est on ne peut plus éloquente. Une fois pénétré de ces notations, de ces instantanés pourrait-on dire, tous plus justes les uns que les autres (et pourtant loin de ce qu’il est convenu d’appeler le réalisme), l’iconographe en vient à mettre en doute l’authenticité de certaines œuvres encore accréditées par une partie de la critique à l’époque de ce colloque. J’ai pris par exemple le cas d’une feuille d’étude comportant des éléments authentiques (l’esquisse de deux mains) mais surchargée ultérieurement d’un instruments et de son archet, aux proportions et contours fautifs, dont Watteau ne peut être l’auteur. Pour deux tableaux au moins, j’ai pu faire les mêmes constatations. L’iconographie musicale est dans ce cas une auxiliaire de l’histoire de l’art.
Le colloque organisé en 1985 par Jacques Thuillier en hommage à Madame de Chambure, avait pour sujet la dialectique « de l’image à l’objet ». Il a de ce fait permis à nombre d’organologues de son équipe d’y contribuer. J’ai pour ma part choisi de rappeler combien Watteau a su enregistrer aussi bien la technique de jeu du hautbois, l’apparition du basson à quatre clefs, les différentes techniques de jeu de la contrebasse, la dualité naissante entre viole et violoncelle, l’évolution de la flûte traversière dans les premières années du siècle. Dans cette communication, je me suis concentrée sur les deux instruments pastoraux les plus caractéristiques du XVIIIe siècle : le vielle et la musette de cour. J’ai alors rapproché des instruments conservés de certains tableaux de Watteau, puis, élargissant le sujet à ses émules et contemporains, j’ai opéré des sortes de diptyques. Pour l’un d’eux, j’ai commis une erreur d’appréciation : j’ai choisi comme pièce à conviction une musette de cour de l’ancienne collection du baron de Léry, la rapprochant des nombreuses représentations de Watteau mettant en scène des joueurs de musette de cour. Le modèle qu’ils jouent présente souvent deux tuyaux enchâssés dans une double souche. Or ne je n’ai pas remarqué que la musette Léry, que je ne connaissais que par une photographie du catalogue de vente de cette collection, avait été remaniée. Ses chalumeaux d’origine avaient été remplacés par un « pied » de cabrette auvergnate, probablement dans la seconde moitié du XIXe siècle. Sur un plan organologique et typologique, cet instrument populaire de bal est un descendant direct de la musette de cour (il en a retenu l’insufflation indirecte par un soufflet et non par un porte-vent, et la double souche à bulbe où s’enchâssent un chalumeau et un petit bourdon). Ce n’est que dix ans plus tard, lorsque j’ai pris la mesure des collections du Musée national des Arts et Traditions populaires, que j’ai compris ma bévue.
Quelques années plus tard, j’ai été sollicitée pour participer à la « redécouverte » de l’œuvre majeure de Véronèse conservée au Louvre depuis la campagne d’Italie, Les Noces de Cana. J’ai consacré un chapitre de l’ouvrage, qui rendit compte de la magnifique campagne de restauration et d’études scientifiques entreprises à cette occasion, à la musique. J’ai tenté tout d’abord de retracer l’intérêt de Véronèse pour la musique dans ses œuvres antérieures. J’ai resitué le concert instrumental placé au centre des Noces dans le contexte de la vie musicale vénitienne. J’ai ensuite considéré les modèles d’instruments représentés, leur morphologie (parfois déroutante comme celle des violes, ou celle de la contrebasse de viole qui a fait l’objet d’un « repentir » de l’artiste qui en a considérablement modifié la profondeur), leur technique de jeu (celle des violes, contraire aux préceptes donnés dans la Regola rubertina de 1542), leur tessiture (la sacqueboute est un Alt-Posaun selon Praetorius). J’ai ensuite essayé de comprendre quand était née la légende qui veut reconnaître dans cette œuvre un portrait des plus fameux peintres de Venise et j’ai formé l’hypothèse que Vasari, qui mentionne si souvent les qualités d’interprète de certains peintres, n’aurait sans doute pas manqué d’y faire allusion. Quelques années plus tard, Tilman Seebass a accueilli dans sa revue Imago Musicae un article de Luigi Beschi. Cet auteur reprend plusieurs éléments évoqués dans mon propre travail, mais il rectifie à juste titre mes commentaires concernant le nombre de parties de ce concerto : selon lui (en suivant la ligne des regards sur les livres de musique et les positions variées observées sur les manches de violes), il s’agit d’un concert à quatre et non à six. Mais surtout il identifie le joueur âgé de contrebasse de viole avec Adrian Willaert, le joueur de violetta (ou Klein geige selon Praetorius) avec Claudio Merulo, le violiste en blanc du premier plan avec Cipriano da Rore et le deuxième violiste, de façon beaucoup plus incertaine car on ne connaît pas de portrait de lui, avec Annibale Padovano. C’est donc une avancée considérable pour la connaissance de ce chef d’œuvre.

II. 4. Iconographie musicale – Les portraits

Les portraits de facteurs, de collectionneurs et surtout de musiciens, sont la plupart du temps une recréation de la réalité et un symptôme de leur place dans la hiérarchie sociale et intellectuelle. C’est ce que j’ai montré à propos de l’image des facteurs d’instruments de musique lors d’un séminaire organisé au CESR de Tours en 1996 par Nicoletta Guidobaldi et Tilman Seebass. J’ai mis en évidence que la représentation de ces artisans spécialisés apparait à plusieurs reprises, selon le matériau qu’ils travaillent prioritairement, dans le premier livre de métiers largement diffusé de Hans Sachs illustré par Jost Amman (1568). Le traité de facture d’orgue de Salomon de Caus (1615) constitue aussi un antécédent important qui annonce avec un siècle et demi d’avance, le travail de l’Encyclopédie. La représentation allégorique d’un atelier, celui de Jubal, facteur d’instruments, gravé par Joannes I Sadeler d’après Martin de Vos, replace le métier dans une histoire mythique de la musique : son origine n’est pas seulement théorique mais pragmatique. Les portraits individualisés de facteurs sont enfin l’exception. On en connaît fort peu et ils sont souvent tardifs ou imaginaires (Stradivari). Celui de Gaspard Duiffoprugcard, gravé par Woeriot en 1562, est exceptionnel par la condition sociale de l’artisan qu’il suggère, par de nombreux indices confirmant la naissance d’une conscience individuelle de l’œuvre (la marque au fer du facteur de luth est visible à plusieurs endroits), par les précisions biographiques qu’il donne, par l’art des proportions qui est suggéré avec la présence du compas. Ce portrait a certainement inspiré les rares effigies ultérieures de luthiers, même celles du XIXe siècle.
Dans plusieurs cas, j’ai pu proposer des identifications pour des portraits restés jusque là anonymes. Le premier appartient à l’ancienne collection d’Albert Pomme de Mirimonde. Il est conservé, avec son pendant, au musée des Beaux-Arts de Tours et représente une femme, avec les attributs de la composition, devant un piano, entourée de divers instruments. Hélène de Montgeroult, compositrice et virtuose célèbre du piano, serait représentée ici dans l’intimité par le baron de Trémont, un de ses amis, lui qui fut élève de David et de Regnault, auteur d’une « Notice inédite sur Mme de Montgeroult, professeur et pianiste au Conservatoire à sa création, amie de Mme de Staël », et organisateur de séances de musique de 1798 à 1849.
Je me suis ensuite intéressée à un modeste dessin d’un artiste danois, Cornelius HØyer (1741-1804), qui séjourna à Paris en 1765 et 1766. Il représente une toute jeune fille jouant de la harpe, juchée sur une estrade, entourée de nombreux musiciens d’orchestre. Lorsque ce dessin fut publié en 1993 dans un catalogue d’exposition temporaire portant sur la harpe, ses rédacteurs ne précisaient rien sur le personnage représenté et sur les circonstances de ce concert. Or j’ai pensé pouvoir identifier cette scène, avec « Mlle Schencker, musicienne du Prince de Conti, âgée de 12 ans au plus », lorsqu’elle exécuta des pièces de harpe au Concert spirituel, aux Tuileries, le 16 mai 1765. Cette jeune virtuose attira alors les commentaires du Mercure de France. Schencker le père était tout à la fois harpiste et corniste dans l’orchestre du Prince de Conti, mécène particulièrement ouvert aux innovations instrumentales venues de Bohème. Schencker s’est produit régulièrement au Concert spirituel. On ne connaît pas d’autres effigies de ces deux musiciens étrangers. Pas plus qu’on ne connaît de vue de l’orchestre du Concert Spirituel au XVIIIe siècle. C’est ce qui fait tout l’intérêt de cette proposition d’identification.
Un autre portrait français du XVIIIe siècle a retenu mon attention. Il représente un violiste amateur, posant un peu maladroitement avec son instrument. Bien que la version qui a circulé dans le commerce d’art parisien, avant de se retrouver chez un antiquaire spécialiste d’instruments de musique à Londres, ne soit pas de grande qualité (une autre version a été proposée sous le nom de Marianne Loir), nous pensons pouvoir rapprocher cette œuvre du Portrait de M. Rindvel que Louis Tocqué présenta au Salon de peinture de 1737. Il prend place en tout cas dans un ensemble varié de portraits de violistes français, représentant tantôt des musiciens de grand renom (Marin Marais, Jean-Baptiste Forqueray, Mlle Henriette de France), tantôt des personnages (amateurs ?) restés dans l’anonymat.

Parmi les énigmes que je n’ai pas réussi à élucider, figure celle d’un autre portrait d’homme à la viole. Il tient cette fois un compas et semble vouloir contrôler le manche de son instrument. Ce tableau paraît avoir été probablement exécuté dans le Nord de l’Italie (aux alentours de Venise, Brescia ou Bergame), vers 1520-40. Nous pensons qu’il s’agit plus d’un théoricien musicien que d’un facteur et nous avons rapproché d’autres portraits de facteurs d’orgue et de luthiers à l’appui de cette hypothèse. Ce beau portrait appartenait en tout cas à la collection du musicologue Henry Prunières.
Les « emblèmes » des portraits de virtuoses romantiques répondent à de toutes autres problématiques mais témoignent d’un même soin au détail symbolique. Liszt et Chopin restent autant opposés dans leur expression musicale que dans l’image qu’ils ont laissée d’eux-mêmes. Le premier, qui a suscité tout autant caricatures (Dantan jeune) que portraits idéalisés (Ingres, Ary Schaeffer) apparaît souvent en situation de concert. Le second en revanche, ne se laisse surprendre que dans l’intimité. J’ai montré à leur propos combien la presse et la littérature musicales, lorsqu’elles chroniquent leurs apparitions respectives, en donnent des récits qui transcrivent, avec un autre langage, les mêmes impressions si contrastées. Plus récemment, j’ai repris, avec Cécile Reynaud, l’étude d’un portrait de Liszt au piano, commandé à des fins publicitaires par le célèbre facteur de pianos Conrad Graf au peintre viennois Danhauser. Minutieusement composé, mettant en situation d’écoute un cénacle d’artistes parisiens, le tableau regorge de détails qui se veulent démonstratifs d’une filiation esthétique (buste et partitions de Beethoven, musiques de Czerny et Liszt, statuette de Jeanne d’Arc de la princesse Caroline d’Orléans). Commentée dès sa création par la Wiener Zeitung, cette vision de Liszt interprète et créateur inspiré propose une nouvelle définition de la virtuosité et a servi d’archétype à d’autres portraits de groupe autour du piano.


III. Musiques populaires

Dix ans de ma carrière se sont déroulés au Musée national des Arts et Traditions populaires/Centre d’ethnologie française, occasion d’une orientation particulière vers les musiques populaires du domaine français. Cette institution a joué un rôle important entre le Front populaire et les années soixante pour l’établissement de cette discipline qui mêle ethnologie et musique.
Considérer le folklore musical de la France avant-guerre se résume en effet quasiment en des études sur la chanson populaire. Cette hégémonie trouve ses racines un siècle auparavant, les enquêtes du ministre Fortoul, en 1852, n’ayant envisagé les pratiques musicales des traditions régionales françaises que sous l’angle d’un « Recueil des poésies populaires », autant dire des chansons populaires. Ensuite, avec des personnalités aussi diverses que Paul Sébillot, Julien Tiersot, Jean-Baptiste Weckerlin et Bourgault-Ducoudray, le mouvement lancé par le Ministre de l’Instruction publique trouve un réel développement et s’institutionnalise, notamment grâce à la Société des Traditions populaires. Diverses provinces de France verront leur tradition étudiée et diffusée au travers de recueils aux caractéristiques variables (des chansons harmonisées et illustrées pour un usage dans les salons, aux « objets bruts », textes avec ou sans la musique, avec ou sans variantes).
L’utilisation du phonographe, à partir de l’Exposition Universelle de 1900, pour des collectes musicales, ne déplacera aucunement le centre d’intérêt de ces recherches : le domaine français, exploré surtout à partir de 1911 par Ferdinand Brunot, reste celui des dialectes et des chansons. En 1934, l’Institut international de coopération intellectuelle lance le projet d’un « Centre international de la Chanson et de la Musique populaire » qui devra s’appuyer sur une enquête internationale recensant les collections enregistrées et les études publiées portant sur la musique populaire. Le rapport rédigé par Julien Tiersot concernant la France considère les institutions comme négligeables pour son propos, ne tient pas compte des premières collectes phonographiques, et propose une bibliographie qui porte exclusivement sur des recueils de chansons populaires traditionnelles « qui donnent les mélodies notées ». Tiersot fait peu de cas des évolutions en cours depuis ses premiers travaux personnels un demi siècle auparavant. Il ignore semble-t-il la nouvelle approche de la chanson que Patrice Coirault mène auprès de l’Institut général psychologique depuis plusieurs années. Dès 1927, ce dernier avait en effet commencé à exposer ses « Recherches sur l’ancienneté et l’évolution de quelques chansons populaires de tradition orale » ouvrant des perspectives d’une grande nouveauté « où la chansons est replacée dans son fonctionnement social, et analysée au regard d’une psychologie de l’inculture ».
Du côté des institutions patrimoniales, la Bibliothèque nationale avait reçu en 1908 une grande part de la bibliothèque de Jean-Baptiste Weckerlin (1821-1910), ancien bibliothécaire du Conservatoire de Paris, grand rassembleur de recueils de chansons imprimés, qu’ils soient de colportage (certains datant du XVIIe siècle), ou publiés à l’époque de ses propres travaux. En ce qui concerne les musées, le patrimoine instrumental français était essentiellement conservé au Musée Instrumental du Conservatoire de Paris. Une cinquantaine d’instruments de musique « populaires » rassemblés par des collectionneurs (Louis Clapisson, Julien Fau) et des musiciens (Eugène Bricqueville, Laurent Grillet, Paul Cesbron) redécouvrant les musiques anciennes, concernait, au moment de la fondation du département d’ethnomusicologie du MNATP, essentiellement les cornemuses du Centre de la France, les vielles à roue de type normand et lorrain, les tambourins de Provence, les tambourins à cordes de Béarn et Gascogne. Très rares étaient les spécimens provenant directement de leur lieu original de pratique. Aucun ne disposait d’une documentation sur son dernier contexte d’usage. Au Musée d’ethnographie du Trocadéro, un dépouillement des registres d’inventaire (1881-1936) réalisé pendant l’Occupation par Claudie Marcel-Dubois montre une représentativité plus faible encore.
On voit donc combien la connaissance des traditions musicales populaires françaises est alors unilatéralement orientée, parcellaire, peu documentée scientifiquement et peu théorisée. Claudie Marcel Dubois, rapidement secondée de Maguy Pichonnet-Andral, va réaliser au fil des décennies des collectes musicales considérables, recueillant fonds sonores et instruments de musique d’une civilisation traditionnelle en phase de disparition accélérée. Les pratiques populaires urbaines les ont en revanche fort peu intéressées. C’est précisément ce domaine que j’ai exploré dès mon arrivée dans cette institution, dans une perspective qui mêlait histoire, statut social des musiciens, circulation des répertoires.

III. 1 Musiques-populaires – Les musiciens de rue
(Coordination de 2 catalogues d’exposition, 2 contributions à des colloques, 2 articles parus, 3 sous presse)

J’ai eu l’opportunité de coordonner deux catalogues d’exposition, portant mon intérêt sur les musiciens de rue et la chanson, proposant aussi quelques approches interdisciplinaires. La première exposition a mêlé le savant et le populaire, la rue ordinaire et les fastes du pouvoir, les chansons de rue, les musiques des corporations, celles des défilés officiels et militaires, celle des bals et des kiosques à musique. Pour la première fois des sources provenant des archives de la Préfecture de Police, des archives de la Garde nationale, des fonds de chansons populaires (feuilles volantes, recueils) des grandes bibliothèques, de nombreux musées, ont été confrontées à des pratiques bien vivantes, collectées jusque dans les sous-sols de la capitale. Une vingtaine d’auteurs historiens, musicologues, ethnologues, ont apporté leur contribution à ce « Tableau de Paris ».
Depuis, j’ai poursuivi l’enquête dans deux directions : l’exploitation des sources témoignant du statut social des musiciens (il peut être de nature très différente) ; les « représentations » de ces musiciens. Leurs portraits sont d’une grande variété, qu’ils soient instrumentistes ou chanteurs. Parmi ces derniers, quelques vedettes du XVIIe et du XVIIIe siècle sont passées à la postérité. J’ai ainsi travaillé sur trois chanteurs de rue : Philippot le Savoyard, actif vers 1650, dont on a conservé quatre effigies et deux livres de chansons ; Guillaume de Limoges, chantre du Pont neuf, dont un portrait gravé par le célèbre Claude Audran et un portrait musical par François Couperin nous sont conservés ; Frélon, l’aveugle de la place Louis XV, qui suscita une romance commandée par la Société académique des Enfants d’Apollon pour le soutenir financièrement. Elle circula dans l’Almanach des grâces mais aussi dans une version de salon avec accompagnement de harpe et figure comme feuille volante dans son portrait peint par Mongin, présenté au Salon de 1814. Dans tous ces portraits de célébrités très ordinaires, le travail pré iconographique a porté des fruits inattendus qui soulignent la vision « en abîme » de ces images au final beaucoup plus riches et complexes qu’il n’y paraît au premier regard. Mon immersion pendant dix années dans ce patrimoine de l’oralité m’a conduite à m’intéresser aux cornemuses des régions de France et notamment aux chabrettes limousines qui véhiculent en plein XIXe siècle, de nombreuses traces de l’époque baroque : matériaux rares, ornementation recherchée et symbolique (tabernacle, ostensoirs, miroirs), motifs et détails morphologiques remontant au XVIIe siècle (fontanelle pour protéger les clefs).
Peu avant mon départ de l’institution, j’ai également exploré les impressions populaires et plus particulièrement les livres de chansons de colportage. Les fonds du MNATP viennent probablement en quatrième position dans le patrimoine français, derrière les fonds Coirault et Weckerlin de la Bibliothèque nationale de France et ceux de la si riche bibliothèque municipale de Troyes.

IV. Musique-Images-Instruments
(8 volumes collectifs publiés)

En créant, en 1995, avec l’appui du Ministère de la Culture et du CNRS, ce périodique annuel, j’avais l’ambition de rapprocher en une même tribune des chercheurs français et étrangers travaillant sur des sujets d’organologie, mais aussi d’iconographie, tout en mettant aussi à profit une confrontation des différentes sources dans nos études. Quatre séminaires ont donné corps aux premiers volumes. Tout d’abord périodisés, ils sont devenus depuis 2004 thématiques. Cette approche pluridisciplinaire « affichée » n’est pas courante. C’est un héritage de Geneviève Thibault de Chambure, et peut-être, dans une moindre mesure, de Claudie Marcel-Dubois. Cette revue a en tout cas contribué à rassembler une sorte de communauté intellectuelle française et étrangère, qui se retrouve selon les thèmes, d’un volume à l’autre, et à accueillir aussi de nombreux étudiants qui font leurs premières armes dans ces colonnes à la suite d’un travail universitaire.
Publiée tout d’abord chez Klincksieck, elle est maintenant diffusée par CNRS Editions. En 1995, François Lesure porta le premier volume de Musique-Images-Instruments sur les fonts baptismaux, constatant que l'organologie manque encore d'une « réflexion générale qui en définisse les domaines propres et la terminologie » tandis que l'iconographie doit se garder « du dilettantisme et des interprétations trop hâtives ».
Voici les thèmes des volumes déjà parus :
* Innovations et traditions dans la vie musicale française au XIXe siècle, Vol. 1. Paris, Klincksieck, 1995, 227 p.

* Aspects de la vie musicale au XVIIe siècle, Vol. 2. Paris, Klincksieck, 1997, 293

* Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité au XVIIIe siècle. 1ère partie, Vol. 3. Paris, Klincksieck, 1998, 248 p.

* Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité au XVIIIe siècle. 2ème partie, Vol. 4. Paris, Klincksieck, 2000, 228 p.

* Musiciens, facteurs et théoriciens de la Renaissance, Vol. 5. Paris, CNRS Editions, 2003, 280 p.

* Ecoles et traditions régionales. 1ère partie, Vol. 6. CNRS Editions, 2004, 280 p.

* Ecoles et traditions régionales. 2ème partie, Vol. 7. CNRS Editions, 2005, 250 p.

* Les collections d’instruments de musique, 1re partie. Vol. 8. CNRS Editions, 2006, 250 p.

Restreinte à l’organologie et à l’iconographie musicale en Occident moderne, elle aborde tout d’abord dans chaque volume l’étude des instruments de musique (facture instrumentale, acoustique instrumentale, histoire des collections, restauration) :
* facteurs d’instruments, leur statut, leurs innovations
Maîtrises et jurandes à Paris (Jean Jeltsch, Denis Watel)
Faiseur, facteur, luthier : terminologie d’un métier (Edouard Martin)
Paris et Madrid (Cristina Bordas)
Les facteurs dans les expositions universelles (Malou Haine)
* collections anciennes dispersées 
Kunstkammer de Dresde (Eszter Fontana)
Collection Manfredo Settala à Milan (Frank Bär)
Cabinets parisiens sous les rois Bourbons (Florence Gétreau)
Cabinet de curiosité de Bertin (François Picard)
Ospedale des Mendicanti à Venise (Caroline Giron)
Collections des princes de Conti (Thomas Vernet)
* collections privées contemporaines
Collection Yannick Le Guillou (Alain et Marie-Christine Anselm)
Collection Kenneth Gilbert (Philippe Frétigné)
* monographies sur des facteurs de clavecins
Joos Karest d’Anvers (John Koster et Jeannine Lambrechts)
Christoph Löwe d’Augsbourg (Elisabeth Grall, Michel Robin)
Vincent Tibaut de Toulouse (Florence Gétreau, Alain Anselm)
Gilbert Desruisseaux (Vincent Puissiau, Alain et M.-C. Anselm)
Joseph Collesse à Lyon (Vincent Puissiau, Alain et M.-C. Anselm)
Claude Labrèche de Carpentras (Jacques Schepereel, Michel Foussard, Christopher Nobbs)
Hellen à Bern (Jean-Claude Battault, Pierre Goy, Michael Latcham)
Jean-Kilien Mercken (Jean-François Weber)
Roller & Blanchet à Paris (Michèle Maurin)
* monographies sur des facteurs et des instruments à vent
Lissieu à Lyon (Anne Moore, Jean-Christophe Maillard)
Prudent à Paris (Jean Jeltsch)
Nicolas Gavot à Mirecourt (Bernard Pin)
Musettes de cour (Jean-Christophe Maillard, Vincent Robin)
Bois hollandais de l’époque baroque (Rob van Acht)
Serpentini utilisés par Mozart (Renato Meucci)
Serpent (Volny Hostiou)
* monographies sur des facteurs et des instruments à cordes
Michel Collichon, facteur de violes (Corinne Vaast, Tilman Muthesius)
Dynastie des Voboam à Paris, facteurs de guitares (Florence Gétreau)
Harpe double de Praetorius (Frank Bär)
Harpe et Guitares de Stradivarius (Gianpaolo Gregori)
Luths de Stradivarius (Stewart Pollens)
Violon d’Andrea Amati (François Lesure, Karel Moens)
Psaltérions espagnols (Beryl Kenyon de Pascual)
* acoustique
Expertises historiques de cordes Pleyel (Rémy Gug)
Instruments à anches de la cathédrale de Salamanque (Romà Escalas, Vincent Gibiat, Ana Barjau)
Trompette marine du Museo civico de Bologne (Abril Padrilla, Vincent Gibiat)
* restauration
Orgue du musée de la Renaissance (Hervé Oursel, J.F. Muno, C. Combe)

Cette revue publie aussi des études sur la représentation de la musique dans les arts visuels :
* études liées à des travaux d’organologie 
Violes ou violons ? (Karel Moens)
Théorbe à la française (Joël Dugot)
Musette de Lissieu et le tableau de Garnier (Anne Moore)
Archets en France aux XVIIe et XVIIIe siècles (Florence Gétreau)
Variante de musette à deux chalumeaux (Vincent Robin)
Guitare allemande : un instrument français dans l’œuvre de Pierre-Alexandre Wille (Tarek Berrada)
* portraits de musiciens
Une harpiste au Concert spirituel. Mlle Schencker en mai 1765 (Florence Gétreau)
Berlioz et Paganini. Un double hommage (Florence Gétreau)
Le musée Dantan, caricatures et portraits de musiciens (Philippe Sorel)
Un portrait présumé d’Hélène de Montgeroult dans l’ancienne collection Mirimonde (Anne-Noëlle Bouton, F. Gétreau)
Portraits de clavecins et de clavecinistes français. I et II (Florence Gétreau et Denis Herlin).
Claude Vignon’s Portraits of François Langlois (Laurence Libin)
Un portrait énigmatique de l’ancienne coll. Prunières (Florence Gétreau)
* études associant iconographie et sociologie des pratiques musicales
Putti, ennuchi, belle cantatrici : l’iconographie des chanteurs en Italie (Franca T. Camiz)
L’iconographie musicale de la mode champêtre (Thierry Lefrançois)
* thèmes de portée symbolique 
Mythes musicaux et musique de cour en Italie (Nicoletta Guidobaldi)
A composition by Orlando de Lassus in a Vanitas Painting attributed to Sébastien Stoskopff (Colin Slim)
The compass as musical Tool and Symbol (John Koster)
La musique dans les vanités de Renard de Saint-André (Nicole Lallement, Guillaume Gross, Davitt Moroney)
Apollon, Pan, Marsyas : quatre dessins de l’ENSBA de Paris (Tarek Berrada)
Saint-Vincent Ferrer, the Dominican Apostle (Maria Elena Biasini)
Les peintres « troubadours » collectionneurs d’instruments (Marie-Claude Chaudonneret)
Images du patrimoine : collectionneurs d’instruments anciens et ensemble de musique ancienne (Florence Gétreau)
Danse et ivresse dans les arts vers 1900 (Walter Salmen)
* sources peu courantes
Three musicians painted on an 18th century cupboard (Mariagrazia La Spada)
Plateaux d’accouchées florentins (Cristina Santarelli)
Music in Folk art : Swedish Wall Hangings (Inger Enquist)
* inventaires systématiques de collections publiques.
Celles du Louvre ont été privilégiées jusqu’à présent. Cinq livraisons ont été publiées par Brigitte Devaux et surtout Nicole Lallement. Nicoletta Guidobaldi a également offert dans le volume 5 le catalogue des tableaux de la Renaissance.
L’inventaire des œuvres à sujet musical conservées Versailles est en cours d’élaboration et paraîtra à partir du volume 9 de la revue.


Mon apport individuel et collectif à la musicologie touche donc deux sous disciplines : l’organologie et l’iconographie musicales, toutes deux plutôt négligées dans les études universitaires en France. Le CNRS a en revanche soutenu dès 1967 l’équipe fondée par Geneviève Thibault de Chambure sur ces deux thématiques. Formée par cette dernière, j’ai poursuivi les chantiers qu’elle avait ouverts en dirigeant à sa suite et à celle du Professeur Thuillier, l’URA 1015 (1992-1995) qui constitue depuis 1996, et aujourd’hui encore, l’un des programmes de l’Institut de recherche sur le patrimoine musical en France (UMR 200 CNRS/Ministère de la Culture/Bibliothèque nationale de France), équipe que je dirige depuis janvier 2004.

Au plan de l’encadrement d’outils documentaires (base de données « Euterpe », administratrice : Nicole Lallement), de la fédération de travaux menés en France ou à l’étranger (création et direction de la revue Musique-Images-Instruments) et de la formation (j’enseigne ces disciplines au Conservatoire national supérieur de Paris, à l’Université François Rabelais de Tours depuis 1994 ainsi qu’à l’Université de Rouen), de la diffusion à l’étranger (je participe régulièrement à de nombreux colloques hors de France), je pense avoir contribué à la reconnaissance internationale des travaux français dans ces domaines spécifiques. Les deux distinctions que j’ai reçues en 2001 (Anthony Baines Memorial Prize, Galpin Society for the Study of Musical Instruments) et 2002 (Curt Sachs Award, American Musical Instrument Society), ainsi que ma nomination (2003) à la Commission mixte du Répertoire international d’iconographie musicale (RIdIM), me paraissent pouvoir illustrer le positionnement et la réception de mes travaux au plan international.

PERSPECTIVES

Ayant pour la deuxième fois la responsabilité d’un laboratoire de recherche du CNRS, mon expérience de l’administration de la recherche et de l’encadrement collectif s’ajoute à celle que j’ai pu acquérir lors de mes fonctions antérieures au Ministère de la culture comme conservateur du patrimoine (1989-2005) et comme chef de Projet pour le musée de la Musique (1987-1993).

Si mon dossier d’habilitation à diriger des recherches n’est pas le lieu pour présenter les objectifs et les réalisations de l’Institut de recherche sur le patrimoine musical en France, voici toutefois les travaux que j’y poursuis individuellement ou en équipe et mes projets de publications en cours et à venir.

I. Les collections instrumentales. Musique-Images-Instruments. Vol. 9. Parution mars 2007. CNRS Editions.

Après le temps des cabinets de curiosité, des cabinets d’étude et des instrumentarium de mécènes actifs dans la vie musicale, apparaissent au XIXe les collections prestigieuses de quartettistes, les ensembles d’objets d’art décoratif comprenant de précieux instruments passés d’usage, puis des collections didactiques et des ensembles destinés à redécouvrir les répertoires anciens. L’étude des catalogues de collections, du marché de l’art, des premières publications sur le sujet, montrent l’antériorité de l’Europe, des amateurs américains prenant le relais à la fin du XIXe siècle.
La complexité des réseaux qui s’établissent alors entre amateurs de tous les pays explique l’émergence de certains stéréotypes dans la composition de ces ensembles patrimoniaux, des traits particuliers restant l’apanage de certains pays européens. Longtemps, les collections instrumentales n’ont pu être séparées des ensembles de partitions et manuscrits réunis en même temps par les amateurs de musique, certains s’entourant par ailleurs de tableaux à sujets musicaux venant renforcer ces ensembles musicaux. C’est donc une histoire du goût et souvent du mécénat, puis une histoire institutionnelle, qui nourrit ce volume collectif témoigne d’une très large collaboration internationale.

J’envisage par ailleurs d’écrire ultérieurement une monographie. Elle portera sur Les collections instrumentales en France de la Renaissance au XXe siècle. Elle reprendra les sources que j’ai dépouillées pour la préparation de mon ouvrage sur Les collections instrumentales du Conservatoire de Paris. 1793-1993 mais qui n’ont pas été encore exploitées. En effet, de très nombreux collectionneurs n’y ont été que rapidement présentés puisque seuls ont été retenus les faits qui avaient un rapport direct avec l’histoire du Musée Instrumental et de ses enrichissements. Une étude systématique paraît donc s’imposer. Elle permettra de montrer les concepts sous-tendant chaque type de collection. Une réflexion sur l’évolution de la notion de patrimoine instrumental, sur l’attrait de certaines écoles de facture chez les collectionneurs musiciens, sur les rapports avec les collections musicales et l’historiographie de la facture sera accompagnée d’un répertoire biographique des collectionneurs français.

II. Ensembles et orchestres. Musique-Images-Instruments. Vol. 10 et 11. Parution en mars 2008 et mars 2009. CNRS Editions.

Les sources musicales et iconographiques seront au centre de ces deux prochains volumes. La question des ensembles (hauts, bas, homogènes, mêlés) permettra d’évoquer également l’association de la voix et de son accompagnement, celle de la danse et des instruments qui lui sont idiomatiques.
Cette nouvelle thématique sera l’occasion d’associer plus largement des musicologues ayant travaillé sur la question de l’évolution de l’orchestre à différentes époques, ses effectifs, sa composition, sa disposition, son architecture et son acoustique.

III. Les instruments de musique dans les expositions industrielles nationales et universelles. En collaboration avec Joël-Marie Fauquet.

Il s’agit d’un programme d’étude et d’édition critique des rapports officiels publiés en français. Au XIXe siècle, l’économie de marché place les instruments de musique dans les produits de l’industrie, au moment même où l’orchestre est considéré lui-même comme un instrument, où les facteurs s’appliquent à améliorer les instruments déjà existants et à en inventer de nouveaux pour satisfaire à toutes les formes de pratique de la musique, qu’elle soit publique ou privée.
Montrer l’instrument, c’est l’occasion d’en parler, c’est-à-dire de le décrire, de vanter ses particularités sonores, les modalités de son jeu, les perfectionnements techniques dont il est l’objet. C’est aussi, en jugeant de sa qualité par comparaison avec celle des autres instruments produits dans la même catégorie, mettre en lumière les facteurs les plus performants. A cet égard, l’exposition nationale ou universelle constitue le meilleur champ d’observation.
Les rapports sur les instruments exposés apportent autant d’informations sur l’amélioration d’instruments de musique déjà existants que sur les instruments nouveaux qui sont présentés. Ces textes circonstanciés, rédigés par des musiciens ou des spécialistes notoires mandatés par le gouvernement (François-Joseph Fétis, Adrien de La Fage, Hector Berlioz, le comte de Pontécoulant, etc.) n’ont pas que le mérite d’être descriptifs. Ils reflètent les différentes méthodes d’approche des personnalités qui les écrivent Ils permettent surtout de suivre l’évolution de la facture instrumentale dans sa continuité. Enfin, ils établissent le premier lien universel entre les écoles de la facture instrumentale des autres pays et le premier véritable travail comparatiste.
Un projet d’étude et d’édition critique de ces textes a donc été conçu. Il consiste dans un premier temps à établir le corpus complet (enrichi de multiples références organologiques et musicales dans une base de données) des rapports publiés en français des expositions nationales et universelles, et de proposer une édition critique de ces rapports officiels. En dehors de son apport à l’histoire de la facture instrumentale en France au XIXe siècle, tant au plan technologique qu’économique, ce programme se situe donc à la jonction d’une problématique du timbre, d’une anthropologie de la pratique et d'une histoire du goût.
Une première approche sera présentée à Crémone avec Joël-Marie Fauquet sous le titre de : « XIXth century instrumental Innovations and Practices in the Context of French international Exhibitions ».

IV. Les Voboam, facteurs de guitares au xviie siècle. Ouvrage prévu dans la collection « Sciences de la musique », Dir. Sylvie Bouissou, CNRS Editions.

J’ai constitué au fil des ans le corpus des instruments retrouvés de cette dynastie de facteurs de guitares ayant exercé de Louis XIII à la Régence à Paris. J’ai déjà publié leur biographie à partir de sources d’archives, reconstitué leur œuvre (quelque 35 instruments conservés dans le monde entier), comprenant des commandes royales et mondaines exceptionnelles. Les modèles qu’ils mirent au point, avec des variantes d’un membre de la dynastie à l’autre, incarnent le goût pour l’instrument à l’époque classique. J’ai recherché aussi les indices de leur diffusion dans les ateliers français et en Europe du Nord. L’iconographie contemporaine (l’œuvre de Watteau restant une source exceptionnelle) met en valeur la place de cette facture dans la pratique aristocratique. La publication d’une monographie est donc prévue, rassemblant les aspects aussi bien biographiques qu’organologiques que ceux touchant à l’histoire sociale de la musique. Elle sera complétée d’un véritable catalogue raisonné des instruments retrouvés et mentionnés qui n’a pas pu prendre place dans les trois articles que j’ai consacré jusqu’ici à cette dynastie.

V. Iconographie de Rameau et de ses œuvres, deux volumes à paraître dans la collection « Sciences de la musique », Dir. Sylvie Bouissou, CNRS Editions.

Ce programme, mené en collaboration avec Sylvie Bouissou, Nicole Lallement et Erik Kocevar, a pour but de réunir tous les documents iconographiques ayant trait à Rameau et à ses œuvres : les portraits du compositeur exécutés au xviiie siècle, de ses librettistes, chefs d'orchestre, maîtres à danser, interprètes (chanteurs, instrumentistes, danseurs…) ; les documents iconographiques relatifs à ses œuvres scéniques (projets de décors, maquettes de costumes, plans, châssis, machines, toiles peintes, mobiliers, accessoires…), les salles de spectacles parisiennes à l'époque de Rameau et les illustrations des représentations d'œuvres du compositeur (par exemple les croquis célèbres de Gabriel de Saint-Aubin). Les œuvres retenues après un dépouillement systématique ont été cataloguées et décrites selon une notice-type prédéfinie. Les images concernant les costumes et les décors ont été indexées par fonds et par œuvres lyriques. Cette double approche fait apparaître la richesse des fonds dépouillés et l’importance des documents réunis autour d’un même opéra.
Ce corpus des sources iconographiques liées à l'œuvre de Rameau permet de saisir l'image et la notoriété du compositeur à travers ses différents portraits ; la diffusion de son œuvre ; l'évolution stylistique de l'appareil scénographique et de ses techniques à l'époque du conflit esthétique italo-français ; le milieu artistique ayant collaboré aux spectacles de Rameau. Après réflexion, notre équipe a décidé d’associer des documents manuscrits textuels et visuels et de proposer des études de synthèse imposées en quelque sorte par les documents eux-mêmes. Les documents iconographiques servant de support à la réflexion seront reproduits et commentés. Il en sera de même pour les documents d’archives. Les autres documents seront listés en catalogue raisonné avec illustration en vignette.

VI. Les représentations de la musique en France à l’époque moderne

Dans son ouvrage pionnier sur L’iconographie musicale sous les rois bourbons. La musique dans les arts plastiques (1975-1977), Albert Pomme de Mirimonde a montré l’importance des sources françaises et la variété des thématiques comme des interprétations possibles. Aucun ouvrage de synthèse n’a depuis été publié en France, malgré l’accumulation de nouvelles données. Depuis une dizaine d’années, j’ai encadré des travaux collectifs consistant à cataloguer systématiquement les œuvres des grands musées nationaux afin d’élargir les corpus généralistes réalisés auparavant. Ces travaux de catalogage (bibliographie comprise) constituent aujourd’hui les fondements d’un travail d’interprétation et d’érudition qui reste à mener.

J’aimerais donc consacrer une étude à des thématiques fortement caractérisées en France durant trois siècles, en m’appuyant sur une sélection d’œuvres particulièrement significatives. L’ouvrage sera une « leçon illustrée» d’analyse iconographique partant de la description pré iconographique selon Panofsky jusqu’aux propositions d’interprétation. Il m’apparaît en effet qu’entre le guide des arts d’Alberto Ausoni sur La Musiqueet les travaux de très grande érudition publiés dans Imago Musicae, il y a place pour un ouvrage de synthèse bien documenté et référencé qui servirait de manuel aux apprentis musicologues et historiens de l’art.



CONCLUSION


La synthèse présentée dans ces pages souffre d’importantes lacunes, de raccourcis sans doute à nuancer, de concepts qui mériteraient d’être plus largement développés (notamment les rapports de l’iconographie et l’organologie avec les disciplines mères qui les côtoient). Le temps et la disponibilité d’esprit me furent comptés. Je perçois dont à la fois les limites de cette étape et les nécessaires approfondissements qu’elle implique. Ils s’ajoutent aux perspectives de travail annoncées ci-dessus.

Les touches successives de cet « autoportrait aux instruments de musique », révèlent, en creux, les contours d’un champ pluridisciplinaire mêlant histoire et musique, écrits et objets, images et concepts. C’est d’abord une science descriptive qui le sous-tend, mais j’espère avoir laissé transparaître une méthodologie personnelle, un souci de la terminologie, des raisonnements déductifs et une certaine logique dans mes conclusions. Si j’ai un vœu à formuler, à ce moment de retour sur soi-même qui suscite bien sûr, comme tout bilan, des sensations mélangées, ce serait celui de pouvoir consacrer du temps à la rédaction d’un ou deux ouvrages centrés plus encore sur les concepts et moins sur le recensement des faits et des sources. Détachée des « contingences de la collection », de ses obligations matérielles et de service public, qui ont si longtemps nourri mon quotidien professionnel, j’espère vivement que ma nouvelle position au CNRS m’en donnera l’opportunité malgré les charges administratives qu’impliquent une direction d’équipe.

Au-delà des multiples imperfections de ce mémoire et de ses annexes, en présentant cette habilitation à diriger des recherches, mon objectif est de pouvoir m’impliquer plus grandement dans l’encadrement de thèses universitaires, activité que j’ai exercée jusqu’à présent comme personne-ressource, mais non comme responsable susceptible de proposer des sujets et d’en suivre le développement dans les deux disciplines où j’ai pratiqué ma recherche.

Je pense ainsi contribuer à élargir une communauté française qui m’apparaît encore trop restreinte et participant trop peu, dans ces domaines, à la recherche internationale. Le soutien ancien et constant des instances chargées en France de la recherche (CNRS, Mission de la recherche au Ministère de la Culture) pourrait ainsi s’élargir à l’université qui est un point de passage obligé pour toute perspective disciplinaire.






TOME I

Annexe-I.1









ORGANOLOGIE FRANCAISE
sans l’orgue et sans les instruments extra-européens







Bibliographie chronologique










établie

d’après le RILM, JSTORE, http://mediatheque.cite-musique.fr/masc/et d’ autres dépouillements





1701
1. Sauveur, Joseph, Principes d’acoustique et de musique ou système général des intervalles des sons, Paris, 1701. Reprint Genève Minkoff, 1973.

1713
2. Sauveur, Joseph, Rapport des sons des cordes d’instruments de musique, Paris, 1713

1735-1775
3. Machines et inventions approuvées par l’Académie royale des Sciences, Paris, 1735-1775, 7 vol.

1741
4. Terrasson, Antoine, Dissertation historique sur la vielle, Paris, J. B. Lamesle, 1741. Reprint, Genève, Minkoff, 1987.

1757
5. Ancelet, Observations sur la musique, les musiciens et les instruments, Paris, 1757. Reprint, Genève, Minkoff, 1984.

1772
6. Francoeur, Louis-Jean, Diapason général de tous les instrumens à vent, Paris, 1772. Reprint, Genève, Minkoff, 1972.

1780
7. Laborde, Jean-Benjamin de, Essai sur la musique ancienne et moderne, Paris, E. Onfroy, 1780.

1785
8. Art du faiseur d’instruments de musique et lutherie, Extrait de l’Encyclopédie méthodique. Arts et métiers mécaniques, Paris, Panckouke, 1785. Reprint, Genève, Minkoff, 1972.

1791-1883
9. Catalogue des brevets d’invention, 1791-1883, Paris, 59 vol.

1797
10. Tournatoris, A., Epitre sur l’art du facteur, par le citoyen Tournatoris, facteur de pianos, Paris, L’auteur, 1797.

1801
11. Louet, Alexandre, Blanchet, Armand François, Instructions théoriques et pratiques sur l’accord du pianoforte. Méthode abrégée pour accorder le clavecin et le forte-piano, Paris, Le Duc 1797-1800, Paris, Lacloye, 1801, Reprint, Genève Minkoff, 1976.

1806
12. Sibire, Sébastien-André (Abbé), La chélonomie ou le parfait luthier, Paris, Sibire & Millet, 1806, Paris, Bruxelles, Weissenbruck, 2/1823. Reprint, Genève, Minkoff, 1984.

1813
13. Villoteau, Guillaume-André, Description historique, technique et littéraire des instruments de musique orientaux, Paris, Imprimerie impériale, 1813. Extrait de « Description de l’Egypte », t. I.

1819
14. Savart, Félix, Mémoire sur la construction des instruments à cordes et à archet, Paris, 1919. Reprint, Genève, Minkoff, 1972.

1827
15. Fétis, François-Joseph, « Sur les perfectionnemens importans qui ont été faits depuis peu d’années dans la fabrication des pianos », Revue Musicale I (1827), 32-37.

16. —, « Exposition des produits de l’industrie. Pianos de MM. Pfeiffer, Roller et Blanchet, Pleyel, Dietz, Klepper, etc . », Revue Musicale I (1827), 82-88 ; 97-105.

17. —, « Exposition des produits de l’industrie. Instrumens de cuivre. Cors à pistons », Revue Musicale II (192), 153-162.

18. —, « Exposition des produits de l’industrie. Distribution des médailles aux facteurs de pianos, luthiers et fabricans d’instrumens de toutes espèces » Revue Musicale II(1827), 249.

19. —, « Sur la harpe à double mouvement de M. Sébastien Erard », Revue Musicale II (1827), 337-349.

1828
20. Fétis, François-Joseph, « Lettre à M. Naderman, sur sa réfutation de ce qui a été dit dans la Revue Musicale du 8 novembre 1827, en faveur de la Harpe à double mouvement de M. Sébastien Erard » ; « Mon dernier mot », Revue Musicale III (1828), 1-19 ; 265-268.

21. —, « Pianos de M. Pape », Revue Musicale III (1828), 182-186.

22. —, « Sur le polyplectron. Instrument nouveau, inventé par M. Dietz, Revue Musicale (1828), 593 –597.

1829
23. Fétis, François-Joseph, « Variétés. Piano droit de M. Dietz », Revue Musicale V (1829), 369-371.

1830
24. Fétis, François-Joseph, « Pianos. Nouveaux Perfectionnements », Revue Musicale (1830), 229-234.

25. —, « Sur l’industrie musicale », Revue musicale II/4 (25 déc. 1830), 193-205.

1831
26. Fétis, François-Joseph, « Notice sur Ignace Pleyel », Revue Musicale XI (1831), 344-347.

27. —, Notice biographique sur Sébastien Erard, Paris, s.d. [1831] .

28. —, « Sur l’industrie musicale », Revue musicale II/5 (1er janv. 1831), 217-228.

1834
29. [Erard, Pierre], Perfectionnemens apportés dans le mécanisme du piano par les Erard, depuis l'origine de cet instrument jusqu'à l'Exposition de 1834, Paris, Londres, 1834. Facsimile in Dossier Erard, Genève, Minkoff, 1980.

30. Fétis, François-Joseph, Revue musicale XIV (1835) : « Exposition des produits de l’industrie. M. Pierre Erard », 185-187 ; « Exposition des produits de l’industrie. MM. Pleyel, Roger, Bauvais, Langrenée », 204-206 ; « Exposition des produits de l’industrie. MM. Roller et Blancher, Pfeiffer, H. Herz, Boisselot, Kriegelstein et Arnaud », 211-213.

31. Erard, Pierre, Erard's Patent-Action Grand, Londres, 1835. Facsimile in Harpa-piano 2 (1997), 21-27.

32. Maugin et Maigne, Manuel complet du luthier ou Traité pratique et raisonné de la construction des instruments à cordes et à archet, Paris, Roret, 1834. Nouvelle édition, 1869. Reprint Paris, Léonce Laget, 1977 ; Reprint, Paris, LDVDV Inter-Livres,1987.

1836
33. Choron, Alexandre, Manuel complet de musique vocale et instrumentale ou Encyclopédie musicale, Paris, Roret, 1836.

34. Kastner, Jean-Georges, Traité général d’instrumentation, Paris, Philipp, 1836.

32. Montal, Claude, L'art d'accorder soi-même son piano d'après une méthode sûre, simple et facile, Paris, Meissonnier, 1836. Reprint, Genève, Minkoff, 1976.

1837
35. Kastner, Jean-Georges, Grammaire musicale, comprenant tous les principes élémentaires de musique, la mélodie, le rythme, l’harmonie moderne, et un aperçu succint des voix et des instruments, à l’usage des amateurs et des artistes, Paris, H. Lemoine, 1837.

36. S. n., « Pianos de Pape », Revue et Gazette musicale de Paris (1837), 486.

1838
37. S. n., « Pianos nouveaux », Revue et Gazette musicale de Paris (1838), 164, 200.

1839
38. Berlioz, Hector, « Instruments de musique. Exposition des produits de l’Industrie », Journal des débats (28 mai 1839), 1-4.

39. Pontécoulant, Adolphe, Vicomte de, Organographie ou Analyse des travaux de la Facture instrumentale admise aux expositions de la France et de la Belgique des produits de l’industrie, Paris, chez l’Auteur, 1839.
[M. P. Erard, facteur de pianos et de harpes du roi des Français et de la reine d’Angleterre ; M. Henri Herz. Catalogue des œuvres de M. Henri Herz ; M. H. Pape, facteur du roi à Paris.]

40. —, « Exposition des produits de l’industrie », La France musicale 35-39, 41-48, 52 (1839), 292-294, 300-302, 310-313, 323-324, 349-350, 357-359, 371-373, 383-385, 393-396, 412-414, 425-426, 435-436, 481-482.

1841
41. Berlioz, Hector, « De l’instrumentation », Revue et Gazette musicale de Paris (21 nov. 1841- 17 juillet 1842). Reprint Paris, Le Castor Astral, 1994, avec une présentation de Joël-Marie Fauquet. Edition critique par Anne Bongrain et Marie-Hélène Coudroy-Saghaï, Hector Berlioz, Critique musicale. 1823-1863, vol. 3, 1839-1841, Paris, Buchet/Chastel, 2003, 555-581.

42. Darcet, « Historique de la fabrication des tam-tam et des cymbales en France », Recueil de la Société polytechnique 40 (avril 1841), 1-11.

1842
43. Berlioz, Hector, « Instruments de musique. M. Ad. Sax », Journal des débats (12 juin 1842).

44. Jobard, Jean-Baptiste-Ambroise-Marcellin, Industrie française. Rapport sur l’exposition de 1839, Bruxelles, Chez l’auteur, Paris, Chez Mathias, 1842, tome II, « Instruments de musique ».

1844
45. Berlioz, Hector, « Exposition de l’Industrie. Instrumens de musique », Journal des Débats (26 juin 1844), 1-4.

46. —, « Notice sur les nouveaux pianos de la maison Henri Herz, Facteur du Roi. Extrait du rapport à l'Académie par Auber, Halévy, Carafa, Spontini, Baron Séguier ; Onslow, rapporteur », Journal des Débats (23 juin 1844), 1-2.

47. [Erard, Pierre], Le piano d'Erard à l'Exposition de 1844, Paris, 1844. Reprint in Dossier Erard, Genève, Minkoff, 1980.

48. Exposition des produits de l'industrie française en 1844. Rapport du jury central, Paris, Imprimerie Frin et Thunot, 1844, instruments de musique, t. 2, 529-588.

49. Pontécoulant, Adolphe Le Doulcet, comte de, « Exposition de l’industrie », La France musicale (1844), 139, 147, 165, 170, 173, 180, 188-189, 196, 210, 219, 221, 239

50. —« Pianos », Revue et Gazette musicale de Paris (1844), 101, 216, 219bis, 251, 281, 301, 325, 336.

1845
51. Guadet, M., Notice biographique sur Claude Montal, facteur de pianos à Paris, Paris, Fain et Thunot, 1845.

1847
52. Berlioz, Hector, « Adolphe Sax et ses instruments », Journal des débats (12 oct. 1847), 1-2.

1848
53. Fétis, F.J., « De la nécessité de substituer les nouveaux instruments d’Adolphe Sax aux anciens dans les orchestres », Revue et Gazette musicale de Paris 32/27 (1865), 215-216.

54. G.B. « Chronique musicale sur la manufacture d’Adolphe Sax », L’Illustration X/258 (5 févr. 1848), 357-358.

55. Kastner, Jean-Georges, Manuel général de musique militaire, Paris, Firmin-Didot, 1848. Reprint, Genève, Minkoff, 1973.

1849
56. Berlioz, Hector, « Exposition de l’industrie. Instruments de musique », Journal des débats (21 août 1849), 1-5.

57. Pontécoulant, Adolphe Le Doulcet, comte de, « Facture instrumentale », « Exposition de l’industrie », La France musicale (1849), 35, 42, 57, 81, 141, 176-177, 193, 207, 215, 230, 239, 246, 253, 262, 302, 360, 376.

1851
58. Berlioz, Hector, « Xe Jury, lère subdivision. Instruments de musique », Exposition universelle de 1851. Travaux de la commission française sur l'Industrie des nations publiés par ordre de l'Empereur. T. III. Seconde partie, Paris, Imprimerie impériale, 1851. 6 p.

59. Fétis, François-Joseph, « Exposition universelle de Londres », Vingt lettres, in Revue et Gazette musicale de Paris, 34, 35, 37, 39, 40, 42, 43, 44, 45, 46, 47, 48, 49, 50, 51 (1851) ; 1, 3, 5 (1852).

1855
60. Exposition des Produits de l'industrie de toutes les nations de 1855. Catalogue officiel publié par ordre de la Commission impériale, Paris, 1855, 448 p.

61. Exposition des Produits de l'industrie de toutes les nations. 1855. Rapports du jury mixte international publié sous la direction de S.A.I. le Prince Napoléon, Président de la Commission impériale, Paris, 1856,1574 p. Instruments de musique, 1322-1372.

62. Fétis, François-Joseph, Exposition universelle de Paris en 1855. Fabrication des instruments de musique. Rapport. Exposé historique de la formation et des variations de systèmes dans la fabrication des instruments de musique, Paris, Imprimerie impériale, 1856.

63. G.F., « Mélanges industriels ; Fabrication des instruments de musique. Etablissement de M. Gautrot, 60 Rue Saint-Louis, au Marais », L’Illustration XXVI/647 (21 juil. 1855), 43-45.

64. G.F., « Industrie française. Fabrication des pianos de M.C. Pleyel », L’Illustration XXV/641 (9 juin 1855), 364-366.

65. Lafage, Jules Adrien, de, « Visite à l'Exposition universelle », Revue et Gazette musicale de Paris 22 (1855). 15 livraisons reprises dans Quinze visites musicales à l'Exposition universelle de 1855 (suivies d'une post-exposition de la liste des exposants et de celle des récompenses), Paris, 1856, 232 p.

66. Notice sur M. Henri Herz (Extrait du 3e volume des Etudes critiques et biographiques), s.l.n.d. [1855].

67. Ortigue, Joseph d’, Art. « Erard », Dictionnaire de la conversation et de la lecture, Paris, 1855.

68. Pontécoulant, Adolphe, comte de, Voyage d'un mélomane à travers l'exposition universelle, Paris, Henry, 1862.

1856
69. Fétis, François-Joseph, Antoine Stradivari, luthier célèbre, connu sous le nom de Stradivarius, précédé de recherches historiques et critiques sur l’origine et les transformations des instruments à archet, Paris, Vuillaume, 1856.

70. Dyfau, P.A., Dienaimé, E., Tahen, A., Claude Montal, facteur de pianos (aveugle), sa vie et ses travaux, Paris, E. Didot, 1857.

1860
71. Comettant, Oscar, Histoire d'un inventeur au XIXe siècle. Adolphe Sax, ses ouvrages et ses luttes, Paris, Pagnerre, 1860. Reprint, Genève, Minkoff, 1994.

72. Turgan, Julien, Les grandes usines de France, Paris, Hatier, 1860-1882.

1861
73. Pontécoulant, Adolphe Le Doulcet, comte de, Organographie. Essai sur la Facture Instrumentale. Art, Industrie et Commerce, Paris, Castel, 1861. Reprint Fritz Knuf, Amsterdam, 1972, avec une introduction de W.L. Summer et un nouvel index de L. J. Plenckers.

1861-1900
74. Description des machines et procédés pour lesquels des brevets d’invention ont été pris sous le régime de la loi du 4 juillet 1844, Paris, 1861-1900, 31 vol.

1864
75. Elwart, A., « Audition des instruments récemment inventés par M. Sax », L’Illustration 44/1116 (16 juillet 1864), 47-48.

1865
76. Hermann, A. « Manufacture modèle d’harmoniums du Faubourg St. Germain, Alexandre Rousseau », L’Illustration XLVI/1175 (1175) (2 sept. 1865), 159-160.

1867
77. Bernard, L. de, « MM. Gautrot aîné & Cie, facteurs d’instruments », Le Monde illustré 543 (7 sept. 1867), 155.

78. Fétis, François-Joseph, Exposition universelle de 1867. Rapport du jury international, publié sous la direction de M. Michel Chevalier. Instruments de musique, Paris, Paul Dupont, 1867.

79. Fourneaux, N. (fils), Instrumentologie. Traité théorique et pratique de l'accord des instruments à sons fixes, l'harmonium, l'orgue à tuyaux et le piano, contenant une théorie complète du tempérament musical et des battements, Paris, E. Repos, 1867, 283 p.

80. Gallay, Jules, Les instruments à archet à l'exposition universelle de 1867, Paris, Jouaust, 1867. Reprint Paris, La Flûte de Pan, 1981, avec une postface de Bernard Sabatier.

81. Pontécoulant, Adolphe Le Doulcet, comte de, La musique à l'exposition universelle de 1867, Paris, au bureau du journal L'Art musical, 1868.

1869
82. Ax, G. d’, Les mystères du piano. Ouvrage indispensable à toute personne qui possède cet instrument, paris, Librairie du Messager de la banlieu, 1869.

83. Comettant, Oscar, La musique, les musiciens et les instruments de musique chez les différents peuples du monde, archives complètes de tous les documents qui se rattachent à l'exposition internationale de 1867, Paris, Lévy, 1869.

1872
84. Viollet-le-Duc, Eugène-Emmanuel, Instruments de musique [S.l.n.d.], Extrait du Dictionnaire raisonné du mobilier français de l'époque carloingienne à la Renaissance, Paris, Vve Morel en 1872, t. 2, 4e partie, 243-327, fig., pl.

1873-1880
85. Fétis, François-Joseph, Biographie universelle des musiciens, Paris, Firmin-Didot frères, 1873-1875, 8 vol ; Arthur Pougin, Supplément, Paris, Firmin-Didot, 1878-1880.
[notices biographiques de facteurs d’instruments.]

1874
86. Chouquet, Gustave, « Invention du piano. Cristofori, Marius et Schroeter », Revue et Gazette musicale de Paris 42 (1874), 402-404.

1875
87. Chouquet, Gustave, Le musée du Conservatoire de musique. Catalogue descriptif et raisonné, Paris, Firmin-Didot, 1875.

88. Gallay, Jules, Exposition universelle de Vienne en 1873. Section française. Rapport sur les instruments de musique. Instruments à archet, Paris, Imprimerie nationale, 1875

1876
89. Chouquet, Gustave, « Un instrument de musique inconnu (la Bibolle) [ou cornemuse ?] », Le Ménestrel 42 (1876), 84.

90. —, « A propos d'une virginale de Jean Ruckers », Revue et Gazette musicale de Paris 43 (1876), 51-52.

91. —, « Sistre et Cistre, Revue et Gazette musicale de Paris 43 (1876), 413-414.

1876-1878
92. Vidal, Antoine, Les Instruments à archet. Les feseurs, les joueurs d'instruments, leur histoire sur le continent européen. Suivi d'un catalogue général de la musique de chambre, Paris, Imprimerie de J. Claye, 1876-1878.

1878
93. Blondel, S.A., Histoire anecdotique du piano, Paris, 1880.

94. Chouquet, Gustave, Rapport sur les instruments de musique et les éditions musicales. Exposition universelle de 1878, Paris, 1880.

95. —, « Les origines du piano », Revue et Gazette musicale de Paris 45 (1878), 10-11, 27-28.

96. S. & P. Erard. Facteurs de pianos & de Harpes, Paris, Londres, C. Motteroz, 1878. Facsimile in Dossier Erard, Genève, Minkoff, 1980.

97. Hervé, Rapport sur l'exposition universelle de 1878. III La musique. Les méthodes et les instruments, Paris, Eugène Lacroix, 1878.

98. Lavoix, Henri, Histoire de l’instrumentation depuis le XVIe siècle jusqu'à nos jours, Paris, Firmin-Didot, 1878. Reprint Bologne, Forni Editore, 1972.

99. Pillaut, Léon, « Le piano à l'exposition universelle » Journal officiel (30 octobre 1878), 1053-54.

100. Rambonsson, Jean, Les harmonies du son et l’histoire des instruments de musique, Paris, Librairie de Firmin-Didot, 1878/2, 1897.

1879
101. Chouquet, Gustave, « Les Hotteterre », Revue et Gazette musicale de Paris 46 (1879), 186-188.

102. —, « Les Crétien-Carlin », Revue et Gazette musicale de Paris 46 (1879), 233-236.

1880
103. Chouquet, Gustave, « Richard, les frères Denis, Nicolas Dumont », Revue et Gazette musicale de Paris 47 (1880)154-156.

104. Pillaut, Léon, Instruments et musiciens, Paris, G. Charpentier, 1880.

1882
105. Travers, Charles-Emile, Les instruments de musique au XIVe siècle d’après Guillaume de Machaut, Paris, E. Plon, 1882.

1883
106. Chouquet, Gustave, « Le chef-d'oeuvre d'un inconnu [L'Orphéoréon] », Le Ménestrel 50 (1883), 1-2.

107. Fourcaux, Louis de, Pleyel, Wolff et Cie, Paris, Librairie-Imprimerie réunies, 1883.

1884
108. Chouquet, Gustave, Le musée du Conservatoire national de Musique. Catalogue descriptif et raisonné, Paris, Fischbacher, 1884. Reprint, Genève, Minkoff, 1993.

1884-1900
109. Bulletin officiel de la Propriété industrielle et commerciale, 1884-1900, Paris, 34 vol.

1885
110. Chouquet, Gustave, « Lettre à un violoniste : les cordes harmoniques », Le Ménestrel 52 (1885), 9-11.

111. Marmontel, Antoine, Histoire du piano et de ses origines, Paris, Heugel, & fils, 1885.

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1886
113. Jacquot, Albert, Dictionnaire pratique et raisonné des Instruments de musique anciens et modernes, Paris, Fischbacher, 1886.

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Recension :
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[pour les instruments, voir plus spécialement les p. 117-118.]

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[voir chapitre sur l’Accordéon.]

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[voir le chapitre sur les facteurs d’instruments.]

501. Manceau, Florence, La harpe en France de 1749 à 1789, Maîtrise de musicologie, Université de Paris IV-Sorbonne, 1988, Dir. E. Weber.

502. Palmer, Frances « Un inventaire sous la Terreur : état des instruments de musique relevé chez les émigrés et condamnés », The Galpin Society Journal 41 (1988), 132-133.

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1989
505. Boisvert, Thierry, « Chabrette. Mon dieu quelle histoire ! » ; Esbelin, Michel, « La cabrette : musette des villes, musette des champs ? » ; Maillard, Jean-Christophe, « La musette de cour », Mabru, Lothaire, « La cornemuse dans les Landes de Gascogne », Actes du Symposium international sur la Cornemuse, La Haye, 1988, Utrecht, Stichting Volsmuziek Nederland, 1989, 7-22 ; 95-104 ; 58-69 ; 37-49.

506. Cellier, Frédéric, La clarinette basse contemporaine, Maîtrise, Université de Nice, 1989, Dir. M. Derlange.

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[voir le hapitre sur les faiseurs d’instruments de musique.]

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645. Baschet, François, Les sculptures sonores. The Sound Sculptures of Bernard and François Baschet, Chelmsford, Soundworld Publisher, 1999.

646. Canguilhem, Philippe, Challier, Marion, Dugot, Joël, Saint-André, Pascale, Luths et luthistes en Occident. Actes du colloque. 13-15 mai 1998, Paris, Cité de la Musique, 1999.

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648. La Couture-Boussey, 1999. Images de musettes [Cat. d’exp.], Compagnon, Jean-Claude, Robson, Sylvette, Les Amis du Musée des Instruments à vent de La Couture-Boussey, 1990.

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656. Jobin, Emile, « Les enseignements posthumes et très modernes d’un maître vraiment ancien, ou quelques expériences réalisées grâce à la construction d’un fac-similé et d’une copie du clavecin de V. Tibaut 1691 du musée de la Musique », Actes du colloque Acoustique et instruments anciens : facture, musiques et sciences, Paris, Cité de la Musique/Société française d’acoustique, 1999, 179-198.

657. Kammertöns, Christophy, Chronique scandaleuse. Henri Herz – ein Enfant terrible in der französischen Musikkritik des 19. Jahrhunderts, Thèse de musicologie, Université d’Essen, 1999, 323 p. Dir. Horst Weber.

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660. Lebet, Claude, Coin, Christophe, La pochette du maître à danser, La Chaux-de-Fonds, Roma/ C. Lebet, 1999.

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663. Müller, Milos, Zivot a dilo harfoveho virtuoza a skadatele [Jean Krtitel Krumpholtz : la vie et l’œuvre du harpiste virtuose et compositeur], Narodni Knihovna, Prague, 1999.

664. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 4. Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité II, Gétreau, Florence (dir.), Paris, Klincksieck, 1999, 280 p.
Recension :
Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments 100,(2000), 12-13 ; Laurent Guillo, Revue de musicologie 91 (2005), 259-264.

665. Paris, Saint-Yrieix-la-Perche, 1999. Souffler, c’est jouer. Chabretaires et cornemuses à miroirs en Limousin [Cat. d’exp.], Eric Montbel, Florence Gétreau (dir.), Paris, Musée national des Arts et Traditions populaires, Saint-Yrieix-la-Perche, Salle Attane, 1999.
Recensions :
Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments 97 (1999), 11 ; Carmelle Begin, Journal of the American Musical Instrument Society 27 (2001), 191-195.

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668. Rault, Christian (dir.), Instruments à cordes du Moyen Age : actes du colloque de Royaumont – 1994, Grâne, Ed. Créaphis, 1999.

669. Realino, Umberto, Un siècle de guitare en France : 1750-1850, Thèse, Université de Paris IV-Sorbonne, 1999.

670. Rennes, 1999. Instruments du diable musique des anges : images et symboles de la cornemuse et du hautbois en Bretagne (XIVe-XXe siècle) [Cat. d’exp.], Rennes, Dastum, 1999.

671. [Roudier, Alain, Faivre, Patricia], Pleyel au temps de Frédéric Chopin, Ala (Trento), Edizioni del Museo del Pianoforte antico, 1999.

672. Vendries, Christophe, Instruments à cordes et musiciens dans l'Empire romain : étude historique et archéologique, IIe siècle av. J.-C.-Ve siècle ap. J.-C., Paris, Montréal (Québec), L'Harmattan, 1999.

2000
673. Allain-Dupré, Philippe, Les flutes de Rafi, Paris, Fuzeau, 2000. 54/150 p. Traduction en anglais, allemand, japonais.

674. Beaupain, René, Chronologie des pianos de la maison Pleyel, Paris, L’Harmattan, 2000.

675. Deuxième rencontre de Mirecourt. Colloque historique. 6-7 mai 2000, Mirecourt, Les amis du musée de la lutherie et de l’archèterie françaises, 2000.

676. Dugot, Joël, « Restaurer pour conserver. Un archiluth de Christoph Koch, Venise 1654 », Matière et musique. The Cluny Encounter. Proceedings of the European Encounter on Instrument Making and Restoration. Actes de la rencontre européenne autour de la facture instrumentale. Akten van het Europeen Congres over instrumentenbouw en –restauratie (Cluny 1999), Claire Chevallier, Jos van Immerseel (ed), Peer, Alamire, Labo 19, 2000, 121-131 ; traduction en flamand 32-139.

677. Espie, Laurent, Gétreau, Florence, Stefanaggi, Marcel, Instruments pour demain. Conservation & restauration des instruments de musique. 9èmes journées d’étude de la Section française de l’institut international de conservation, Limoges, 15-16 juin 2000, Champs-sur-Marne, SFICC, 2000, 229 p.

678. Gaudefroy, Bernard, Histoire de l’archet en France au Dix-huitième siècle, Paris, L’archet éditions, 2000.

679. Gétreau, Florence, « Les clavecins de François Couperin », in François Couperin (1668-1733), textes réunis par Catherine Cessac, Versailles, CMVB/EPV, 2000, 155-161.

680. —, « Matière et musique : quelques réflexions des premiers organologues de langue française », Matière et musique, op. cit., 2000, 19-33 ; traduction en flamand 34-47.

681. Greenberg, Michael D., « The Double-Bass Class at the Paris Conservatory, 1826-1832 », », Journal of the American Musical Instrument Society 26 (2000), 83-140.

682. Hunt, John, « The Blanchets », Early Keyboard Journal 18 (2000), 53-93.

683. Rosenstiel, Marc, « Restauration d’un violon de Auguste Sébastien Bernardel dit Bernardel Père, fait en 1841 », Matière et musique. op. cit., 2000, 175-180.

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684. Anderson, R. Dean, « Extant Harpsichords built or Rebuilt in France during the Seventeenth and Eighteenth Centuries: An Overview and Annotated List », Early Keyboard Journal (2001).

685. Gétreau, Florence, “The Conservation of acoustical specifications: a long ignorance in public collections of ancient instruments”, in 17th International Congress on Acoustics Proceedings, Session Acoustics in the restoration of ancient musical instruments, Rome, Brüel & Kjaer, 2001, CD Rom vol. IV.

686. —, « Instrumentenkabinette in Frankreich zur Zeit der Bourbonenkönige », Musica instrumentalis 3, Nuremberg, Germanisches Nationalmuseum, 2001, 61-73.

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689. Haynes, Bruce, The Eloquent Oboe. A History of the Hautboy from 1640 to 1760, Oxford, Oxford Early music Series, 2001.

690. Howe, Robert, « The first mechanized oboes: Triébert's systemes 3 and 4 Historical oboes 3 », The Double reed, 24/2 (2001), 17-30.

691. La Grandville, Frédéric de, « Index des facteurs d'instruments de musique à vents ayant des instruments conservés dans les musées », Larigot XII (2001), 1-34.

692. Paris, 2001. Un musée aux rayons X. Dix ans de recherche au service de la musique [Cat. d’exp.], Joël Dugot, Laurent Espié (dir.), Paris, musée de la Musique, Paris, Cité de la musique, 2001.

693. Pollens, Stewart, Kaston, Henryk, François-Xavier Tourte. Bow Maker, New York, Machold Rare Violins, 2001.

694. Wolcott, Michiko Ishiyama, Piano, the Instrument: An Annotated Bibliography, Lanham, Maryland, Scarecrow Press, 2001.
[chapitre sur la France.]

2002
695. Altos. Actes du colloque/catalogue de l’exposition, Paris, Cité de la musique, 2002 (Les cahiers du musée de la musique 1).

696. Caubisens, Cynthia, Henri Herz, une signature au service du son, Mémoire d’organologie, Paris, Conservatoire supérieur de Paris, 2002. 113 p.

697. Charles-Dominique, Luc, Laurence, Jean-Pierre, Les hautbois populaires. Anches doubles, enjeux multiples, La Falourdière, Editions Modal, 2002.

698. Germann, Sheridan, « Harpsichord Decoration – A Conspectus », Howard Schott, The Historical Harpsichord 4, Pendragon Press, 2002, 1-212.
[France, p. 37-60.]

699. INPIano. La facture du piano de 1791 à nos jours, Paris, INPI, 2002.

700. Kopp, James B., « Precursors of the Bassoon in France before Louis XIV », », Journal of the American Musical Instrument Society 28 (2002), 63-117.

701. Laloue, Christine (dir.), Archéologie et musique. Actes du collooque des 9 et 10 février 2001, Paris, Cité de la musique, 2002 (Les cahiers du musée de la musique 2).

702. Rephann, Richard, « A Fable Deconstructed : The 1770 Taskin at Yale », Howard Schott, The Historical Harpsichord 4, Pendragon Press, 2002, 215-241.

703. Skowroneck, Martin, « The Harpsichord of Nicholas Lefebvre 1755. The story of a forgery without intent to defraud », The Galpin Society Journal 55 (2002), 4-14.

704. Troisième rencontre de Mirecourt. Colloque historique. 8-9 mai 2002, Mirecourt, Les amis du musée de la lutherie et de l’archèterie françaises, 2002.

2003
705. Bouchet, Robert, Cahier d’atelier. La construction d’une guitare classique, Paris, Cité de la musique, 2003 (Les cahiers du musée de la musique, hors série).

706. Franc, Jean-Pierre, De cloches en clochetons : l’art campagnaire dans les Hauts-de-Seine, La Garenne-Colombes, Société française de campanologie, 2003.

707. Howe, Robert S. « The Invention and Early Development of the Saxophone, 1840-55 », Journal of the American Musical Instrument Society 29 (2003), 97-180.

708. Lesure, François, « La commande à Andrea Amati : parcours d’une légende obstinée », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 61-70.

709. Martin, Edouard, Gaspard Tieffenbrücker et la lutherie lyonnaise du XVIe siècle dans les courants d’échanges européens, Mémoire de maîtrise d’histoire économique et sociale, Université de Paris I, sous la dir. de Mme Dominique Margairaz, 2003.

710. Moens, Karel, « ‘Les violons de Charles IX’. Analyse des instruments », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 71-97.

711. Musique-Images-Instruments, Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 5. Musiciens, facteurs et théoriciens à la Renaissance. Gétreau, Florence (dir.), Paris, CNRS Editions, 2003, 280 p.
Recensions :
Zdravko Blazekovic, Music in Art 27 (2002), 176 ; Peter Williams, The organ yearbook: A Journal for the player & historians of keyboard instruments 32 (2003), 207-208 ; L'Orgue. Bulletin des Amis de l'Orgue 263 (2003), 112 ; Laurent Guillo, Revue de musicologie 91 (2005), 259-264.

712. Robin, Michel et Weber, Jean-François, « Antoine Rascalon, décorateur de pianos-forte d’apparat », L’objet d’art 377 (Février 2003), 70-82.

713. Roudier, Alain, Lenna, Bruno di, Rifiorir d’antichi suoni. Trois siècles de pianos. Three centuries of pianos, Ala, Edizioniosiride, Edizioni del Museo, 2003.
[voir le chapitre « Le piano en France à partir de 1770 », 28-108.]

714. Sarrail, Claude, Les instruments de musique de nos terroirs, Labège, Tourisme médias éditions / Confédération nationale des groupes folkloriques français, 2003.

715. Tours, 2003. L’art du clavecin [Cat. d’exp.], Tours, Musée des Beaux-Arts, 2003.

716. Vrod, Jean-François (dir.), Violon populaire. Le caméléon merveilleux, La Falourdière, Editions Modal, s.d. [2003].

2004
717. Dugot, Joël (dir.), Aux origines de la guitare : la vihuela da mano, Paris, Cité de la Musique (Les cachiers du musée de la Musique, 5), 2004.

718. Gas-Ghidina, Catherine, Jam, Jean-Louis, Aux origines de l’Ecole française de pianoforte de 1768 à 1825, Clermont-Ferrand, Presses universitaires Blaise-Pascal, 2004.

719. Gétreau, Florence, « Définir, réunir, conserver, étudier, restituer le patrimoine musical : quelques exemples en France », Il Saggiatore musicale. Rivista semestrale di musicologia, « I beni musicali: verso una definizione » 11 (2004), 172-180.

720. Heintzen, Jean-François, « Faiseurs d’instruments à Moulins au XVIIe siècle », Musique-Images-Instruments 6 (2005), 133-149.

721. Hostiou, Volny, Le Serpent d’église en France, de son apparition à la Révolution, Maîtrise de musicologie, Université de Paris IV-Sorbonne, 2004, Dir. Fédéric Billiet.

722. Kopp, James B., « The Musette de Poitou in 17th-Century France », The Galpin Society Journal 57 (2004), 127-145.

723. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 6. Ecoles et traditions régionales. 1ère partie. Gétreau, Florence (dir.), Paris, CNRS Editions, 2004, 280 p.
Recensions :
Laurent Guillo, Revue de musicologie 91 (2005), 259-264. Robert A. Green, American Musical Instrument Society-Newsletter (Fall 2005), 12 ; Desmond Hosford, Music in Art. International Journal for Music Iconography, 30 (2005), 233-234

724. Pin, Bernard, « L’atelier de Nicolas gavot, facteur de serinettes à Mirecourt à la fin du XVIIIe siècle », Musique-Images-Instruments 5 (2004), 97-113.

725. Pussiau, Vincent, « Lyon, foyer historique de lutherie et de facture instrumentale », Les concerts à Lyon au 17ème siècle, Jérôme Dorival (dir.), Lyon, Rencontre de Gadagne, 2004, p. 50-92.

726. Rauline, Jean-Yves, « Nineteenth-Century French Amateur Music Societies and changes in Instrument Construction: Their evolution caught between Passivity and Progress », The Galpin Society Journal 57 (2004), 236-245.

727. Steiner, Thomas, Instruments à claviers - expressivité et flexibilité sonore. Actes des Rencontres harmoniques de Lausanne, Avril 2002, Peter Lang, 2004.
[Jean-Claude Battault, « Les premiers pianoforte français » ; Michael Latcham, « The Combination of the Harpsichord and the Piano throughout the Eighteenth Century », Jean-Jacques Eigeldinger, « Chopin et les pianos Pleyel », David Winston, « On Restoring Pleyel Pianos ».]

728. 23. Musikinstrumentenbau-Symposium. Ist das Tafelklavier noch salonfähig? Zur Geschichte und Bedeutung eines Vernachlässigten Tasteninstrument, Stiftung Kloster Michaelstein. Musikinstitut für Aufführungspraxis, 11-13 Oktober 2002. A paraître.
[Catherine Michaud-Pradelles, « Variation on the theme of the square piano by Jean Henry Pape » ; Jean Haury, « French patents concerning the square pianos ».]

2005
729. Dugot, Joël, « Sonorités inouïes : la nouvelle harpe de Messieurs Krumpholtz et Naderman», Musique-Images-Instruments 7 (2005), 87-109.

730. Foussard, Michel, « Le clavecin Claude Labrèche, Carpentras, 1699 », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 19-32.

731. Gétreau, Florence, «Recent Research about the Voboam Family and Their Guitars », Journal of the American Musical Instrument Society 31 (2005), 5-66.

732. Dugot, Joël, et Gétreau, Florence, « Citterns in French public collections. Instruments and musical iconography », Gitarre und Zister. Bauweise, Spieltechnik und Geschichte bis 1800, Michaelstein, Musikinstitut für Aufführungspraxis, 22. Musikinstrumentenbau-Symposium, 16-18 novembre 2001, Monika Lustig (Hrg), Stiftung Kloster Michaelstein, Verlag Janos Stekovics, 2005, 51-68.

733. Kopp, James B., « Before Borjon: The French Court Musette to 1672 », The Galpin Society Journal 58 (2005), 3-37.

734. La Couture-Boussey, 2005. Blanche/noire. Notes photographiques, Olivier Mériel [Cat. d’exp.], Musée des instruments à vent. Ville de La Couture-Boussey, 23 avril-31 juillet 2005.

735. Musée des musiques populaires. Montluçon. Collections, Montluçon, 2005.

736. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 7. Les écoles régionales. 2ème partie. Gétreau, Florence (dir.), Paris, CNRS Editions, 2005, 250 p.
Recensions :
Robert A. Green, American Musical Instrument Society – Newsletter (Fall 2005), 12 ; Jean-Marc Warszawski, Musicologie.org/publirem/jmw_mii_07.html ; Desmond Hosford, Music in Art. International Journal for Music Iconography,30 (2005), 233-234.

737. Nobbs, Christopher, « A French Harpsichord from the end of the seventeenth-century, attributed to Claude Labrèche », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 33-45.

738. Riché, Charles, « De la restauration d’une basse de viole de Nicolas Bertrand », A Viola da gamba Miscellanea. Articles from and inspired by viol symposiums organized by The Ensemble baroque de Limoges, France, Susan Orlando (ed.), Limoges, Presses Universitaires de Limoges, 2005, 211-225.

739. Rose-van Epenhuysen, Marie, « Beethoven and his ‘French Piano’ : Proof of Purchase », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 111-122.

740. —, « L’Art de Bien Chanter and the Early French Piano Style, 1780-1820 », Ph. D., New York University, 2005.

741. Scherpereel, Joseph, « Maître Claude Labrèche, esquisse biographique », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 9-18.

2006
742. Davy-Rigaux, Cécile, Gétreau, Florence, « La méthode de serpent de Jean-Baptiste Métoyen : héritages et évolutions ». Préface à Jean-Baptiste Métoyen, Ouvrage complet pour l’Education du serpent, Benny Sluchin (éd.), Paris, Editions musicales européennes (Brass Urtext), 2006, VII-XII.

743. Gétreau, Florence, « Instrument making in Lyon and Paris around 1600 », in Musikalische Aufführungspraxis in nationalen Dialogen des 16. Jahrhunderts: Niederländisches und weltisches Lied von 1480 bis 1640. Instrumentenbauschulen im 16. Jahrhundert, 6-8 mai 2005, Michaelstein, Stiftung Kloster Michaelstein, 26. Musikinstrumentenbau-Symposium, 2006. Sous presse.

744. —, « Considerations on Keyboard conservation and policy for facsimile in France », Bartolomeo Cristofori : la spinetta ovale del 1690. Incontro di studio per il progetto di restauro, Firenze, Galleria dell’Accademia, 21-22 octobre 2002, Florence, 2006.

745. —, « Quelques cabinets d’instruments en France au temps des rois Bourbons », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 25-43.

746. Musique-Images-Instruments. Revue française d’organologie et d’iconographie musicale. Numéro 8. Les collections d’instruments de musique, 1re partie, Gétreau, Florence (dir.), Paris, CNRS Editions, 2006, 250 p..

747. Martin, Edouard, « Faiseur, facteur : terminologie d’un métier », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 127-138.

748. Vernet, Thomas, « Les collections musicales des princes de Conti », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 45-68.

749. Moran, Amy, Pianos and Piano Music in France, 1750-1850, Ph. D. Musicology, University of Sydney. En cours.







TOME I

Annexe I-2







ICONOGRAPHIE MUSICALE FRANCAISE








Bibliographie chronologique




établie d’après le RILM, JSTORE, Frederic Crane, Franz Gratl, Nicole Lallement, Danièle Pistone, la base Philidor du Centre de musique baroque de Versailles et d’autres dépouillements







1780
1. Laborde, Jean-Benjamin de, Essai sur la musique ancienne et moderne, Paris, E. Onfroy, 1780.

1809
2. Villoteau, Guillaume-André, Dissertation sur les diverses espèces d'instrumens de musique que l'on remarque parmi les sculptures qui décorent les antiques monumens de l'Égypte, et sur les noms que leur donnèrent en leur langue propre les premiers peuples de ce pays, [S. l. n. d.]. Extrait de « Description de l'Égypte », t. I, 1809.

1813
3. Villoteau, Guillaume-André,  Description historique, technique et littéraire des instruments de musique orientaux, Paris, Imprimerie impériale, 1813. Extrait de « Description de l’Egypte », t. I.

1832
4. Cléon Galoppe d’Onquaire, Le Musée musical de Dantan jeune, Paris, Le Ménestrel, 1832.

1836
5. Bottée de Toulmon, Auguste, De la chanson française au Moyen Age, Paris, 1836.

1838
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1839
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1844
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1852
10. Kastner, Jean-Georges, Les danses des morts. Dissertations et recherches historiques, philosophiques, littéraires et musicales sur les divers monuments de ce genre qui existent ou qui ont existé tant en France qu’à l’étranger… accompagnés… d’une suite de planches représentant des sujets tirés d’anciennes danses des morts… avec les figures d’instruments de musique qu’ils contiennent…, Paris, Brandus, 1852, 310 p.

1857
11. Didron, Adolphe-Napoléon, dit l’Aîné, « Les chapiteaux de Cluny », Annales archéologiques 17 (1857).

1858
12. Barbier de Montault, X., « Orgues en forme d’arbres », Annales archéologiques 18 (1858), 90-93.

13. Kastner, Jean-Georges, Les Sirènes. Essai sur les principaux mythes relatifs à l’incantation, les enchanteurs, la musique magique, le chant du cygne etc. considérés dans leurs rapports avec l’histoire, la philosophie, la littérature et les beaux-arts. Ouvrage orné de nombreuses figures représentant des sujets mythologiques tirés de monuments antiques…, Paris, G. Brandus et S. Dufour, 1858.

1864
14. Didron, Adolphe-Napoléon, Iconographie de l’Opéra, Paris, V. Didron, 1864, 56 p.

1869
15. Lacroix, Paul, Les arts au moyen âge et à l’époque de la Renaissance, Paris, Firmin-Didot, 1869, comprend un chapitre sur « Les instruments de musique ». Traduction par James Dafforne, The Arts in the Middle Ages and at the Period of the Renaissance, New York, D. Appleton, 1870 ; Londres, Chapman & Hall, 1875 (« Musical Instruments », p. 187-222) ; édition révisée, Londres, J.S. Virtue, 1886.

16. Pougnet, J. Abbé, « Théorie et symbolisme des tons de la musique grégorienne », Annales archéologiques, 26, (1869), 380-381 ; 27 (1870), 32-60 ; 151-175 et 287-338.

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1878
20. Brianchon, Compte-rendu analytique de la céramique musicale au Trocadéro & ailleurs en 1878, par Gustave Couellain, Bolbec, Dussaux, 1879.

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[Commente le tableau du Louvre Bal à la cour d’Henri III, 1561.]

760. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 4. Florence Gétreau (dir.). Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité II, Paris, Klincksieck, 1999, 228 p.
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763. Reichardt, Rolf, « Gesungene Bilder – gemalte Lieder. Wechselbeziehungen zwischen französischen Chansons und Druckgraphik vom Ancien Régime zum 19. Jahrhundert », Chanson und Vaudeville. Gesellschaftlisches Singen und unterhaltende Kommunikation im 18. und 19. Jahrhundert, Herbert Schneider (dir.), St. Ingbert, Röhrig Universitäts Verlag, 1999, 71-135.

2000
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765. Bowles, Edmund A., « Music in court festivals of state: festival books as sources for performance practice », Early Music 28/3 (2000), 421-443.

766. Castres 2000, La musique et les arts figurés en Espagne [Cat. d’exp.], Jean-Louis Augé (dir.), Castres, musée Goya, 2000.

767. Cazes-Limayrac, Irène, « Trois thèmes iconographiques à propos de la flûte à une clef », Traversières 29/63 (2000), 55-61.

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773. Noël, Anne-Sophie, Les instruments apolliniens et dyonisiaques dans la peinture française du XVIIe siècle, Mémoire de licence, Université catholique de Louvain-la-Neuve, 2000.

774. Ravenel, Bernard, « Iconologie appliquée à l’orgue médiéval aux XIIIe, XIVe et XVe siècles », in Marcel Pérès, Les orgues gothiques, Grâne, Creaphis, 2000, 189-204.

775. Rougement, Martine de, « Sedaine et les images », Michel-Jean Sedaine (1719-1797) : Theatre, Opera and the Art, David Charlton et Mark Ledbury (ed), Aldershot, Ashgate, 2000, 149-172.

2001
776. Ausoni, Alberto, L’iconographie des musiciens sous Louis XIV (1638-1715) : une analyse des rapports entre la musique savante, le pouvoir et la haute-société d’Ancien-Régime, Thèse d’histoire de l’art, Paris, Université de Paris I Panthéon-Sorbonne, 2001, 3 vol.

777. Champa, Kemit S., « Concert Music: the master model for radical painting in France, 1830-1890 », Imago Musicae 16-17 (1999-2000) [2001], 207-221.

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781. Oleskiewicz, Mary, « The hole truth and nothing but the truth : the resolution of a problem in flute iconography », Early Music 29/1 (2001), 57-59.

782. Paris, 2001. Un musée aux rayons X [Cat. d’exp.], Joël Dugot, Laurent Espié (dir.), Paris, Musée de la Musique, Paris, Cité de la musique, 2001.

783. Paris, 2001-2002. Figures de la passion [Cat. d’exp.], Emmanuel Coquery, Anne Piéjus (dir.), Paris, Musée de la Musique, 23 Oct. 2001-20 Janv. 2002, Paris, Réunion des Musées nationaux, 2001.
Recension :
Florence Gétreau, Music in Art 28 (2004), 244-247.

784. Périgueux, 2001. Musée, Musiques [Cat. d’exp.], Périgueux, Bibliothèque municipale et Musée du Périgord, 6 juillet-30 octobre 2001.

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2002
786. Berrada, Tarek, Dessins français à sujets musicaux des 17e et 18e siècles dans les collections de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, Mémoire de DEA, Université de Paris IV-Sorbonne, 2002, 2 vol.

787. Castellucio, Stéphane, Les carrousels en France : du XVIe au XVIIIe siècle, Paris, L’insulaire/ Les éditions de l’amateur, 2002.

788. Decomps, Claire, « Les thèmes musicaux dans le décor et le mobilier des églises de Moselle », A quatre temps : la musique en Moselle des origines à nos jours [Cat. d’exp.], Metz, Archives départementales de la Moselle, 2002, 211-226.

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790. Legrand, Raphaëlle, et Nicole Wild, Regards sur l’opéra-comique. Trois siècles de vie théâtrale, Paris, CNRS Editions, 2002.

791. Metz, 2002. A quatre temps : la musique en Moselle des origines à nos jours [Cat. d’exp.], Metz, Archives départementales de la Moselle, 2002.

792. Paris 2002. L’invention du sentiment. Aux sources du romantisme [Cat. d’exp.], Marion Challier et Bernadette Caille (dir.), Paris, Musée de la Musique, 2 avril-30 juin 2002, Paris, Réunion des Musées nationaux, 2002.
Recension :
Florence Gétreau, Music in Art 28 (2004), 244-247.

793. Rougement, Martine de, « Sedaine et les images », Michel-Jean Sedaine (1719-1797) : Theatre, Opera and the Art, David Charlton et Mark Ledbury (dir.), Aldershot, Burlington, Ashgate, 2000, 149-172.

2003
794. Braam, Gunther, The Portraits of Hector Berlioz, Richard Macnutt et John Warrack (dir.), Cassel, Bâle, Londres, New York, Prague, Bärenreiter, 2003, New Edition of the Complete Works, Volume 26. Traduction du texte d’accompagnement par Josée Bégaud. Übersetzung der Begleittexte von Stephanie Wollny.
Recension :
Florence Gétreau, Musique-Images-Instruments 7 (2004), 233-235.

795. Chalon-sur-Saône, 2003. L’art du violon : autour de Pierre Baillot (1771-1842) [Cat. d’exp.], Chalon-sur-Saône, Musée Denon, 2003.

796. Cowen, Pamela, A Fanfare for the Sun King. Unfolding Fans for Louis XIV, Londres, The Fan Museum, in association with Third Millennium Publishing, 2003.

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798. Gétreau, Florence, « Un portrait énigmatique de l’ancienne collection Henry Prunières », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 148-156.

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800. Gross, Guillaume, « La musique dans les vanités de Simon Renard de Saint-André (1614-1677). Une nouvelle vanité de l’artiste. Identification d’un motet de Roland de Lassus », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 177-192.

801. Guidobaldi, Nicoletta, « Inventaire des tableaux à sujets musicaux du musée du Louvre (IV) : la peinture de la Renaissance », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 199-232.

802. Lallement, Nicole, « La musique dans les vanités de Simon Renard de Saint-André (1614-1677). Simon Renard, peintre de vanités », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 167-176.

803. —, « Euterpe, la musique en images : une base de données sur l’iconographie musicale », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 235.

804. Libin, Laurence, « Claude Vignon’s portraits of François Langlois », Musique-Images-Instruments, 5 (2003), 159-166.

805. Milam, Jennifer, « Matronage and the Direction of Sisterhood: Portraits of Madame Adélaïde », Women, Art and the Politics of Identity in Eighteenth-Century, Melissa Hyde et Jennifer Milam (ed.), Aldershot, Ashgate, 2003, 115-138.

806. Montagnier, Jean-Paul, « Réflexions sur ‘Le sacre de Louis XV’ d’Antoine Danchet », Itinéraires musicaux en Lorraine : sources, évènements, compositeurs, Yves Ferraton (dir.), Colloque de Commercy, 2002, Langres, D. Guéniot, 2003, 169-185.

807. Moroney, Davitt, « La musique dans les vanités de Simon Renard de Saint-André (1614-1677). L’allemande mystérieuse de Simon Renard », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 193-198.

808. Musique-Images-Instruments, Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 5. Florence Gétreau (dir.). Musiciens, facteurs et théoriciens à la Renaissance. Paris, CNRS Editions, 2003, 280 p.
Recensions :
Zdravko Blazekovic, Music in Art 27/1-2 (2002), 176 ; Peter Williams, The organ yearbook 32 (2003) 207-208 ; Eric Kocevar, L'Orgue. Bulletin des Amis de l'Orgue 263/3 (2003) 112.

809. Paris, 2003. Berlioz. La voix du romantisme [Cat. d’exp.], Catherine Massip et Cécile Reynaud (dir.), Paris, Editions de la Bibliothèque nationale de France, Fayard, 2003, 264 p. ill.

810. Sheriff, Mary D., « The Cradle is Empty: Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, and the Problem of Intention », Women, Art and the Politics of Identity in Eighteenth-Century, Melissa Hyde et Jennifer Milam (ed.), Aldershot, Ashgate, 2003, 164-187.

811. Slim, Colin, « A composition by Orlando de Lassus in a Vanitas painting attributed to Sébastien Stoskopff », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 49-60.

2004
812. Berrada, Tarek, « Apollon, Pan, Marsyas : quatre dessins français dans les collections de l’Ecole nationale des Beaux-Arts », Musique-Images-Instruments 6 (2004), 199-210.

813. Frantz, Charles Frederick, « ‘Le Décor Symbolique’ : Claude Debussy et Emile Gallé », Music in Art 29/1-2 (2004), 171-187.

814. Gétreau, Florence, « Iconographie de la vihuela », in Aux origines de la guitare : la vihuela da mano, Joël Dugot (dir.), Paris, Cité de la musique, 2004, Les Cahiers du musée de la Musique 5, 1-49.

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818. Istace, Pierre, Les images de la musique, Bruxelles, Editions Labor Dexia, 2004.

819. Lallement, Nicole, « Inventaire des tableaux à sujets musicaux du musée du Louvre (V) : peintures hollandaises et flamandes des XVIIe et XVIIIe siècles », Musique-Images-Instruments 6 (2004), 211-244.

820. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 6. Florence Gétreau (dir.). Ecoles et traditions régionales. 1ère partie. Paris, CNRS Editions, 2004, 280 p.

821. Paris, 2004. Moyen Age entre ordre et désordre [Cat. d’exp.], Martine Clouzot, Christine Laloue, Isabelle Marchesin (dir.), Paris, musée de la Musique, 26 mars-27 juin 2005, Paris, Cité de la Musique, 2005.

822. Santarelli, Cristina, « L’iconographie musicale dans les plateaux d’accouchées florentins de la Renaissance », Musique-Images-Instruments 6 (2004), 189-198.

823. Scherpereel, Joseph, « Les ensembles instrumentaux et vocaux à Lisbonne aux XVIIIe et XIXe siècles », Musique-Images-Instruments 6 (2004), 171-180.
[Estampe de Giovanni Chiari et tableau d’Auguste Roquemont (1804-1852).]

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2005
825. Belly, Marlène, « Chantons les images. Le répertoire chansonnier dans l’imagerie populaire », L’imagerie populaire d’Orléans [Cat. d’exp.], Orléans, 2005, p. 64-73.

826. Berrada, Tarek, « La guitare allemande : un instrument français dans l’œuvre de Pierre-Alexandre Wille », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 173-180.

827. Biasini, Marie Elena, « Saint Vincent Ferrer, the Dominican Apostle: Italian iconography », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 165-172.

828. Brunellière, Julien, « Gaston Fébus et Hardouin de Fontaines-Guérin : deux approches des sonneries de chasse au XIXe siècle », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 149-164.
[Etude sur les représentations figurées de ces deux traités de vénerie.]

829. Dalesme, Chloé, Les tableaux représentant des bals à la Cour dees Valois, Mémoire de Master 1 sous la direction de Maurice Brock, Tours, Université François-Rabelais, Centre d’Etudes supérieures de la Renaissance, 2005.

830. Enquist, Inger, « Music in Folk Art: Swedish Wall Hangings », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 187-196.

831. Fontainebleau, 2005. Théâtre de Cour. Les Spectacles à Fontainebleau au XVIIIe siècle, Fontainebleau, Château, Paris, Réunion des musées nationaux, 2005.

832. Garandeau, Virginie, « Arlequin danseur chez Watteau ? », Annales de l’Association pour le Centre de recherche sur les Arts du Spectacle aux XVIIe et XVIIIe siècles : Arlequin danseur au tournant du XVIIe siècle, Jean-Noël Laurenti (ed.), 2005, 95-99.

833. Gétreau, Florence, « Tambours-bourdons en France au XVIIIe siècle », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 66-85.

834. La Gorce, Jérôme de, Carlo Vigarani intendant des loisirs de Louis XIV, Versailles, Perrin/Château de Versailles, 2005.

835. La Spada, Mariagrazia, « Three musicians painted on an 18th century cupboard from Lombardy », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 181-186.

836. Le Comte, Nathalie, « Arlequin, Arlequine et les personnages de la commedia dell’arte à l’Académie royale de musique dans le premier quart du XVIIIe siècle : distribution et iconographie », Annales de l’Association pour le Centre de recherche sur les Arts du Spectacle aux XVIIe et XVIIIe siècles : Arlequin danseur au tournant du XVIIIe siècle, Jean-Noël Laurenti (ed.), 2005, 104-113.

837. Les représentations de la musique au Moyen Age, Paris, Cité de la musique / musée de la Musique, 2005, 128 p., ill.

838. Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 7. Florence Gétreau (dir.). Les écoles régionales. 2ème partie. Paris, CNRS Editions, 2005, 250 p.

839. Nectoux, Jean-Michel, Harmonie en bleu et or. Debussy, la musique et les arts, Paris, Fayard, 2005.

840. Robin, Vincent, « A propos d’un portrait inédit de musettiste : essai d’identification d’une variante de musette à deux chalumeaux », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 47-66.

2006
841. Christout, Marie-Françoise, Le ballet de cour de Louis XIV. 1643-1672, Paris, Picard, 2006.

842. Gétreau, Florence, « L’iconographie du clavecin en France, 1789-1889 » in Musique ancienne – instruments et imagination / Music of the past – instruments and imagination. Actes des Rencontres Internationales harmoniques / Proceedings of the harmoniques International Congress, Lausanne 2004, Michael Latcham (ed.), Berne, Peter Lang, 2006, 169-191.

843. Ghirardini, Cristina, « Les instruments chinois dans le Gabinetto Armonico (1723) de Filippo Bonanni », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 87-103.

844. Hostiou, Volny, « Le serpent dans les églises françaises : parcours historique et iconograhique », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 139-153.

845. Lallement, Nicole, « Inventaire des tableaux à sujets musicaux du musée du Louvre (VI) : suite et fin », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 189-211.

846. Musique-Images-Instruments. Revue française d’organologie et d’iconographie musicale. Numéro 8. Florence Gétreau (dir.). Les collections d’instruments de musique. 1er partie, Paris, CNRS Editions, 2006, 280 pages.

847. Picard, François, « Joseph-Marie Amiot, jésuite français à Pékin, et le cabinet de curiosités de Bertin », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 69-85.

848. Vernet, Thomas, « Les collections musicales des princes de Conti », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 45-67.








Florence GÉTREAU





Histoire des instruments et représentations de la musique en France

Une mise en perspective disciplinaire dans le contexte international







Tome II

Bibliographie des écrits de F. Gétreau et recueil des principales publications






Thèse d’Habilitation à diriger des recherches (HDR)

Sous la direction du Professeur Guy Gosselin
Tours, Université François-Rabelais
Mars 2006
20/03/2006


BIBLIOGRAPHIE DES ECRITS DE
Florence Gétreau

Présentation chronologique

Ouvrages personnels. p.222
Direction d’ouvrages. p. 222
Articles. 223
Comptes rendus d'ouvrages. p.233


Les références en caractère gras sont présentes dans l’annexe
avec page de titre et sommaire pour les ouvrages, texte complet pour les articles.


OUVRAGES

I. Restauration des instruments de musique, Fribourg, Office du Livre, 1981 (Collection « Découvrir, Conserver, Restaurer », Madeleine Hours, dir.), 130 p., 84 illustrations, 22 schémas.

II. Aux origines du Musée de la Musique : les collections instrumentales du Conservatoire de Paris. 1793-1993, Paris, Klincksieck/Réunion des Musées Nationaux, 1996 (Collection « Domaine Musicologique, François Lesure, dir.), 800 p., 120 illustrations.



DIRECTION D'OUVRAGES


I. Musiques anciennes. Instruments et partitions donnés à l'Etat en paiement de droits de succession, [Cat. d’exp.] Paris, Bibliothèque nationale, 1980, en collaboration avec François Lesure, Catherine Massip et Josiane Bran-Ricci, Préface du ministre et 19 notices, 5-6, 45-50, 52-56, 58-59, 64-65, 105-107.

II Clavecin Goujon-Swanen, Paris, vers 1749-1784, en collaboration avec Michel Robin et Pierre Abondance, Paris, Société des Amis du Musée instrumental, 1982, 48

III. Un musée aujourd'hui. Des facteurs d'instruments de musique, en collaboration avec Michel Robin, Paris, Maison de Radio France, 17-18 novembre 1984. 34 p.

IV. La facture instrumentale européenne : suprématies nationales et enrichissement mutuel, [Cat. d’exp.], Paris, Société des Amis du Musée Instrumental, 1985, 248 p.

V. Instrumentistes et luthiers parisiens. XVIIe-XIXe siècles, [Cat. d’exp.], Paris, Délégation à l'Action Artistique de la Ville de Paris, 1988, 254 p.

VI. Musée Instrumental du CNSM de Paris. Inventaire descriptif des flûtes traversières, en collaboration avec François Arné, Catherine Homo-Lechner, Claire Soubeyran et Pierre Séchet, Paris, Société des Amis du Musée instrumental, 1989, 60 p.

VII. Innovations et traditions dans la vie musicale française au XIXe siècle, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 1. Paris, Klincksieck, 1995, 227

VIII. Aspects de la vie musicale au XVIIe siècle, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 2. Paris, Klincksieck, 1997, 293

IX. Musiciens des rues de Paris, [Cat. d’exp.], Paris, Editions de la Réunion des Musées Nationaux, 1997, 142

X. Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité au XVIIIe siècle. 1ère partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 3. Paris, Klincksieck, 1998, 248

XI. Musiques dans la rue, numéro spécial d'Ethnologie française, en collaboration avec Eliane Daphy, 1999/1.

XII. Souffler, c'est jouer : chabretaires et cornemuses à miroirs en Limousin, [Cat. d’exp.], en collaboration avec Eric Montbel, Paris, Mnatp, Editions Modal/Famdt, 1999, 158

XIII. Nouveaux timbres, nouvelle sensibilité au XVIIIe siècle. 2ème partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 4. Paris, Klincksieck, 2000, 228

XIV. Instruments pour demain. Conservation & restauration des instruments de musique. 9èmes journées d’étude de la Section française de l’Institut international de conservation, en collaboration avec Laurent Espié et Marcel Stefanaggi, Limoges, 15-16 juin 2000, Champs-sur-Marne, SFICC, 2000, 229 p.

XV. Musiciens, facteurs et théoriciens de la Renaissance, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 5. Paris, CNRS Editions, 2003, 280

XVI. Ecoles et traditions régionales. 1ère partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 6. CNRS Editions, 2004, 280

XVII. Ecoles et traditions régionales. 2ème partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 7. CNRS Editions, 2005, 250 p.

XVIII. Les collections d’instruments de musique, 1re partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 8. CNRS Editions, 2006, 250 p.


ARTICLES

1. « Jalons pour une histoire de la facture instrumentale en France », La facture instrumentale française [Cat. d’exp.], Pékin, Shanghai, 1979.

2. « Les frères Erard : essai de chronologie » et catalogue des œuvres présentées, Erard : du clavecin mécanique au piano en forme de clavecin [Cat. d’exp.], Florence Gétreau et Michel Robin (dir.), Paris, Musée Instrumental, 1979, 5-18 ; 28-65.

3. « La décoration des clavecins », Le clavecin [Cat. d’exp.], Paris, Centre Georges Pompidou, BPI, 1979, 11-16.

4. « Le Musée Instrumental du Conservatoire National Supérieur de Musique », Musées et Collections Publiques de France 3 (1979), 93-95.

5. « Le Musée Instrumental du Conservatoire National Supérieur de Musique », Revue Internationale de Musique Française, 1980, I, 110-118.

6. « Les instruments de musique dans les collections publiques françaises », La Revue des Métiers d'Art, 1980, I, 17-27.

7. « Catalogue sommaire des guitares du Musée Instrumental », Guitares. Chefs d'œuvre des collections de France, Paris, La Flûte de Pan, 1980, 307-320.

8. En collaboration avec Pierre Abondance : « A propos d'une guitare du XVIIe siècle: réflexions sur la conservation », Guitares. Chefs d'œuvre des collections de France, Paris, La Flûte de Pan, 1980, 237-261.

9. 200 articles sur les instruments à cordes et les facteurs d'instruments, Nouveau Grand Larousse Encyclopédique, Paris, 1980-1984.

10. « La restauration des instruments de musique », Le Courrier du CNRS 38 (1980), 28-37.

11. « Les Hotteterre et la facture des instruments à vent », « Le Musée Instrumental de la Couture-Boussey », Tourneurs sur bois et manufactures d'instruments à vent en Haute-Normandie [Cat. d’exp.], 1980, 18-19 ; 31-33. Article réédité dans Musiciens et musique en Normandie 6 (1981)5-7.

12. En collaboration avec France Drilhon, « L'âme des instruments de musique. La guitare de Mademoiselle de Nantes, fille de Louis XIV », La vie mystérieuse des chefs-d’œuvre. La science au service de l'art [Cat. d’exp.], Madeleine Hours (dir), Paris, Grand Palais, 1980, 188-190.

13. « Les instruments à cordes », Les instruments de musique. 1750-1800 [Cat. d’exp.], Saintes, Musée des Beaux-Arts, 1982, 92-115.

14. « Nadia Boulanger au futur Musée de la Musique », La Revue Musicale 2 (1982), 93-94.

15. « Le décor du clavecin Goujon-Swanen », Notice organologique du clavecin Goujon-Swanen, Paris, Société des Amis du Musée Instrumental, 1982.

16. « L'instrument de musique comme objet de collection », La demeure historique 66 (1982), 11-15.

17. « Instruments domestiques et musiques cosmiques », L'Oreille oubliée [Cat. d’exp.], Paris, Centre Georges Pompidou, Centre de Création Industrielle, 1982, 92-93.

18. 23 articles (Bertrand, Blanchet, Bocquay, clavecin, crotales, contrebasse, Corrette, Donzelague, genouillères, Guersan, Hemsch, Le Blanc, portraits de Rameau, quinte, ravalement, renversement, tambour voilé, tambourin de Basque, tambourin de Provence, timbales, viole de gambe, violon, violoncelle" pour Rameau de A à Z, Philippe Beaussant (dir.), Paris, Fayard, 1983, 59, 94, 103, 99, 101, 127, 163, 166, 173, 200, 274, 283, 289, 291, 316, 317, 332, 350, 351.

19. « Les instruments de musique dans les collections publiques françaises non spécialisées », La vie musicale au temps des Puys [Cat. d’exp.], Véronique Alémany-Dessaint (dir.), Amiens, Musée des Beaux-Arts, 1983, 71-74.

20. « La collection de luths du Musée Instrumental : caractères, formation, développement », Luth et Musique ancienne 16-17 (1983), 19-21.

21. « Dialogue sur le coloris » ; « Luthiers, faiseurs d'instruments à vent et facteurs de clavecins à Paris. 1700-1770 », et 21 notices, Rameau. Le coloris instrumental [Cat. d’exp.], Josiane Bran-Ricci (dir.), Paris, Société des Amis du Musée Instrumental, 1983, 13-14 ; 25-34 ; 67-68, 72-73, 75, 81, 96-100, 103-106, 108-111, 115-117.

22. « Piano à queue, Pleyel, Paris, 1839 [dit de Chopin] », Chopin [Cat. d’exp.], Paris, Trianon du parc de Bagatelle, Délégation à l’action artistique de la ville de Paris, Société Chopin, 1983, 23, n° 43.

23. « Les sources de l'étude organologique », en collaboration avec Josiane Bran-Ricci, Précis de Musicologie, Jacques Chailley (dir.), Paris, Presses Universitaires de France, 1984, 454-456.

24. « La liuteria nelle collezioni pubbliche francese non specializzate », Liuteria 11 (1984), 28-37.

25. « Notices d'iconographie musicale », Petit Journal de l'exposition Musée Instrumental. Acquisitions récentes. 1982-1984, Paris, 21 nov. 1983 - 23 février 1984, n.p.

26. « Watteau et la musique », Watteau. 1684-1721 [Cat. d’exp.], Margaret Morgan Grasselli et Pierre Rosenberg (dir.), Paris, Grand Palais, 1984, 529-543 (traduction américaine, Washington, National Gallery, 1984, 527-545 ; traduction allemande, Berlin, Schloss Charlottenburg, 1985, 533-552).

27. « Patrimoine instrumental et interprétation historique », Les goûts réunis (mars 1985), 20-23.

28. « L'accord des nations » ; « L'atelier de Nicolas Hotteterre » ; « Allégorie et symboles dans le décor du clavecin Ruckers-Taskin » ; « Les Erard. L'inventeur et l'entreprise familiale », et notices, La facture instrumentale européenne : suprématies nationales et enrichissement mutuel [Cat. d’exp.], Florence Gétreau (dir.), Paris, Société des Amis du Musée Instrumental, 1985, 9-12 ; 95-98 ;108-110 ; 153-161.

29. « The Lute collection of the Paris Museum of Musical Instruments: its character, formation and development », Journal of the Lute Society of America 17-18 (1984-85), 50-52.

30. « Le patrimoine instrumental, le musicien et le facteur d'instruments de musique », Rencontres internationales pour la protection du patrimoine culturel, Avignon, 1986, 236-247.

31. « Préface », Marie-Christine et Jean-FrançoisWeber, J.K. Mercken. Premier facteur parisien de forte-piano, Paris, La Flûte de Pan, 1986, 7-13.

32. En collaboration avec Robert Barclay, Friedemann Hellwig, Cary Karp, Jeannine Lambrechts-Douillez, « Recommandations pour réglementer l'accès aux instruments de musique dans les collections publiques », Nouvelles de l'ICOM, Bulletin du Conseil International des Musées 39/3 (1986), 5-8.

33. « La viole et ses virtuoses au temps de Lully » ; « Une dynastie de facteurs de guitare : Les Voboam » ; et notices, Lully. Musicien soleil [Cat. d’exp.], Jérôme de La Gorce, Herbert Schneider, François Arné (dir.), Versailles 1987, 85-88 ; 94-97.

34. « Contribution à l'histoire de la conservation en France », Actes du colloque international de Venise Per una carta europea del restauro. Conservazione, Restauro e riuso degli strumenti musicali antichi, Elena Ferrari Barassi et Marinella Laini (ed), Florence, Leo S. Olschki Editore, 1987, 255-267.

35. « Watteau et la musique : réalité et interprétation » , Actes du colloque international Antoine Watteau (1684-1721). Le peintre, son temps et sa légende, François Moureau et Margaret Morgan Grasselli (dir.), Paris-Genève, Champion-Slatkine, 1987, 235-246.

36. « Watteau et sa génération : contribution à la chronologie et à l'identification de deux instruments pastoraux », Actes du colloque international de Paris De l'Image à l'Objet. La méthode critique en iconographie musicale, Jacques Thuillier (dir.), Imago Musicae, IV, 1987, 299-314.

37. « Instrumentistes et luthiers parisiens » ; « René, Alexandre et Jean Voboam : des facteurs pour La Guitarre Royalle » ; « L'apogée de la basse de viole en France » ; « Carmontelle et la société musicienne de son temps » ; « Le Musée musical de Dantan Jeune » ; « Ingres musicien » ; et 154 notices, Instrumentistes et luthiers parisiens. XVIIe-XIXe siècle [Cat. d’exp.], Florence Gétreau (dir.), Paris, Délégation artistique de la Ville de Paris, 1988, 11-16 ; 51-74 ; 75-82 ; 106 ; 224 ; 230, 232, 234.

38. « Le Museum, section de musique : une utopie révolutionnaire et sa descendance », Orphée Phrygien. Les musiques de la Révolution, Jean Rémy Julien et Jean-Claude Klein (dir.), Paris, Editions Du May / Revue Vibration, 1989, 217-231.

39. « La Commission temporaire des Arts section de Musique : naissance et diffusion d'un modèle de Musée Instrumental », Actes du colloque de la Sorbonne, L'image de la révolution française, Michel Vovelle (dir.), Pergamon Press, 1989, t. III, 2107-2114.

40. « Le Centre d'Etude, de Recherche et de Documentation Organologique du Musée Instrumental », Revue Internationale de Musique Française 29 (1989), 117-120.

41. « La collection Hel. Sa place dans l'histoire des collections d'instruments de musique en France (1850-1930) », et 40 notices, La collection Hel. Instruments de musique anciens réunis par deux luthiers lillois [Cat. d’exp.], Aude Cordonnier et Florence Gétreau (dir.), Lille, Musée de l'Hospice Comtesse, 1989, 11-16 ; 34-36 ; 38, 41, 42-43, 45-48, 55-59, 64-71, 82-86, 88-89, 92.

42. 5 articles (Instruments de musique, Clavecin, Luth, Violes, Violon) pour le Dictionnaire du Grand Siècle, François Bluche (dir.), Paris, Fayard, 1990, 333, 920, 1069-1070, 1611.

43. « Musiques de circonstances. Musiques et instruments : les commandes officielles », et notices 90-93, Napoléon aux Invalides [Cat. d’exp.], Jean-Marcel Humbert (dir.), Paris, Musée de l'Armée, 1990-1991, 73-77, 170.

44. « Situation du clavecin ancien en France. Description du champ patrimonial existant », Actes des Troisièmes journées nationales de l'Orgue, St Brieuc, 27 septembre-1er octobre 1989, ADDM, Côtes d'Armor, 1991, 131-151.

45. « Les instruments de musique et l'activité des facteurs à Paris entre 1760 et 1780 », et 22 notices, Mozart à Paris [Cat. d’exp.], Nicole Salinger (dir.), Paris, Musée Carnavalet, novembre 1991-février 1992, 41-45 ; 65, 81, 105, 120-122, 128-129, 132, 142, 144.

46. « La musique », Les Noces de Cana de Véronèse : une oeuvre et sa restauration [Cat. d’exp.], Jean Habert et Nathalie Volle (dir.), Paris, Réunion des Musées Nationaux, 1992, 239-255.

47. 28 articles (Barbey, Bongars, Borjon de Scellery, Bourdon, Castagnettes, Collections d'insturments de musique, Collichon, Contrebasse, Cornemuse, Cymbales, Diapason, Dumesnil, Feury, Lutherie, Méthode pour la musette, Musette, Pochette, Sourdeline, Tambour, Tambourin, Tibaut, Timbale, Traité de la musette, Traité des instruments de musique, Trichet, Tympanon, Vielle à roue, Watteau) pour le Dictionnaire de la musique en France. XVIIe-XVIIIe siècles, Marcelle Benoit (dir.), Paris, Fayard, 1992, 52, 80, 82, 83, 114, 164, 165, 178, 181, 196, 234, 252, 291, 422, 463, 487, 565, 649, 659, 679, 686, 688, 692, 712, 732.

48. « Le laboratoire d'organologie et d'iconographie musicale », Culture et recherche 39 (1992), 6-8.

49. « Le Cabinet d'instruments du Conservatoire de Musique et le débat sur le Museum des arts et des sciences », Actes du colloque international Musique, histoire, démocratie, Paris, Musée national des Arts et Traditions populaires, Antoine Hennion (dir.), 1989, Paris, Maison des Sciences de l'Homme / Vibration, 1993, t. 3, 581-594.

50. « Gustave Chouquet, Léon Pillaut et l'unique catalogue du Musée Instrumental du Conservatoire de Musique de Paris », introduction (et index cumulatif) à la réédition en fac-similé du Catalogue raisonné du Musée du Conservatoire, Paris, 1884, 1894, 1903, Genève, Minkoff, 1993, 5-20 ; 495-530.

51. « Restaurer l'instrument de musique : l'objet sonore et le document sont-ils conciliables ? », Actes du colloque international Restaurierunggeschichte II. Theorie-Praxis-Dilemna, Bâle, novembre 1991, Geschichte der Restaurierung in Europa II, Monica Bilfinger, Yvonne Boerlin, Christian Marty, Ulrich Schiessl (dir.), Worms, Wernersche Verlagsgesellschaft, II. 1993, 145-153.

52. « Le Musée de la Musique et la profession », La lutherie du quatuor en France. Journées professionnelles de la lutherie, Philippe Bachmann (dir.), Paris, Cité de la Musique, 1993, 223-227.

53. « La collection des cuivres au Musée de la Musique de Paris », Science et Technologie de la Conservation et de la Restauration des œuvres et du patrimoine 3 (1993), 53-54.

54. « Y a-t-il un état original de l'instrument ? », in Du baroque à l'époque contemporaine. Aspects des instruments à archet, Actes du colloque Les instruments à archet du baroque à l'époque contemporaine, Anne Penesco (dir.), Paris, Sorbonne, 1991, Observatoire Musical Français, Paris, Librairie Honoré Champion, 1993, 27-41.

55. « La recherche en organologie. Les instruments de musique occidentaux. 1960-1992 », Revue de Musicologie 79 (1993), avec la collaboration de Joël Dugot, Karel Moens, Manfred Hermann Schmid, Howard Schott, 12-74.

56. « Le concert instrumental des Noces de Cana de Véronèse : interrogations pour une lecture méthodique », Actes du congrès international de la Société Internationale de Musicologie, Mediterranean Musical Cultures and their ramifications, Madrid, 1992, Revista de Musicologia XVI/2, (1993), 985-988.

57. « Collectionneurs d'instruments anciens et ensembles de musique ancienne en France (1850-1950) », Actes du colloque international d'iconographie musicale Musikkultur im Spiegel der bildenden Kunst, Hambourg, Août 1991, in Jahrbuch für Musikwissenschaft 12. Musikalische Ikonographie, Harald Heckmann, Monika Holl et Hans Joachim Marx (dir.), Laaber, Laaber Verlag, 1994, 73-82.

58. Les Dessins français de la collection Chennevières [Cat. d’exp.], Institut de France, Musée Jacquemart-André, Paris, 1994, 5-24.

59. « La collection de tableaux et dessins français d'Edouard André et Nélie Jacquemart », Gazette des Beaux-Arts, Numéro spécial sur le musée Jacquemart-André, Février75 (1995), 177-190.

60. « Orphée et les instruments de musique dans l'Occident moderne », Les métamorphoses d'Orphée [Cat. d’exp.], Catherine Camboulives et Michèle Lavallée (dir.), Tourcoing, Strasbourg, Ixelles, 1995, 95-103.

61. « Images du patrimoine : collectionneurs d'instruments anciens et ensembles de musique ancienne en France (1850-1950) », « Une harpiste au Concert Spirituel : Mademoiselle Schenker en 1765 », « Berlioz et Paganini : un double hommage », « Le laboratoire d'organologie et d'iconographie musicale du CNRS », « Journées d'étude pour la documentation en iconographie musicale », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 34-47 ; 178-181 ; 182-186 ; 191-192 ; 192.

62. En collaboration avec Anne-Noëlle Bouton, « Un portrait d'Hélène de Montgeroult dans l'ancienne collection d'A. de Mirimonde », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 68-75.

63. « L'instrument de musique comme objet de patrimoine : quels objectifs de restauration ? », Conservation-Restauration-Technologie, C. Périer-D'Ieteren et A. Godfrind-Bron (dir.), Université Libre de Bruxelles, 1994-1995, 57-75.

64. « Les instruments reflets de l'histoire du goût », Musiques et musiciens au faubourg Saint-Germain [Cat. d’exp.], Jean Gallois (dir.), Paris, 1996, Institut Culturel néerlandais, 50-65.

65. « Un cabinet d'instruments pour l'instruction publique : faillite du projet, ouverture du débat », Le Conservatoire de Paris. : des Menus-Plaisirs à La Cité de la Musique, Yves Gérard et Anne Bongrain (dir.), Paris, Buchet-Chastel, 1996, 133-150.

66. « Les belles vielleuses au siècle de Louis XV : peinture d'une mode triomphante », Vielle à roue, territoires illimités, Pierre Imbert (dir.), FAMDT Editions, collection Modal, 1996, 96-109.

67. « Entre l'oral et l'écrit. Pratique, transmission et théorie du métier de facteur d'instruments de musique », Ethnologie française, 1996/3, 504-519.

68. Notices, Watteau et son cercle dans les collections de l'Institut de France [Cat. d’exp.], Chantilly, musée Condé, Le Musée Condé, n° 51, octobre 1996, 28, n° 21 ; 32-34, n° 32 à 36 ; 35, n° 37.

69. « Acquisitions. Paris, Musée national des Arts et Traditions populaires », Revue du Louvre. La Revue des musées de France, 2-1996, 104-105, n° 53.

70. Article « Instruments de musique » pour le Dictionnaire européen des Lumières, Michel Delon (dir.), Paris, Presses Universitaires de France, 1997, 592-594.

71. En collaboration avec Denis Herlin, « Portraits de clavecins et de clavecinistes français », Musique-Images-Instruments 2 (1997), 88-114.

72. « La dynastie des Voboam : nouvelles propositions », « Vincent Tibaut de Toulouse, ébéniste et facteur de clavecins : données biographiques », Musique-Images-Instruments 2 (1997) 185-195 ; 196-202.

« Introduction », « Concerts ambulants : portrait de quelques célébrités en plein vent », et 400 notices, Les musiciens des rues de Paris [Cat. d’exp.], Florence Gétreau (dir.), Paris, Réunion des musées nationaux, 1997, 13-15 ; 41-47 ; 112-133.

« Alte Instrumente im Frankreich des 19. Jahrhunderts. Die Rolle des Conservatoire und private Initiativen », Basler Jahrbuch für Historische Musikpraxis, 21 (1997), 181-213.

75. « Französische Bögen im 17. und 18. Jahrhundert. Dokumente und ikonograpfische Quellen », Der Streichbogen. Entwicklung-Herstellung-Funktion, Günter Fleischhauer, Monika Lustig, Wolfgang Ruf, Frieder Zschoch (dir.), Michaelstein, 1998, Michaelsteiner Konferenzberichte Band 54, 21-36.

76. « La vogue des clavecins anversois en France. XVIIe et XVIIIe siècles », Hans Ruckers († 1598). Stichter van een klavecimbelatelier van wereldformaat in Antwerpen, Jeannine Lambrecht-Douillez (dir.), Peer, Alamire, 1998, 65-75.

77. « Le marché de la lutherie à l'époque de Vuillaume : quelques éléments d'approche », [Cat. d’exp.] Violons, Vuillaume. 1798-1875. Un maître luthier français du XIXe siècle, Jeanne Villeneuve, Emmanuel Jaeger (dir.), Paris, Musée de la Musique, 1998, 110-121.

78. En collaboration avec Denis Herlin, « Portraits de clavecins et de clavecinistes français. II », Musique-Images-Instruments 3 (1998), 64-88.

79. « L'iconographie musicale dans l'exposition Musiciens des rues de Paris », « Barry Brook », Musiques-Images-Instruments 3(1998, 225-226 ; 227.

80. « The fashion for Flemish harpsichords in France: a new appreciation », Kielinstrumente aus der Werkstatt Ruckers - zu Konzeption, Bauweise und Ravalement sowie Restaurierung und Konservierung : Bericht über die Internationale Konferenz vom 13-15. September 1996 im Händel-Haus Halle, Christiane Rieche (dir.), Halle an der Saale, Händel-Haus, 1998, 114-135.

81. « Street musicians of Paris: evolution of an image », Music in Art, International Journal for Music Iconography, XXIII/1-2 (1998), 62-78.

82. En collaboration avec Eliane Daphy, « Musiciens des rues-musiques dans la rue », Ethnologie française, numéro spécial ‘Musiques dans la rue’1999/1, 8-10.

83. « Introduction » ; « Traces du baroque - Visions en abîme », [Cat. d’exp.] Souffler, c'est jouer : chabretaires et cornemuses à miroirs en Limousin, Florence Gétreau, Eric Montbel (dir.), Paris, Editions FAMDT/ Modal Etudes, 1999, 11 ; 21-34.

84. « Musikinstrumente in allegorischen Darstellungen des 17. Jahrhunderts », [Cat. d’exp.] Für Aug' und Ohr. Musik in Kunst- und Wunderkammern, Wilfried Seipel (dir.), Kunsthistorisches Museum Wien/Skira, 1999, 20-29.

85. « Acquisitions. Paris, Musée national des Arts et Traditions populaires », Revue du Louvre. La Revue des musées de France 3 (1999), 107-108, n° 58, 59, 60, 61.

86. « Regional schools of Instrument-Making in France: Their Representation in Public Collections », Actes des journées d'étude Regional Traditions in Instrument Making: Challenges to the Museum Community. CIMCIM Publications N° 4, Martin Elste, Eszter Fontana, John Koster (dir.), Leipzig/Halle, 1999, 35-44.

87. « Rendre le Mnatp à la société de son temps », Actes du colloque Réinventer un musée. Le musée national des Arts et traditions populaires, centre d'ethnologie française, 25-26 mars 1997, Michel Colardelle, Colette Foissey (dir.), Paris, Mnatp/Ecole du Louvre, 1999, 124-125.

88. « Les archets français aux XVIIe et XVIIIe siècles : quelques repères iconographiques », Musique-Images-Instruments 4 (1999), 124-138.

89. « Concerts et assemblées avec luthiste : un genre ‘à la française’ et ses variantes », Actes du colloque Luths et luthistes en Occident, Paris, Cité de la musique, 13-15 mai 1998, Paris, Cité de la musique, 1999, 295-304.

90. « Les musiciens des Boulevards », [Cat. d’exp.] Les grands boulevards, Bernard Landau, Claire Monod et Evelyne Lohr (dir.), Paris, Action artistique de la ville de Paris, 2000, 146-149.

91. « Les clavecins de François Couperin », François Couperin (1668-1733), textes réunis par Catherine Cessac, Versailles, CMVB/EPV, 2000, 155-161.

92. « A la recherche du portrait de Monsieur Rindvel jouant de la viole », Actes du colloque international Strumenti, Musica e Ricerca, Atti del Convegno internazionale. Cremona 28-29 ottobre 1994, Elena Ferrari Barrassi, Marco Fracassi, Gianpaolo Gregori (dir.), Crémone, Ente triennale internazionale degli strumenti ad arco, 2000, 203-224.

93. « Matière et musique : quelques réflexions des premiers organologues de langue française », Matière et musique. The Cluny Encounter. Proceedings of the European Encounter on Instrument Making and Restoration. Actes de la rencontre européenne autour de la facture instrumentale. Akten van het Europeen Congres over instrumentenbouw en –restauratie (Cluny 1999), Claire Chevallier, Jos van Immerseel (ed), Peer, Alamire, Labo 19, 2000, 19-33 ; traduction en flamand 34-47.

94. « L'homme-orchestre : deux siècles de tradition française », Revue du Louvre. La revue des musées de France 5 (2000), 67-77.

95. Articles « Blanchet, Clapisson, Chouquet, Comettant», Die Musik in Geschichte und Gegenwart, MGG, Ludwig Finscher (ed.) ; Cassel, Bärenreiter, Stuttgart, Metzler, 2000, Personenteil 3, col. 38-39 ; Personenteil 4, col. 1017-1018, 1177-1179, 1433-1434.

96. Articles « Mustel, Trichet, Voboam », The New Grove Dictionary of Music and Musicians, Second edition, Laura Macy (ed), Londres, Macmillan, 2001, vol.17, 557; 25, 727 ; 26, 853-854.

97. « Le patrimoine musical de deux musées parisiens » , La vie musicale sous Vichy, Myriam Chimènes (dir.), Paris, Editions Complexe, Institut d’Histoire du Temps Présent/CNRS, 2001, 183-199.

98. « Vingt ans d’enrichissement pour un nouveau musée (1980-2000) » ; « XVIIe-XVIIIe siècles. Témoignages de la haute société» ; 6 notices d’œuvre, [Cat. d’exp.] Un musée aux rayons X. Dix ans de recherche au service de la musique, Joël Dugot, Laurent Espié (dir.), Paris, Musée de la Musique, 2001, 37-52 ; 102-105 ; 106-107 ; 108-111 ; 130-133 ; 134-135 ; 148-149 ; 152-155.

99. « Instrumentenkabinette in Frankreich zur Zeit der Bourbonenkönige », Musica instrumentalis. Zeitschrift für Organologie, Band 3, Nuremberg, Germanisches Nationalmuseum, 2001, 61-73.

100. « Acquisitions. Paris, Musée national des Arts et Traditions populaires », Revue du Louvre. La Revue des musées de France 2 (2001), 104.

101. « L'image du faiseur d'instruments de musique à la Renaissance », Actes des journées d'étude Les images de la musique à la Renaissance, Tours, Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance, 25-26 octobre 1996, Imago Musicae 16-17 (1999/2000) [2001], 117-136.

102. Article «Debain», Die Musik in Geschichte und Gegenwart, MGG, Ludwig Finscher (ed.), Cassel, Bärenreiter., Stuttgart, Metzler, 2001, Personenteil 5, col. 560-561.

103. « The Conservation of acoustical specifications : a long ignorance in public collections of ancient instruments », 17th International Congress on Acoustics Proceedings, Session Acoustics in the restoration of ancient musical instruments, Rome, Brüel & Kjaer, 2001, CD Rom vol. IV.

104. Article « Erard », Die Musik in Geschichte und Gegenwart, MGG, Ludwig Finscher (ed.), Cassel, Bärenreiter, Stuttgart, Metzler, 2001, Personenteil 6, col. 391-396.

105. « La rue parisienne comme espace musical réglementé (XVIIe-XXe siècle) », Actes du colloque de Montréal Musiques dans la rue, 13-15 octobre 2000, Les cahiers de la société québécoise de recherche en musique 5/1-2 (2001), Rumeurs urbaines, 11-23.

106. Article « Gétreau », Die Musik in Geschichte und Gegenwart, MGG, Ludwig Finscher (ed.), Cassel, Bärenreiter, Stuttgart, Metzler, 2002, Personenteil 7, col. 847.

107. « Les archets français aux XVIIe et XVIIIe siècles. Documents et sources iconographiques », 3èmes rencontres de Mirecourt, 8-9 mai 2002, Mirecourt, Les Amis du Musée de la Lutherie et de l ’Archèterie française, 2002, 25-34.

108. « La chanson de colportage éditée hors de Troyes dans les collections du Musée national des Arts et Traditions populaires : une esquisse », Chansons de colportage, Textes réunis par Marie-Dominique Leclerc et Alain Robert, Reims, 2002, 78-91.

109. En collaboration avec Laurent Aubert, « Rencontres. Musiques à écouter, musiques à voir : la musique dans les musées de société. Compte rendu des Journées d’Etude de la Société française d’ethnomusicologie. Carry-le-Rouet. 24-26 mai 2002. Synthèse et perspectives », Cahiers de musiques traditionnelles, vol. 15, 2003, 237-241 ; Musées et collections publiques de France, 232 (2001/2), 55-60.

110. « A François Lesure » ; « Un portrait énigmatique de l’ancienne collection Henry Prunières », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 5-7 ; 148-156.

111. « Mirecourt et la facture instrumentale : dix questions pour un musée », [Cat. d’exp.] Lutherie de fortune. Fortune de lutherie, Mirecourt, Musée de la lutherie et de l’archèterie françaises, 2003, 23-26.

112. 35 articles (Archetier, Blanchet, Bricqueville, Chromamètre, Clapisson, claviharpe, collectionneurs d’instruments de musique, Coussemaker, Dedenis, éolicorde, Hamy, harpe éolienne, iconographie musicale, Jacquot, Jomard, Kastner, La Fage, Lacôte, Laprévotte, Lombardon-Montézan, Lot, Musée Instrumental, musiciens des rues, octobasse, Pierre, Pontécoulant, Roller et Blanchet, Savoye, Schoelcher, Sibire, Silvestre, Tagore, Weckerlin, pour le Dictionnaire de la musique en France au XIXe siècle, Joël-Marie Fauquet (dir.), Paris, Fayard, 2003, 55, 150, 181, 273-274, 280-281, 284-285, 291, 329, 365, 428, 562, 578, 608, 629, 637, 646, 655-656, 665, 711, 713, 831, 833-834, 879, 976-977, 988, 1079, 1126, 1131-1132, 1147, 1150, 1197, 1312-1313.

113. 11 articles (« Alexandre, Boehm, Boisselot, Erard, Exposition universelle de 1855. Les instruments de musique, Expositions universelles, Musée Instrumental, Notices sur les orgues Pleyel Camille, Sax, Vuillaume »), pour le Dictionnaire Berlioz, Pierre Citron, Cécile Reynaud (dir.), Paris, Fayard, 2003, 19-20, 79-80, 81, 173-174, 183-184, 364, 382, 429, 499-500, 586-587.

114. En collaboration avec Michel Colardelle, « Les musiques traditionnelles au Musée national des Arts et Traditions populaires et au futur Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée », Cahiers de musiques traditionnelles, 16, Musiques à voir, 2003, 43-58.

115. « Le son dans l’exposition Musiciens des rues de Paris », Cahiers de musique traditionnelle 16, Musiques à voir (2003), 123-136.

116. « Des claviers au son fort et prolongé, expressif et timbré », Avant-propos aux Actes des Rencontres internationales Harmoniques, Lausanne, avril 2002, Berne, Peter Lang, 2004, 9-12.

117. « L’iconographie musicale : définition, constitution de corpus et outils d'exploitation », A portée de notes. Musiques et mémoire. Colloque de Grenoble. 14-15 octobre 2003, ARALD, FFCB, Bibliothèques municipales de Grenoble, 2004, 87-101.

118. « Music in Art: Iconography as a Source for Music History. New York, 5-8 Novembre 2003 », Musique-Images-Instruments 6 (2004), 248-249.

119. En collaboration avec Michel Colardelle, « Du musée des traditions populaires au musée des Civilisations, France », Nouvelles de l'ICOM, Lettre du Conseil international des musées 57 (2004), Le musée virtuel, 6.

120. « L’iconographie de la vihuela», Aux origines de la guitare : la vihuela da mano, sous la dir. de Joël Dugot, Paris, Les Cahiers du musée de la Musique 5, 2004, 41-49.

121. « Portrait des marquis de Baussan mit einem Pardessus de Viole. Französische Schule des 18. Jahrhunderts. Château de Thoiry (Yvelines), Frankreich », Viola da gamba Mitteilungen 56 (Décembre 2004), 5-6.

122. Notes de programme pour les concerts de la Cité de la Musiquee, Les instruments du musée. Le Salon des Refusés, 2-6 février 2005 : « Le Salon des Refusés », 3-4 ; « L’Autriche, berceau d’instruments rares », 8-11 ; « Armonica de verre, séraphin et musette baroque », 15-18 ; « Une soirée chez les Jacquin », 21-22 ; « Œuvres pour deux pianos jouées sur un piano double », 25-27 ; « Musique de cour et musique d’église pour instruments à vent au XVIIe siècle », 32-35.

122. En collaboration avec J. Dugot, « Citterns in French public collections. Instruments and musical iconography », Gitarre und Zister. Bauweise, Spieltechnik und Geschichte bis 1800. 22. Musikinstrumentenbau-Symposium Michaelstein, 16-18 November 2001, Monika Lustig (Hrg), Stiftung Kloster Michaelstein, Verlag Janos Stekovics, 2005, 51-68.

123. « Tambours-bourdons en France au XVIIIe siècle », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 66-85.

124. « Définir, réunir, conserver, étudier, restituer le patrimoine musical : quelques exemples en France », Il Saggiatore musicale. Rivista semestrale di musicologia, 11 (2004 [paru en 2005], « I beni musicali: verso una definizione », 172-180.

125. « Romantic pianists in Paris: Musical images and musical Literature », Music in Art. International Journal for Music Iconography 29 (2004) [paru en juillet 2005], 188-202.

126. « Paris et la musique, toute une histoire… La rue parisienne comme espace musical », CNRS Thema, n° 7, 2e trimestre 2005 « Paris en scènes », http://2.cnrs.fr/presse/thema/497.htm.

127. « Recent Research about the Voboam Family and Their Guitars », Journal of the American Musical Instrument Society 31 (2005), 5-66.

128. « La méthode de serpent de Jean-Baptiste Métoyen : héritages et évolutions ». Préface à Jean-Baptiste Métoyen, Ouvrage complet pour l’Education du serpent, Benny Sluchin (éd.), Paris, Editions musicales européennes. Brass Urtext, 2006, VII-XII. En collaboration avec Cécile Davy-Rigaux.

129. « L’iconographie du clavecin en France, 1789-1889 », Musique ancienne – instruments et imagination / Music of the past – instruments and imagination. Actes des Rencontres Internationales harmoniques / Proceedings of the harmoniques International Congress, Lausanne 2004, Michael Latcham (Ed.), Bern, Peter Lang, 2006, 169-191.

130. « Quelques cabinets d’instruments en France au temps des rois Bourbons », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 25-44.

Sous presse

131. « Consideration on Keyboard Conservation and Policy for Facsimile in France », Bartolomeo Cristofori : la spinetta ovale del 1690. Incontro di studio per il progetto di restauro, Firenze, Galleria dell’Accademia, 21-22 octobre 2002.

132. « Philippot le Savoyard. Portraits d’un Orphée du Pont-Neuf mêlés de vaudevilles, d’images et de vers burlesques », « L’esprit français » und die Musik Europas. Entstehung, Einflu( und Grenzen einer ästhetischen Doktrin. Festschrift für Herbert Schneider, Michelle Biget-Mainfroy, Rainer Schmuch, (ed.), Hidelsheim, Olms.

133. « The Horn in seventeenth and eighteenth century France: Iconography related to performances and musical works », in Jagd- und Waldhörner. Geschichte und musikalische Nutzung. The Horn - History and Musical Use, 7-9 octobre 2004, Michaelstein, Stiftung Kloster Michaelstein, 25. Musikinstrumentenbau-Symposium.

134. « Recherche et maintien de la tradition musicale populaire en France : positions de principe, méthodes d’observation et réalisation du MNATP », Actes du colloque international Du folklore à l’ethnologie. Institution, musées, idées en France et en Europe de 1936 à 1945, Paris, MNATP, 19-21 mars 2003, Paris, Editions de la Maison des Sciences de l’Homme.

135. « Liszt au piano : portrait de groupe et filiations artistiques », in L’architecte et le maçon. Le compositeur et l’interprète, Michel Noiray (dir.), en collaboration avec Cécile Reynaud.

136. « Ouvert ou fermé : images du piano romantique. 1815-1848 », Actes du colloque Interpréter Chopin, Paris, Cité de la Musique.

137. « Guillaume de Limoges et François Couperin : la Ménestrandise parisienne en question » in Instrument und Musik. Festschrift Jürgen Eppelsheim zum 70. Geburtstag, herausgegeben von Silke Berdux und Bernd Edelmann.

138. « Curt Sachs as a theorist for musical museology », Actes du colloque Music’s Intellectual history: Founders, Followers & Fads, 16-19 mars 2005, New York, The City University of New York, Rilm publications, 2006.

139. « Instrument making in Lyon and Paris around 1600 », Musikalische Aufführungspraxis in nationalen Dialogen des 16. Jahrhunderts: Niederländisches und weltisches Lied von 1480 bis 1640. Instrumentenbauschulen im 16. Jahrhundert, 6-8 mai 2005, Michaelstein, Stiftung Kloster Michaelstein, 26. Musikinstrumentenbau-Symposium.

140. « Les instruments. 200 articles », Guide de la musique de la Renaissance, Françoise Ferrand (dir.), Paris, Fayard, en collaboration avec Catherine Homo-Lechner.



COMPTES RENDUS D'OUVRAGES

1. « Helmut Ottner, Der Wiener Instrumentenbau, 1815-1833, Tützing, 1977 », Revue de Musicologie, 1980, LXVI, 238-239.

2. « [Cat. d’exp.] L'instrument de musique populaire : usages et symboles, Musée des Arts et Traditions Populaires, 1980 », CIMCIM-Newsletter, IX, 1981, 58-60.

3. « Günther Hellwig, Joachim Tielke. Ein Hamburger Lauten-und Violenmacher der Barockzeit, 1980 », Revue Française de Musicologie, 1981, n° 2, 245-247.

4. « Auguste Tolbecque, L'Art du luthier, 1903/Reprint Laffitte, Marseille, 1978 », Revue Française de Musicologie, 1981, n° 2, 249-250.

5. « Malou Haine et Ignace De Keyser. Catalogue des instruments Sax au Musée Instrumental de Bruxelles, 1980 », Revue Française de Musicologie, 1981, n° 2, 249-250.

6. « Dossier Erard, Introduction d'Anik Devries, Reprint Minkof, 1980 », Fontes Ars Musicae, 1982.

7. « La facture de clavecin du XVe au XVIIIe siècle. Actes du colloque de Louvain, 1976, publiés par Philippe Mercier, 1980 », Fontes Ars Musicae, 1982.

8. « Albert Cohen, Music in the French Royal Academy of Sciences, 1981 », Revue Française de Musicologie, 1983, n° 1, 116-117.

9. « Willibald von Lütgendorff / Thomas Drescher, Die Geigen-und Lautenmacher, 1990 », Revue Française de Musicologie, 1991, n° 2, tome 77, 335-337.

10 « Maurice Guis, Thierry Lefrançois, Rémi Venture, Le galoubet-tambourin, instrument traditionnel de Provence, 1993 », Musique-Images-Insruments 1 (1995), 201-205..

11. « Le carnyx et la lyre. Archéologie musicale en Gaule celtique et romaine. [Cat. d’exp.], 1993-1994 », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 209-212.

12. « Sébastien Erard (1752-1831) ou La rencontre avec le pianoforte. [Cat. d’exp.], 1993 », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 212-213.

13. « Thomas Aurelius Belz, Das Instrument der Dame. Bemalte Kielklaviere aus drei Jahrhunderten, 1998 », Musique-Images-Instruments 4 (1999), 201-202.

14. « Gian Casper Bott, Der Klang im Bild. Evaristo Baschenis und die Erfindung des Musikstillebens, 1997 », Musique-Images-Instruments 4 (1999), 202-204.

15. « Bettina Wackernagel, Musikinsrumente des 16. bis 18. Jahrhunderts im Bayerischen Nationalmuseum, 1999 », Musique-Images-Instruments 4 (1999), 21-212.

16. « Cristina Bordas Ibanez, Instrumentos musicales en colecciones españolas, vol. I, Museos de titularidad estatal. Ministerio de educación y cultura, Madrid, Centro de documentación de música y danza, 1999, 382 ill.», Musique-Images-Instruments 5 (2003), 247-250.

17. « Brigitte Bachmann-Geiser, avec des contributions de Hans-Jürg Sommer, Rolphe Fehlmann, Res Margot, Matthias Wetter, Das Alphorn. Vom Lock- zum Rockinstrument, Berne, Stuttgart, Vienne, Verlag Paul Haupt, 1999, 224 ill. », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 245-247.

18. « Evguenia Roubina, Los instrumentos de arco en la Nueva España, México, Conaculta. Fonca, 1999, 244 ill. » Musique-Images-Instruments 5 (2003), 259-260.

19. « Elizabeth Wells (ed.), avec John Budgen, William Debenham, Jenny Nex, Christopher Nobbs and Lance Whitehead, Royal College of Music. Museum of Instruments. Catalogue. Part II. Keyboard Instruments, Londres, Royal College of Music, 2000, 143 ill. », Musique-Images-Instruments 5 (203) 260-261.

20. « Jean-Louis Augé, Luc Charles-Dominique, La musique et les arts figurés en Espagne, Castres, Musée Goya, 23 juin-8 octobre 2000, 168 ill. », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 244-245.

21. « Figures de la passion. Musée de la Musique, Cité de la Musique, Paris (23 October 2001 - 20 January 2002. Exhibition curated by Frédéric Dassas, Emmanuel Coquery, Christine Laloue, Anne Piéjus and Michel Verschaeve; catalogue edited by Emmamnuel Coquery and Anne Piéjus ; preface by Frédéric Dassas (Paris : Réunion des Musées nationaux, 2001), 288 pages. »
« L’invention du sentiment. Aux sources du romantisme. Musée de la Musique, Cité de la Musique, Paris (2 April – 30 June 2002). Exhibition curated by Frédéric Dassas, Dominique de Font-Réaulx and Barthélémy Jobert ; catalogue edited by Marion Challier and Bernadette Caille ; prefaces by Laurent Bayle and Frédéric Dassas (Paris : Réunion des Musées nationaux, 2002), 288 », Music in Art 28 (2004), 244-247.

22. « Gunther Braam, The Portraits of Hector Berlioz, Richard Macnutt et John Warrack (ed.), Cassel, Bâle, Londres, New York, Prague, Bärenreiter, 2003, 401 122 ill. New Edition of the Complete Works, Volume 26. Traduction du texte d’accompagnement par Josée Bégaud. Übersetzung der Begleittexte von Stephanie Wollny, 202 », Musique-Images-Instruments 7 (2005) 233-235.

23. « Bernard Brauchli, Alberto Galazzo, Ivan Moody (ed.), De Clavicordio VI. Proceedings of the VI International clavichord Symposium. Magnano, 10-13 September 2003, Magnano, Musica antica, 2004, 200 ill. », Musique-Images-Instruments 7 (2005) 235-236.

24. “Bettina Wackernagel, Musikinstrumentenverzeichnis des Bayerischen Hofkapelle von 1655. Faksimile, Transkription und Kommentar, Tutzing, Hans Schneider, 2003, 185 ill. », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 219.

25. « Marie Grazia Bernardini (ed.), Il cembalo in marmo per Francesco II d’Este, Modène, Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, Ministero per i beni e le attività Culturali [2005] », Musique-Images-Instruments, n° 8, 2006, 220.

26. “Frederick R. Selch, H. Reynold Butler, The Legacy of Sebastian Virdung. An illustrated catalogue of rare books from the Frederick R. Selch Collection pertaining to the History of Musical Instruments, Foreword & additional commentary by Laurence Libin, New York, The Grolier Club, 2005, 229 ill. », Musique-Images-Instruments 8 (2006), 221.

27. “James R. Cowdery, Zdravko Blazekovic, Barry S. Brook (ed.), Speaking of Music. Music Conferences, 1835-1966, New York, Répertoire international de Littérature musicale, 2004, 740 » Musique-Images-Instruments 8 (2006), 224.

Sous presse

28. Alessandra Fiori, Musica in mostra. Esposizione internazionale di musica (Bologna 1888), Bologna, Clueb, 2004, 221 p., Il Saggiatore musicale, 2006.

COMPTE RENDUS sur des OUVRAGES de Florence Gétreau


Restauration des instruments de musique, Fribourg, Office du Livre, 1981.
1. François Lesure, Bulletin des bibliothèques de France, t. 27, n° 3, mars 1982.
2. Hermann Moeck, Tibia. Magazin für Freunde alter und neuer Bläsermusik, 1/1984.
3. Gianpaolo Gregori, Liuteria, IV, août 1984, 51-52.

La facture instrumentale européenne. Suprématie nationales et enrichissement mutuel, 1985.

1. Norbert Dufourcq, Recherches sur le Musique française classique, t. XXIV, 1986.
2. William Waterhouse, The Galpin Society Journal, t. XLI, 1988, 123.

Instrumentistes et luthiers parisiens. XVIIe-XIXe siècles, 1988.

1. Robert Spencer, Lute News. The Lute Society Newsletter, n° 8, April 1988.
2. [Danièle Pistone], Revue Internationale de Musique Française, n° 26, juin 1988.
3. Hermann Moeck, Tibia. Magazin für Freunde alter und neuer Bläsermusik, 4/1988.
4. Norbert Dufourcq, Recherches sur le Musique française classique, t. XXVI, 1988-90.
5. William Waterhouse, The Galpin Society Journal, t. XLVIII, Mars 1995, 223.
6. Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n° 84, July 1996, 14-15.

La recherche en Organologie ; les instruments de musique occidentaux, 1993.

Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n° 77, Oct. 1994.
2. Arnold Myers, The Galpin Society Journal, t. XLVIII, Mars 1995, 213-214.

Aux origines du musée de la Musique. Les collections instrumentales du Conservatoire de Paris, 1793-1993, 1996.

1. Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n° 87, April 1997, 8-9.
2. Beryl Kenyon de Pascual, The Galpin Society Journal, LI, July 1998, 202-203.
3. André Larson, Journal of the American Musical Instrument Society, XXV, 1999, 133-136.

Musique-Images-Instruments 1. 1995.

1. Beryl Kenyon de Pascual, The Galpin Society Journal, L, March 1997, 251-252.
2. Suzanne Eggleston, Notes. Quarterly Journal of the Music Library Association, vol. 53, n° 4, June 1997, 1233.
3. Robert A. Green, IAMIS. Journal of the American Musical Instrument Society, XXIV, 1998, 146-148.
4. Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.

Musique-Images-Instruments 2. 1996.

Robert A. Green, IAMIS. Journal of the American Musical Instrument Society, XXIV, 1998, 146-148.
2. Charles Mould, The Glapin Society Journal, LII, Avril 1999, 371-372.
3. Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.

Musique-Images-Instruments 3. 1997.

1. Jeremy Montagu,, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n° 94, January 1999, 8-9.
Charles Mould, The Galpin Society Journal, LII, April 1999, 371-372.
Carolyn W. Simons, American Musical Instrument Society. Newsletter. Vol. 29, n° 2. Summer 2000, 25-26.
4. Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.

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1. Marie Barbara Le Gonidec, Cahiers de musiques traditionnelles, n° 11/1998, 268-272.
2. Catherine Choron-Baix, Ethnologie française, 1999/1, 138-140.
3. Antonio Baldassarre, Music in Art, XXIII, n° 1-2, Spring Fall 1998, 101-103.
4. Monique Desroches, Anthropologie et sociétés, vol. 23, n° 3, 1999, 190-192.

Souffler, c'est jouer : chabretaires et cornemuses à miroirs en Limousin, 1999.

1. Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n°97, Oct. 1999, 11.
2. Carmelle Begin, Journal of the American Musical Instrument Society. Vol. XXVII, 2001, 191-195.

Musique-Images-Instruments 4. 1999.

Jeremy Montagu, FoMRHI Quartely. Fellowship of Makers and Researchers of Historical Instruments, n°100, July 2000, 12-13.
2. Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.

Musique-Images-Instruments 5. 2003.

1. Zdravko Blazekovic, Music in Art XXVII/1-2 (2002), 176
2. Peter Williams, The organ yearbook: A journal for the player & historians of keyboard instruments, vol. 32, 2003, 207-208.
3. L'Orgue. Bulletin des Amis de l'Orgue, 2003 - III, n° 263, 112.
4. Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.

Musique-Images-Instruments 6. 2004

Laurent Guillo, Revue de musicologie, 91, 2005, n° 1, 259-264.
Robert A. Green, American Musical Instrument Society - Newsletter, Fall 2005, 12.
3. Desmond Hosford, Music in Art. International Journal for Music Iconography, XXX/1-2, Spring-Fall 2005, p . 233-234.

Musique-Images-Instruments 7. 2005

Robert A. Green, American Musical Instrument Society - Newsletter, Fall 2005, 12.
Jean-Marc Warszawski, Musicologie.org/publirem/jmw_mii_07.html
3. Desmond Hosford, Music in Art. International Journal for Music Iconography, XXX/1-2, Spring-Fall 2005, p . 233-234.








 Florence Gétreau, Les Dessins français de la collection Chennevières, catalogue d'exposition, Institut de France, Musée Jacquemart-André, Paris, 1994 ; « La collection de tableaux et dessins français d'Edouard André et Nélie Jacquemart », Gazette des Beaux-Arts, Numéro spécial sur le Musée Jacquemart-André, Février 1995, t. CXXV, p. 177-190 ; Notices du Catalogue d'exposition Watteau et son cercle dans les collections de l'Institut de France, Chantilly, musée Condé, Le Musée Condé 51 (octobre 1996) 28, n° 21 ; 32-34, n° 32 à 36 ; 35, n° 37.
 Marin Mersenne, Harmonie Universelle contenant la Théorie et la Pratique de la Musique, Paris, 1636, Edition en fac-similé de l'exemplaire conservé à la bibliothèque des Arts et Métiers et annoté par l'Auteur. Introduction par François Lesure, Paris, Éditions du cnrs, 1986.
 Paris, Bibliothèque Sainte-Geneviève, Manuscrit 1070. Son édition en a été donnée une première fois par François Lesure, « Pierre Trichet, Traité des instruments de musique », Annales musicologiques 3 (1955), 283-387 ; 4 (1956), 175-248. Une deuxième fois, Neuilly, Société de musique d’autrefois, 1957. Et une troisième fois : Pierre Trichet, Traité des instruments de musique (vers 1640). Publié avec une introduction et des notes par François Lesure, Genève, Minkoff, 1978.
 Art du faiseur d’instruments de musique et lutherie, Extrait de l’Encyclopédie méthodique. Arts et métiers mécaniques, Paris, Panckouke, 1785. Reprint Genève, Minkoff, 1972.
 William Waterhouse, The New Langwill Indes. A Dictionary of Musical Wind-Instrument Makers and Inventors, Londres, Tony Bingham, 1993, p. 234. Famille de facteurs parisiens d’instruments à vent.
 Correspondance du P. Marin Mersenne, religieux minime, commencée par Mme Paul Tennery, publiée et annotée par Cornélis de Waard, avec la collaboration d’Armand Beaulieu, Paris, Editions du CNRS, 1932-1986, 16 tomes.
 Donald Boalch, Makers of the Harpsichord and Clavichord. 1440-1840, Charles Mould (ed.), Oxford, Clarendon Press, 1995, p. 153-154.
 Idem, p. 195 ; 661-665.
 Josiane Bran-Ricci, « La flûte traversière chez Diderot. Tentative d’investigation à travers l’Encyclopédie », Imago Musicae 4 (1987), 325-334.
 Diderot et d’Alembert, L’Encyclopédie, ou Dictionnaire raisonné des Sciences, des Arts et des Métiers.
 Claire Chevrolet, Art. « Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers », Marcelle Benoit (dir.), Dictionnaire de la musique en France aux XVIIe et XVIIIe siècles, Paris, Fayard, 1992, 265-271.
 Joscelyn Godwin, Athanasius Kircher. Ein Mann der Renaissance und die Suche nach verlorenem Wissen, Berlin, Edition Weber, 1994. Traduit de l’anglais (1979) par Friedrich Engelhorn.
 Voir les nombreux travaux de Madeleine Pinault sur cette question, et notamment « Les chapitres artistiques des volumes de planches de l’Encyclopédie », Diderot, les Beaux-Arts et la Musique, Actes du colloque international, Aix-en-Provence, 14-16 décembre 1984, Aix-en-Provence, 1986, 67-91.
 Philippe Lescat, Méthodes et traités musicaux en France. 1660-1800, Paris, Institut de pédagogie musicale et chorégraphique, 1991, 178-179. 178-179.
 Antoine, Terrasson, Dissertation historique sur la vielle, Paris, J.-B. Lamesle, 1741. Reprint Genève, Minkoff, 1987.
 Je pense l’avoir identifié avec un instrument conservé au Victoria & Albert Museum de Londres (Inv. N° 220-1866), comme je l’ai montré en 1995 : « L'instrument de musique comme objet de patrimoine : quels objectifs de restauration ? », Conservation-Restauration-Technologie, C. Périer-D'Ieteren et A. Godfrind-Bron (dir.), Université Libre de Bruxelles, 1994-1995, 60.
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 Hector Berlioz, Grand traité d’instrumentation et d’orchestration modernes, Paris, Schonenberger, 1844.
 Henri Lavoix, Histoire de l’instrumentation depuis le XVIe siècle jusqu'à nos jours, Paris, Firmin-Didot, 1878.
 Voir François-Joseph Fétis et la vie musicale de son temps. 1784-1871 [Cat. d’exp.], Bruxelles, Bibliothèque royale Albert 1er, 1972.
 Revue musicale 1 (1827), 18-21.
 Pour les références détaillées de ces articles, voir Florence Gétreau, « Matière et musique : quelques réflexions des premiers organologues de langue française », Matière et musique, The Cluny Encounter, Peer, Alamire, 2000, 19-33.
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 Idem, Antoine Stradivari, luthier célèbre, connu sous le nom de Stradivarius, précédé de recherches historiques et critiques sur l'origine et les transformations des instruments à archet et suivi d'analyses théoriques sur l'archet et sur François Tourte, auteur de ses derniers perfectionnements, Paris, Vuillaume, 1856.
 Adolphe, vicomte de Pontécoulant, « Exposition des produits de l’industrie », La France musicale 35-39, 41-48, 52 (1839), 292-294, 300-302, 310-313, 323-324, 349-350, 357-359, 371-373, 383-385, 393-396, 412-414, 425-426, 435-436, 481-482.
 Adolphe, vicomte de Pontécoulant, Organographie ou Analyse des travaux de la Facture instrumentale admise aux expositions de la France et de la Belgique des produits de l’industrie, Paris, chez l’Auteur, 1839.
 Adolphe, comte de Pontécoulant, Organographie. Essai sur la Facture Instrumentale. Art, Industrie et Commerce, Paris, Castel, 1861.
 Les ménétriers sous l’Ancien Régime, Paris, Klincksieck, 1994.
 Pontécoulant achève d’ailleurs ce chapitre par l’Association des artistes musiciens, fondation du baron Taylor en 1843, dont l’importance est éclairée aujourd’hui par les travaux de Joël-Marie Fauquet et Hervé Audéon.
 P. 204. Voir Florence Gétreau, « Musiques de circonstance. Musiques et instruments : les commandes officielles », et notices 90-93, Napoléon aux Invalides [Cat. d’exp.], Jean-Marcel Humbert (dir.), Paris, Musée de l'Armée, 1990-1991, 73-77, 170.
 Cet instrument est entré au musée du Conservatoire de Paris en 1864 (Inv. E. 233). Il a été reconnu en 1967 comme faux Ruckers, portant la signature invisible de Jean-Claude Goujon, facteur parisien du XVIIIe siècle.
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 Cf. Franck Dobbins, Music in Renaissance Lyons, Oxford, Clarendon Press, 1992. Voir notre appréciation dans « Instrument making in Lyon and Paris around 1600 », Musikalische Aufführungspraxis in nationalen Dialogen des 16. Jahrhunderts: Niederländisches und weltisches Lied von 1480 bis 1640. Instrumentenbauschulen im 16. Jahrhundert, 6-8 mai 2005, Michaelstein, Stiftung Kloster Michaelstein, 26. Musikinstrumentenbau-Symposium, sous presse.
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 F.G. 98. « Vingt ans d’enrichissement pour un nouveau musée (1980-2000) » ; « XVIIe-XVIIIe siècles. Témoignages de la haute société» ; 6 notices d’œuvre, Un musée aux rayons X. Dix ans de recherche au service de la musique [Cat. d’exp.], Joël Dugot, Laurent Espié (dir.), Paris, Musée de la Musique, 2001, 37-52 ; 102-105 ; 106-107 ; 108-111 ; 130-133 ; 134-135 ; 148-149 ; 152-155.
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 Tome II 461-472, F.G. 76. « La vogue des clavecins anversois en France. XVIIe et XVIIIe siècles », Hans Ruckers († 1598). Stichter van een klavecimbelatelier van wereldformaat in Antwerpen, Jeannine Lambrecht-Douillez (dir.), Peer, Alamire, 1998, p. 65-75 ; Tome II 491-513, F.G. 80. « The fashion for Flemish harpsichords in France: a new appreciation », Kielinstrumente aus der Werkstatt Ruckers - zu Konzeption, Bauweise und Ravalement sowie Restaurierung und Konservierung : Bericht über die Internationale Konferenz vom 13-15. September 1996 im Händel-Haus Halle, Christiane Rieche (dir.), Halle an der Saale, Händel-Haus, 1998, 114-135.
 F.G. 37. « René, Alexandre et Jean Voboam : des facteurs pour La Guitarre Royalle », Instrumentistes et luthiers parisiens. XVIIe-XIXe siècle [Cat. d’exp.], Florence Gétreau (dir.), Paris, Délégation artistique de la Ville de Paris, 1988, 51-74 ; Tome II 805-867, F.G. 72. « La dynastie des Voboam : nouvelles propositions », Musique-Images-Instruments 2 (1997), 185-195.
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 Tome II 7-8, F.G. IV. La facture instrumentale européenne : suprématies nationales et enrichissement mutuel, catalogue d'exposition, Paris, Société des Amis du Musée Instrumental, 1985, 248 pages.
 Tome II 9-10, F.G. V. Instrumentistes et luthiers parisiens. XVIIe-XIXe siècles [Cat. d’exp.], Paris, Délégation à l'Action Artistique de la Ville de Paris, 1988, 254 p.

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 Tome II 41-43, 45-48, F.G. XVI- XVII. Ecoles et traditions régionales. 1ère partie et 2ème partie, Musique-Images-Instruments. Revue française d'organologie et d'iconographie musicale. Numéro 6 et 7, CNRS Editions, 2004, et 2005, 280 et 250 p.
 Tome II 769-788, F.G. 123. « Tambours-bourdons en France au XVIIIe siècle », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 66-85.
 Tome II 349-364, F.G. 67. « Entre l'oral et l'écrit. Pratique, transmission et théorie du métier de facteur d'instruments de musique », Ethnologie française, 1996/3, 504-519.
 F.G. 139. « Instrument making in Lyon and Paris around 1600 », Musikalische Aufführungspraxis in nationalen Dialogen des 16. Jahrhunderts: Niederländisches und weltisches Lied von 1480 bis 1640. Instrumentenbauschulen im 16. Jahrhundert, 6-8 Mai 2005, Michaelstein, Stiftung Kloster Michaelstein, 26. Musikinstrumentenbau-Symposium. A paraître.
 F.G. 77. « Le marché de la lutherie à l'époque de Vuillaume : quelques éléments d'approche », catalogue d'exposition Violons, Vuillaume. 1798-1875. Un maître luthier français du XIXe siècle, Jeanne Villeneuve, Emmanuel Jaeger (dir.), Paris, Musée de la Musique, 1998, p. 110-121.

 Florence Abondance [Gétreau] et Pierre Abondance « A propos d’une guitare du XVIIe siècle : réflexions sur la conservation », Guitares. Chefs-d’œuvre des collections de France, Paris, La Flûte de Pan, 1980, 237-261 ; Pierre Abondance, « La vihuela du Musée Jacquemart-André : restauration d’un document unique », Revue de musicologie 66 (1980), 57-69.
 Tome II 53-63, F.G. 10. « La restauration des instruments de musique », Le Courrier du CNRS 38 (1980), 28-37.
 Curt Sachs, « La signification, la tâche et la technique muséographique des collections d’instruments de musique », Mouseion 27-28 (1934), 173-185.
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 Eighteenth Century Musical Instruments: France and Britain. Les instruments de musique au XVIIIe siècle : France et Grande Bretagne, [Cat. d’exp.], Geneviève Thibault, Jean Jenkins, Josiane Bran-Ricci (dir.), Paris, Hôtel de Sully, Londres, Victoria & Albert Museum, Londres, Her Majesty’s Stationery Office, 1973.
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 Sylvette Milliot, « Le centre d’iconographie musicale du Centre de la Recherche Scientifique à Paris », Revue de Musicologie 69 (1983), 85-98 ; Josiane Bran-Ricci, « Organologie et iconographie musicale : deux disciplines en pleine expansion », Aspects de la recherche musicologique au CNRS, Hélène Charnassé (dir.), Paris, CNRS, 1984, 171-177.
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 Tome II, 723-738, F.G. 120. « L’iconographie musicale : définition, constitution de corpus et outils d'exploitation », A portée de notes. Musiques et mémoire. Colloque de Grenoble. 14-15 octobre 2003, ARALD, FFCB, Bibliothèques municipales de Grenoble, 2004, p. 87-101.

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 Inventaire du fonds bibliographique d’iconographie musicale, Institut de recherche sur le patrimoine musical en France, UMR 200 (CNRS/Bnf/Ministère de la Culture), Programme Organologie et iconographie musicale.
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 Tome II 749-767, F.G. 122. « Citterns in French public collections. Instruments and musical iconography », Gitarre und Zister. Bauweise, Spieltechnik und Geschichte bis 1800. 22. Musikinstrumentenbau-Symposium Michaelstein, 16-18 November 2001, Monika Lustig (ed.), Stiftung Kloster Michaelstein, Verlag Janos Stekovics, 2005, 51-68. En collaboration avec J. Dugot,
 Tome II 739-748, F.G. 117. « L’iconographie de la vihuela», Aux origines de la guitare : la vihuela da mano, Joël Dugot (dir.), Paris, Les Cahiers du musée de la Musique, 5, 2004, 41-49.
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 Jean Jacquot, Le luth et sa musique, Paris, CNRS, 1958.
 Jean-Michel Vaccaro, Le luth et sa musique II, Paris, CNRS, 1984.
 Tome II 561-571, F.G. 89. « Concerts et assemblées avec luthiste : un genre ‘à la française’ et ses variantes », Actes du colloque Luths et luthistes en Occident, Paris, Cité de la musique, 13-15 mai 1998, Paris, Cité de la musique, 1999, 295-304.
 Nicole de Reyniès, Sylvain Laveissière, Issac Moillon (1614-1673). Un peintre du roi à Aubusson [Cat. d’exp.], Paris, Somogy, Aubusson, Musée départemental de la tapisserie, 2005, 56.
 Tome II 365-391 ; 473-490, F.G. 71 et 78. En collaboration avec Denis Herlin, « Portraits de clavecins et de clavecinistes français. », Musique-Images-Instruments 2 (1997), 88-114. ; 3 (1998), 64-88.
 Tome II 877-901, F.G. 130. « L’iconographie du clavecin en France, 1789-1889 », Musique ancienne – instruments et imagination, Michael Latcham (ed.), Bern, Peter Lang, 2006, 169-191.

 Tome II 769-788, F.G. 123. « Tambours-bourdons en France au XVIIIe siècle », Musique-Images-Instruments 7 (2005), 66-85.

 F.G. 26. « Watteau et la musique », Watteau. 1684-1721 [Cat. d’exp.], Margaret Morgan Grasselli et Pierre Rosenberg (dir.), Paris, Grand Palais, 1984, 529-543 (traduction américaine, Washington, National Gallery, 1984, 527-545 ; traduction allemande, Berlin, Schloss Charlottenburg, 1985, 533-552).
 Tome II 89-100, F.G. 35. « Watteau et la musique : réalité et interprétation » , Actes du colloque international Antoine Watteau (1684-1721). Le peintre, son temps et sa légende, François Moureau et Margaret Morgan Grasselli (dir.), Paris-Genève, Champion-Slatkine, 1987, 235-246.
 Tome II 101-117, F.G. 36. « Watteau et sa génération : contribution à la chronologie et à l'identification de deux instruments pastoraux », Actes du colloque international de Paris De l'Image à l'Objet. La méthode critique en iconographie musicale, Jacques Thuillier (dir.), Imago Musicae 4 (1987), 299-314.
 F.G. 46. « La musique », Les Noces de Cana de Véronèse : une oeuvre et sa restauration [Cat. d’exp.], Jean Habert et Nathalie Volle (dir.), Paris, Réunion des Musées Nationaux, 1992, 239-255.
 Luigi Beschi, « L’immagine della Musica in paolo Veronese. Una proposta per la lettura del concerto delle Nozze di Cana », Imago Musicae 16-17 (2001), 171-205.
 Tome II 649-669, F.G. 101. « L'image du faiseur d'instruments de musique à la Renaissance », Actes des journées d'étude Les images de la musique à la Renaissance, Tours, Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance, 25-26 octobre 1996, Imago Musicae 16-17 (1999/2000) [2001], 117-136.

 Elle a été étudiée par Anne-Noëlle Bailly-Bouton, La vie et l’œuvre d’Hélène de Montgeroult (1764-1836), Maîtrise de musique, Université de Paris-IV Sorbonne, 1993.
 Tome II 277-283, F.G. 62. « Un portrait d'Hélène de Montgeroult dans l'ancienne collection d'A. de Mirimonde », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 68-75. En collaboration avec Anne-Noëlle Bouton,.
 Tome II 259-292, F.G. 61. « Une harpiste au Concert Spirituel : Mademoiselle Schencker en 1765 », Musique-Images-Instruments 1 (1995), 178-181.
 Tome II 573-595, F.G. 92. « A la recherche du portrait de Monsieur Rindvel jouant de la viole », Actes du colloque international Strumenti, Musica e Ricerca, Atti del Convegno internazionale. Cremona 28-29 ottobre 1994, Elena Ferrari Barrassi, Marco Fracassi, Gianpaolo Gregori (dir.), Crémone, Ente triennale internazionale degli strumenti ad arco, 2000, 203-224.
 Tome II 707-715, F.G. 110. « Un portrait énigmatique de l’ancienne collection Henry Prunières », Musique-Images-Instruments 5 (2003), 148-156.
 Tome II 789-804, F.G. 125. « Romantic pianists in Paris: Musical images and musical Literature », Music in Art. International Journal for Music Iconography 29 (2004) [paru en juillet 2005], 188-202.
 F.G. 135. « Liszt au piano : portrait de groupe et filiations artistiques », L’architecte et le maçon. Le compositeur et l’interprète, Michel Noiray (dir.), en collaboration avec Cécile Reynaud.
 Jacques Cheyronnaud, Mémoires en recueils. Jalons pour une histoire des collectes musicales en terrain français, Office départemental d’action culturelle de l’Hérault, 1986.
 Roger Dévigne, L’atlas sonore de la France. L’équipement et les travaux des missions phonographiques du « Musée de la parole ». De la Mission des Ardennes (1912) à la Mission Alpes-Provence (1939), Annales de l’Université de Paris, 1941.
 Musique & chansons populaires, Paris, Société des nations. Institut international de coopération intellectuelle, 1934, « France. contribution de M. Julien Tiersot », 60-73.
 Joseph Le Floc’h, « Avant-propos », Autour de l’oeuvre de Patrice Coirault. Actes du Colloque organisé par l’Université de Poitiers, Famdt Editions, 1997, 4. Voir aussi Jean-Michel Guilcher, « La chanson folklorique selon Patrice Coirault », La chanson folklorique de langue française, Paris, L’atelier de la danse populaire française, 1985, 101-139.
 Sa collection sur l’histoire de la chanson populaire consistant notamment en manuscrits, éditions rares des XVIe au XVIIIe siècle, recueils et feuilles de colportage, revint à Charles Malherbe en 1908 qui l’offrit à la Bibliothèque de l’Opéra. Ses 2 636 spécimens sont aujourd’hui au département de la Musique de la BnF.
 Tome II 677-690, F.G. 105. « La rue parisienne comme espace musical réglementé (XVIIe-XXe siècle) », Actes du colloque de Montréal Musiques dans la rue, 13-15 octobre 2000, Les cahiers de la société québécoise de recherche en musique 5/1-2 (2001), Rumeurs urbaines, 11-23.
 Tome II 515-532, F.G. 81. « Street musicians of Paris: evolution of an image », Music in Art, International Journal for Music Iconography, XXIII/1-2 (1998), 62-78.
 Tome II 613-623, F.G. 94. « L'homme-orchestre : deux siècles de tradition française », Revue du Louvre. La revue des musées de France 5 (2000), 67-77.
 F.G. 132. « Philippot le Savoyard. Portraits d’un Orphée du Pont-Neuf mêlés de vaudevilles, d’images et de vers burlesques », « L’esprit français » und die Musik Europas. Entstehung, Einflu( und Grenzen einer ästhetischen Doktrin. Festschrift für Herbert Schneider, Michelle Biget-Mainfroy, Rainer Schmuch, (ed.), Hidelsheim, Olms. Sous presse.
 F.G.137. « Guillaume de Limoges et François Couperin : la Ménestrandise parisienne en question » in Instrument und Musik. Festschrift Jürgen Eppelsheim zum 70. Geburtstag, herausgegeben von Silke Berdux und Bernd Edelmann. A paraître. Voir HAL SHS.
 Tome II 27-28, F.G. XII. Souffler, c'est jouer : chabretaires et cornemuses à miroirs en Limousin [Cat. d’exp.], en collaboration avec Eric Montbel, Paris, Mnatp, Editions Modal/Famdt, 1999, 158 p.
 Tome II 691-705, F.G. 108. « La chanson de colportage éditée hors de Troyes dans les collections du Musée national des Arts et Traditions populaires : une esquisse », Chansons de colportage, Textes réunis par Marie Dominique Leclerc et Alain Robert, Reims, 2002, 78-91.

 Voir les sommaires des volumes Tome II 11-13, 15-17, 23-24, 29-31, 37-51.
 Albert Ausoni, La musique, Paris, Hazan, 2005, Guide des arts, traduit de l’italien par Chantal Moiroud.
 A Bibliography of the Iconography of Music, New York, The Research Center for Musical Iconography, Graduate Center of the City University of New York, 1971, 41 p.
 « Iconography of Music. 1976-1995. A Bibliography », Imago Musicae XIV/XV (2000), 380 p.
 Inventaire du fonds bibliographique d’iconographie musicale, Institut de recherche sur le patrimoine musical en France, UMR 200 (CNRS/Bnf/Ministère de la Culture), Programme Organologie et iconographie musicale.
 Danièle Pistone, Répertoire international des travaux universitaires relatifs à la musique française du Moyen Age à nos jours (thèses et mémoires), Paris, Librairie Champion, 1992.









Florence Gétreau, Histoire des instruments et représentations de la musique en France, 2006.


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